LA BAJA AUTOESTIMA DEL PERIODISMO ARGENTINO, EN EVIDENCIA EN LO HÚMEDAS DE SUS BOMBACHAS HÚMEDAS EN LOS FESTEJOS DEL 4 DE JULIO EN LA EMBAJADA DE USA

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UNO EMPIEZA A DARSE CUENTA QUE ESTA GENTE TUVO UNA RELACION MAS QUE ESTRECHA CON LA EMBAJADA NORTEAMERICANA LLEGADO EL MOMENTO. LA CUESTION DEL DIA DE LA INDEPENDENCIA CUENTA SOLO PARA LOS AMERICANOS EN ESTE CASO.

 

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QUÉ HACE ALBERTO PIOTTI EN EL MAILING LIST DE LA EMBAJADA NORTEAMERICANA? ME PARECE QUE UNO EMPIEZA A SABER DONDE RADICA EL PROBLEMA.

 

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EL ACOMODO INSTITUCIONALIZADO Y LA EMERGENCIA DEL SER IRREFLEXIVO

 

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MIGUEL ANGEL TOMA Y DACA Y VUELVA A TOMAR

 

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HORRENDO FRAGA

 

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JUAN MICELI CON ESCARAPELA YANKEE. BIEN!

 

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FERNANDO BRAVO SE MERECE QUE SU ROSTRO DE MC MUFFIN SEA AGREGADO AL MONTE RUSHMORE

 

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SILVIA MERCADO CON CARA DE ‘MAMÁ, TE DIJE QUE INVIRTIERAS EN MI EDUCACION PUBLICA….LLEGUÉ!’

 

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DANIEL SANTORO, UNO DE LOS PERIODISTAS MAS ‘OVERRATED’ DE LA ARGENTINA Y EL EX LADERO DE LILITA CARRIO, LUEGO YAGO Y AHORA ALGO INTERMEDIO.

 

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FACUNDO PASTOR, SILVIA MERCADO Y LA EX (O ACTUAL) DE SOLA. LA MINA ESA SIEMPRE ANDA DANDO VUELTA EN EL MUNDO CULTURAL PERO SIEMPRE LE FALTA CINCO PA’L PESO.

 

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MI AMIGO IVAN ES EL COMODÍN CANCERÍGENO DE UNO DE LOS MOMENTOS MAS ENFERMOS DE LA HISTORIA ARGENTINA. POR SUPUESTO, SU LUGAR ES EL DE UN TAPON QUE NO PERMITE QUE NADA PASE, NI LAS EMOCIONES, NI LAS INCLINACIONES SEXUALES, NI EL ESTILO. TODO ESTATICO EN MI QUERIDO IVAN.

 

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DANIEL ‘HELLO DOLY” SABSAY …’PAPA CAN YOU HEAR MEEEEE….’

 

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DANIEL HADAD, SIMPLY, A PATRIOT

 

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EAU DE MAGNETTE, PARFUM

 

LA MUESTRA EN EL BELLAS ARTES SUPONÍA SER SOBRE OROZCO, RIVERA Y SIQUEIROS PERO TERMINÓ SIENDO UN HOMENAJE DE LOS CURADORES ‘MILITANTES’ A UNO DE SUS ANTECESORES

EN DOS SEMANAS COMIENZA EL CURSO LANP DEL RENACIMIENTO DEL QUATTROCENTO 

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EL PLACER ARGENTINO DE MENTIRSE AL PUNTO DE CREER QUE ADMINISTRAR LA CULPA Y LA EXTORSIÓN ES HACER EL BIEN

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Ayer fui a cenar con un amigo y hablamos de los argentinos y sus ficciones o mejor dicho de cómo, muchas veces, las cosas no suelen ser lo que parecen ser al punto de transformar la realidad en una mentira que el argentino se termina creyendo y, lo que es peor, actuando en consecuencia. Mi amigo, arquitecto, me contaba del modo en el que se esta urbanizando Mar de las Pampas, una zona en la que gente aspiracional del tipo que le gusta creerse su mentira construye casas en foma de cubos a lo Mies en la playa pero con pisos de cemento y focos dados vuelta para simular luz ambiental. Peter Zumthor pero en cuotas, teóricamente, sin interés. El estilo de estas construcciones puede ser llamado Olsen Palermitano en donde todo simula ser escandinavo pero sin la madera, el trabajo artesanal de los materiales nobles y, desde ya, siempre pasa algúna rata por el jardín que el propietario se niega a reconocer como tal. Ahora bien, si nuestra realidad incluye ratas por qué negarlas. Por qué no combatirlas?

La negación parece ser una condición del ser argentino. En sus orígenes, el Rio de la Plata era un lugar de contrabando y no un centro de esplendor cultural. Nuestro puerto era una puerta de atrás por la que la que entraba aquello que no se quería oficializar en Lima. Buenos Aires era un lugar de invisibilidad. Sin ir mas lejos, el paisaje pampeano parece una foto de Sugimoto. Es la carencia de paisaje al punto de la abstracción. Tal vez por eso, en el Museo Nacional de Bellas Artes la pintura de paisaje no es siquiera considerada como lo suficientemente relevante para ser incluida en la colección cuando en realidad lo único verdaderamente importante en este país es el paisaje. En su lugar, miramos a Europa por medio de ventanas (en la Escuela de La Boca) o imitamos los estilos Europeos posando como si fueramos, al menos por lo que dura el sueño, ‘de vanguardia’.

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Esto plantea un grave problema porque pareciera ser que en nuestro ADN esta la necesidad de reproducir gente que o bien genera ficciones de si mismas (‘yo soy de clase media y tengo edificio con pileta porque los pobres me financian la energia’, ‘Milo Lockett es arte y solidaridad’, ‘viajar a Miami en 12 cuotas y en una Aerolineas Argentinas subsidiada … por los pobres’, por ejemplo) o bien se automonumentalizan erigiéndose como los buenos del mundo. Esto es lo que yo llamo ‘el buenismo argentino’ como diferenciado de la bondad o hacer el bien. El ‘buenista’ cuando no es dejado hacer lo que el o ella entienden como ‘el bien’ se transforma en la encarnacion del mal. Son ellos los principales agentes de la culpa y los traficantes de extorsion. Por lo general, son sujetos desclasados (para si mismos) que, sin embargo, viven de alguna propiedad heredada, alguna pension o los derechos intelectuales de los padres. Hay muchos en Palermo y sus adyacencias y desde ese lugar de resentimiento cultural y social juzgan el ‘mal’ como si ellos pudieran distinguir el bien del mal atraves de su narcisismo ‘bienista’. El país de la culpa y la extorsion es el país que niega su paisaje para mirar a un pasado que, según dicen, lo hace especial. La realidad es que las ratas siguen pasando por el jardín. J A T

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MIS RAZONES PARA QUE HERNÁN DUPRAT CAMBIE LA COLGADA DE ARTE ARGENTINO DEL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES CURADA POR ROBERTO AMIGO Y LA GESTIÓN KIRCHNER

En el 2015, el, entonces, Curador en Jefe del Museo Nacional de Bellas Artes, Roberto Amigo reorganizó la colgada de la colección de arte argentino con la presencia no sólo de lo más granado de la comunidad artística sino también con la presencia de la entonces Presidente de la Nación, Cristina Kirchner. Dicha colgada fue el producto de cuatro años de trabajos y refacciones y el resultado puso en blanco sobre negro un tipo de lectura de la historia del arte argentino que considero, valga la redundancia, muy argentina por brindar al espectador una lectura estabilizada que allane toda ambiguedad inherente a la practica artistica, en tanto tal, al tiempo que empuja al virtuosismo de la pintura a un lugar secundario. Para esa lectura, la estética solo tiene sentido si se presenta como instrumento ético o, mejor dicho, político.

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Desde el nivel más alto de la curaduría del Estado, el arte argentino pasó con esa colgada a ser leído como un instrumento en una lucha, básicamente, de clases que presenta como punto de inflexión a la obra de Antonio Berni.  Segun el texto curatorial: ‘La obra de Antonio Berni permite recorrer el arte argentino del siglo XX tanto desde los avatares políticos como a partir de los cambios de los lenguajes artísticos. Berni postula ‘el nuevo realismo’ en los años 30: búsqueda de lo mágico en la vida cotidiana y de lo trascendente. En la posguerra toma partido por la figuración frente a la abstracción, alineado con los intelectuales comunistas realiza obras como San Sebastián en Paris. (…) Durante la dictadura militar argentina (1976-1983), poco antes de su muerte, retorna a la apropiación de la iconografía religiosa para dar cuenta del terror y la represión, como el Cristo en el departamento y Magdalena’. El MNBA y Roberto Amigo, en particular, no se equivocan al tratar a la pintura como un modo de ‘decir sin decir’, sobretodo en tiempos de autoritarismos; sin embargo, este lugar de ‘actor social y político’ deja al ‘pintor’ en tanto artista en un segundo plano y el resultado es que, con él, se acaba sesgando toda la lectura del arte argentino. Voy a volver a la obra de Berni y el modo en el que las lecturas ‘peronistas’ han desviado la atencion de la pintura en tanto tal como si la celebracion de la materialidad de los pigmentos y los trazos tuviera que ver con algun tipo de ornamentalismo politicamente ineficaz y por lo tanto, burgues.

Es quizá por ello que a metros de Berni en la sala correspondiente al ‘Arte de la Posguerra I’, el subtítulo colocado por la curaduría es el de ‘la nueva hegemonía’, uno supone de los Estados Unidos, en el marco de la Guerra Fría. El texto plantea que había ‘una disputa por la hegemonía cultural que se simplificó en una polémica entre abstracción y figuración’ (sic), para luego decir que ‘en Europa perduran los rasgos de una modernidad de preguerra. La innovación surge desde las superficies texturadas, la búsqueda de gestos infantiles o la violencia de colores contrastantes’. Este debate entre ‘abstracción y figuración’, uno debe suponer, presupone que la abstracción está vinculada al ‘Expresionismo Abstracto’ norteamericano en el que el subjetivismo no figurativo funciona como alegoría del sujeto maximizador de beneficios capitalista y la figuración tiene que ver con la claridad politica necesaria para comunicar el mensaje del ‘realismo socialista’.

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El problema con una aproximación tan simplificante del debate del arte de posguerra es que la evidencia visual no encaja en lo planteado por la curaduría. Es quizá por esto que dos de las obras más maravillosas de la coleccion deben ser marginadas al pasillo de una sala en la que dos muy menores Mark Rothko y un Jackson Pollocks sostienen el peso de tener que demostrar la supuesta ‘hegemonía cultural’ postulada.. Las obras que no encuentran su lugar en esta narrativa son ni mas ni menos que tres obras del británico Ben Nicholson y la Natura Morta de 1964 de Giorgio Morandi, cuatro pruebas fieles de los problemas que tamaña simplificacion conllevan. El problema con esta colgada es que al leer el arte como una ejemplificacion de un juego de posiciones ideologicas empuja las cuestiones formales y esteticas a un lugar irrelevante. IMG_1059

La sala siguiente esta dedicada al Arte Concreto y Abstracto Argentino y allí, las contradicciones del planteo curatorial de Roberto Amigo se siguien profundizando. Si bien uno podría pensar que, de acuerdo a lo planteado en las dos salas anteriores, el desarrollo del arte abstracto argentino estaría vinculado con la resistencia o alineación a los designios del centro hegemónico expresionista abstracto, la curaduría de Amigo cambia el eje del conflicto, aunque mantiene la lectura dialéctica y materialista al colocar al Arte Concreto Argentino en las antípodas del nacionalismo peronista. En este contexto, las exploraciones de Victor Magariños de la obra como ampliación perceptiva de los avances de la ciencia, Cesar Paternosto y la prolongacion de la pintura hacia lo laterales del bastidor para generar una continuidad espacial que subraya el character de objeto de la obra, aproximandose a las ‘estructuras primarias’, y los desarrollos de Alejandro Puente en material de análisis linguístico como base de la ‘programación’ del color, aparecen como anécdotas irrelevantes comparados a las grandes fuerzas dicotómicas que parecen dinamizar la historia, de acuerdo a la curación oficial.

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El Hegelianismo de la lectura de Roberto Amigo hace muy difícil ver a la pintura por lo que es y ‘Simulacros’ (1966) de Alfredio Hlito, ‘Pintura (en rojos)’ de Sarah Grillo (1958), ‘Pintura’ (1958) de Jose Antonio Fernandez Muro, ‘Lineas tangentes’ (1955/1956) de Alfredo Hlito, ‘Pintura’ (1966) de Manuel Espinosa, ‘Pintura’ (1964) de Victor Magariños D., ’Naranja, magenta y azul’ (1966) de Cesar Paternosto y ‘Composición geométrica’ (1949) de Juan Del Prete acaban siendo presentados como meros ejercicios plásticos que no logran expresar con la claridad de sus contraparte norteamericana el punto individualista y extranjerizante del que son acusados por el ‘nacionalismo peronista’.

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Esto hace que el espectador vea al arte abstracto argentino como un mero ejercicio intelectual sin relevancia histórica. Podría afirmarse que el modo en el que el MNBA presenta al arte abstracto argentino es ornamentalista y esto se profundiza en la sala siguiente dedicada al Arte Cinético Argentino. La maravillosa obra de Gregorio Vardanega de 1965 parece la version cinetica de la obra de Manuel Espinosa en la sala anterior. El espejamiento es obvio pero irrelevante para los fines de la diferenciación entre arte cinético y abstracto.

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Es en la sala siguiente en donde los limites de la lectura ideologizante se hace evidente y la curación decide darla por finalizada con el gesturalismo e informalismo Kasuya Sakai, ‘Gris con puntos oscuros’ (1959) de Clorindo Testa, la ‘Combustione’ (1960) de Alberto Burri y por supuesto, con Alberto Greco. Según el texto curatorial, ‘el fin de las utopias modernistas abre paso a los artistas que reivindican la materialidad fisica de la pintura, lo informe, la huella, el automatismo’. Es como si, para Amigo, la vuelta a la materialidad solo pueda ocurrir por fuera de todo control pictorico y virtuosismo que sigue siendo presentado como ‘burgues’. A esta altura uno se pregunta donde ha quedado la pintura argentina en medio de un esquema interpretativo tan rigido que, sin embargo, fue iniciado tres salas antes con Antonio Berni.

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La sala siguiente parece querer dar una respuesta parcial a estos interrogantes pero el resultado es preocupante ya que la pintura parece ir de la mano de la celebración de la tierra y lo indígena excluyendo toda iconografía que por urbana o de clase media pueda ser confundida con ‘burguesa’. En esta sala el canón de la pintura nacionalista, indigenista y gauchesca emerge con fuerza con Alfredo Gramajo Gutierrez y su ‘Retablo de Jesús’ (1937/8) y ‘El Embrujado’ de Cesareo Bernardo de Quiros y los paisajes serranos y cordilleranos de Walter de Navezio y Martin Malharro, respectivamente. A esta altura, es evidente que la curaduria del arte argentino no prestó ninguna atención a un genero fundamental en un país con la extension y belleza del argentino como el de la pintura de paisajes. Esto obedece que para Amigo el único arte importante es el que cuenta la historia de la lucha de ‘clases’.

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La lectura política y social se reafirma en la sala dedicada a ‘los lenguajes modernos 1920-1945 en tanto ilustraciones de situaciones sociales (inmigración, el campo, el trabajo, el teatro, etc). Esta sala presenta una obra por artista y la superposición de estilos y cercanía de una obra con la otra es tal que el disfrute de la pintura se pierde en lo que, a esta altura, podría ser considerado como un catálogo de pintura pero difícilmente una curación. Allí, ‘Santiagueños’ (1927) de Ramón Gomez Cornet, ‘La Mujer del Pantano’ de Juan Carlos Castagnino (1944), la increible ‘Mujer frente al mar’ (1947) de Luis Seoane, ‘La pérdida del hijo’ (1945) de Eugenio Daneri, ‘(Estudio) Retrato de Mujer’ (1937) de Miguel Diómede, ‘Entre telones’ (1936) de Enrique Jose de Larrañaga, ‘La Venus criolla’ (1934) de Emilio Centurion, ‘Cocina bohemia’ (1941) de Miguel Carlos Victorica, ‘Ribera de la Isla Maciel’ (sin fecha en el catalogo!) de Alfredo Lazzari, la maravillosa ‘Desde mi estudio’ (1938) de Fortunato Lacamera, la bizarra ‘Bocacalle de Sarandi’ (1940) de Gertrude Chale, ‘Playa’ (sin fecha en el catologo!) de Horacio Butler y ‘Calle de la Boca’ (1930) de Victor Cúnsolo pierden toda relevancia como manipulacion de la pintura y pasan a ser meras ilustraciones de procesos historicos y sociales. Esta no es una muestra de pintura sino de como la pintura ilustró lo que acontecía en el país leído desde una perspectiva ideologizada. A esta altura, uno comienza a creer que Roberto Amigo modelo el corpus del arte argentino como si fuera una gran escultura cuya forma coincide con el discurso nacionalista de centro izquierda del gobierno de Cristina Kirchner que, mas alla del posicionamiento politico del espectador, resulta irrelevante al momento de la construcción de un discurso visual de la pintura argentina, en tanto tal. Esto, en algún momento, debe ser revisado por el nuevo director.

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EL ESTRENO DE ‘COMO EL CULO’ REFLEJA EL ATROZ MODO ARGENTINO DE CALZARSE

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Estos son dos capos y por lo menos, y mas alla de todo, se enteraron de que tienen que vestirse para ir a un estreno. Bien por ellos! Ahora bien, si este es el punto mas alto, imaginense el resto…

 

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Las pantorrillas Peter Pan de Luisa Albinoni, nos dan la pauta de que esta ‘alfombra mersa’ va a tener que ver con toda la parte inferior del cuerpo y, posiblemente, nos permita ver el atroz modo en el que los argentinos se calzan.

 

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Pesimo cuero y pantalones chupines como muy mala sastreria y ni halbar de la piel. Christian Sancho no se trata bien.

 

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La Tana se rie para no llorar. Ademas, y esto lo digo desde Roma, habria que ir sacandole el apelativo de ‘italiana’ porque no queda nada italiano en esta persona

 

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ay ay ay… Katja Aleman y esos zapatos. Creo, a esta altura, que hay un problema de financiacion de nuestros ‘famosos’. Esto no ocurre en otros lados del mundo. No entiendo por que se invita a gente que se viste asi a eventos y, en todo caso, si se los invita por razones afectiva porque se los fotografia en un contexto de ‘alfombra roja’. Esas botas estan viejas y eran de muy mala calidad desde un principio. Aca necesitamos un upgrade en todos los frentes.

 

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Lo de Pablo Trapero califica como atrocidad. Los chupines marcandole el micropene es inaceptable sobretodo porque es chueco. No entiendo el concepto. Y ella es como la nada misma toda amatambradita.

 

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Linda familia. Sobretodo la madre con ese sobretodo negro Burberry’s.

 

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Con ese saquito, ese vestidito de moza de Havanna y esos zapatos de la Avenida Avellaneda no podes reirte y tener arrugas de operacion barata de nariz porque es sencillamente…demasiado.

 

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Un taxista y un trava.

 

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Martin Ortega iba a conocerme en Buenos Aires pero arrugo. Me dijeron que me tiene miedo. Lo bien que hace!

 

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A esta altura el problema no es solo de calzado sino de esas camperas que se ponen y que no tiene la mas minima forma.

 

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Gabriela Sarli y Rulo. Que se yo… mejor

 

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Que actriz!! Cuanta sutileza… La Maggie Smith de la Calle Corrientes

 

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Atencion el decorado…. cuelguen bien el escudo, por lo menos…

 

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Ella siempre avalanzandose sobre los putos.

 

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Alguien que saluda asi es un pelotudo

 

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obviamente…sin lengua

 

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Los ojos del hijo de Fabio Posca estan demasiado apartados…tiene algo de pez.

 

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MIra el corte de pierna que se manda la Walter Quiroz. Esto es una onda la Raulito se va a hacer trecking. O lo uno o lo otro. Decidite, pibe.

 

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Esta loca tiene cara de fiestera. Quien es?

 

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La coincidencia entre la remera, el poster y la cara son algo sintomaticos. Ahora… por qué zapatillas rojas? Nadie se viste mas en la Argentina para salir? La depresion se ha ramificado…

 

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Y esto…? Alguien me lo puede explicar? Quien es? El espiritu de Lolita Torres antes de perder la virginidad?

 

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Danielito Araoz esta casado con una amiga mia cordobesa. Es un capo. Igualmente, el calzado acompaña la lamentabilidad del resto. Si te vestis de oscuro…cual es el sentido de ponerte zapatos de gamuza marron caca seca?

 

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Me preocupa mucho Walter Quiroz… esta como medicado o, mejor dicho, poseido. Que pasa ahi?

 

 

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‘LA APERTURA DE VIDEOMATCH DEJÓ AL DESCUBIERTO LA HISTERIA DEL SER ARGENTINO’

Entrega-Fierro-Tinelli-Marcelo-Movilpress_CLAIMA20150615_0035_37ESTE TEXTO NO FUE ESCRITO POR MI SINO POR EL LECTOR JOHANN HOFZINSER:

La apertura fue un reflejo de lo mejor y peor del espectáculo argentino. Hay que admitir que hay gente talentosa, que van desde bailarines, cantantes, escenógrafos, técnicos de iluminación, etc. El problema es que eligen mal. Y eso pone al descubierto la histeria del ser argentino.

– Para Tinelli más es mejor y se nota. La apertura duró como hora y media con un sinfin de cuadros musicales pegados uno al otro sin hilo argumental. Si nos ponemos revisionistas grecorromanos, el teatro clásico era así: una sucesión de obras pegadas entré (epica, poetica, comedia, etc). Pero no creo que Tinelli haya leido a Herodoto.

– La primera media hora fue la tipica apertura donde Tinelli se hace el autogracioso mientras una plétora de celebrities disfrazadas de gente comun (empleados de supermercado, vendedores, etc) lo bardean mientras llega de Aeroparque y va a Ideas del Sur. Este esquema de sketch es gastado y no aporta nada. Terminó como siempre con Adrian Suar y él tirandose dardos inofensivos. Sigh…

– Los números musicales ganaron por cansancio y acumulación. La canción de Candelaria Tinelli no aportó nada y a ella se la vio incómoda. Es muy obvio decir que ella estaba ahi por ser hija de Tinelli y nada más. Me imagino que las chinas del Cirque du Soleil que hicieron su número de contorsionismo la deben haber mirado con cara de “esta pendeja no hizo nada en su vida y ahora compartimos escenario”.

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– Hubo dos momentos casi antitéticos: el de Mora Godoy bailando en una plataforma a 60 metros colgada del Obelisco y el de Pampita bailando Beyoncé en la Villa 31. El primero, fue de lejos, el mejor. Donde si bien se utilizó un tango de exportación (el tema era de Bajofondo), Godoy es una bestia y la logística para subirla ahí salio perfecto. ¿Spectacle en el sentido de un Coliseo romano? Sí, pero bien hecho y hasta digamos, lejos de la grasada que son las bailarinas-gato de Tinelli atrás. El número de Pampita fue patético. Primero unos raperitos horribles (y si bien Argentina no es nada en el hip hop mundial, hay un par de pibes que son mejores que estos). Después, ella en ropa interior con malla de red simulando unos pasos básicos de baile. El problema es que Pampita vaya a la Villa 31 a bailar Beyoncé. Eso convierte una realidad social en un mero circuito de turismo antropolóogico donde, segun lo que se vio, la Villa es todo color y alegría. Lo mismo que hacen con las favelas de Rio hicieron lo mismo acá. Esa descontextualización de la realidad es peligrosa, pero siendo Tinelli no se espera otra cosa de él. Nunca se jugó politicamente en nada, siempre quedó bien con todos y su responsabilidad social como uno de los personajes más importantes de Argentina es CERO.

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– Por un lado se nota que hay talento en algunas cosas pero está mal aprovechado. Hasta se podria decir “tinellizado”, como sinónimo de mediocridad y de desaprovechar el talento propio en pos de un pensamiento inmediato y superficial. Además la pelea unitarios y federales del 1800 sigue vigente. Tinelli es ciudad de Buenos Aires y nada más. Nadie dice que ponga una peña folklórica (bueno, podría) pero su mirada es hacia afuera con lo que el supuestamente cree que deberíamos ser los porteños (y la Argentina toda): un seres que con un poco de gracia zafamos de todo y nos creemos que estamos en Lifestyles of the Rich and Famous de Robin Leach pero que en realidad nos vestimos con telas compradas en Once y mal confeccionadas.

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‘EL FRACASO DE ARTEBA RESIDE EN EL MISMO ARTE ARGENTINO QUE DE TANTO COPIAR CAYÓ EN UNA ESPIRAL DÍFICIL DE SALIR’

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TEXTO ESCRITO POR EL LECTOR MARCELO ROCCA (NO POR MI)

Arte Ba, fué siempre un fracaso, no es nuevo. Es una “feria” donde solo hay tomates podridos, aguacates pasados, y algunas bananas negras. Vamos por partes:

1. Su fracaso reside en el mismo arte argentino, que de tanto copiar y mirarse el ombligo cae en una espiral de la cual no creo pueda salir; hasta que no haya una educación seria en Bellas Artes y un compromiso de los artistas por superarse y no solo pensar en el dinero nada va a cambiar.

2. Recuerdo hace años atrás, que siempre hubo un Milo, y siempre al año siguiente lo sacaban, porque vendía demasiado. O ya nadie recuerda al Mr. Grasa derrochando champagne arriba del escritorio de la Chanchorena por sus “exitosas” ventas? Hoy si no lava platos, no come.

3. Todos los años 3 coleccionistas amigos (uno de ellos tiene en España una de las colecciones mas grande de Torres Gracia, Gurvich y toda la escuela contructivista hasta hoy día) del exterior me envían su VIP, ellos no vienen mas. Porque? Principalmente porque es una feria localista, demasiado localista. Ellos en una feria buscan oportunidades, o ver lo nuevo de sus artistas internacionales favoritos, en MACO Mexico por ejemplo (no es gran cosa esa feria, pero bueh!) encontras desde Anish Kapoor, Hirst, Baldessari y por supuesto locales como Orozco, Amorales, etc. Uno de ellos me dice: “los mejores artistas argentinos no estan en argentina”. Porque si partimos de que Argentina no es ni será un pais serio, un artista no puede cotizar en miles de “dólares” cuando no lo conocen ni en Venezuela. Agrega el tercer coleccionista: “porque voy a pagar en dólares algo argentino, cuando con la misma plata compro artistas consagrados en el exterior, con carrera comprobada?”

4. ArteBA, fué siempre al ritmo del país, en la era K, la grasa, en la era Amarilla, la pose fake. No pretendamos que en un país donde la gente muere en accidente de trenes “subvencionados” a Marta se le caiga una idea nueva. O donde los pelotudos se sacan fotos con la escultura de Koons (tiene obras mucho mejores) en el MALBA mientras cuidan sus iphone para que no se los roben.

5. Hace dos años quisieron traer a Maurizio Cattelan, no pudieron. Esto demuestra que necesitan del show off para levantar la feria.

6. Tengo la suerte de exponer en ferias del exterior, hasta los directores se acercan y se presentan para saber si necesitas algo, o podes acercarte a ellos sin diferencias. Recuerdo en Arte Ba 2014 cuando con mi galerista saludamos a Converti, no entendía porque no nos miraba a los ojos, hasta que me dí cuenta que es pelotuda.

7. Lo que cobra un stand ArteBa es una locura, cuesta lo mismo que cualquier otra feria en NY, o Europa, Basel sabemos que es muuuucho mas caro, pero ArteBa no es muuuucho mas barato, o sea, es una locura.

8. Entiendo que en este hermoso y bello mundo, todo se maneja con amor y dinero. Entiendo que los que organizan ArteBa quieran ganar dinero, lo comprendo y hasta respeto esa desición, también pasa en otras ferias del mundo que se arman “mafias del amor”, de hecho Gary Nader en Miami tiene muy controlado quien entra a Basel y quien no con respecto a galerías de la zona. Lo que no entiendo es querer dar una imagen siempre de éxito, una imagen “maradoniana” de soy un genio reventado y me la banco. Será que así somos los argentinos?

9. Arte Ba es fundación? Porque no son sinceros? Porque no dicen: “Somos una empresa privada, no queremos ser el faro del arte ni una bienal, pero si ganar dinero y divertirnos”

10. Que increíble se ven las cosas desde afuera, nada mejor que viajar y tomar distancia para pensar. Es tan fácil hacer una feria seria, bien organizada, y con un lineamiento curatorial sincero y no con pedos de colores. Porque a los argentinos nos gusta ser mas de lo que no somos?

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CANDE TINELLI, DANIELA CARDONE Y ROBERTO PIAZZA SON EL TRIANGULO DE LAS BERMUDAS DEL GUSTO ARGENTINO

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EN SU INTENTO DE SER UNA JENNER, CANDE VA A CANTAR EN LA APERTURA DEL PROGRAMA DE SU PAPI

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PODÉS ESCUCHAR LA PRIMERA PARTE DE MI CHARLA CON REP AQUÍ

http://radiocut.fm/radiostation/am750/listen/2016/05/11/23/10/15/

ESTA ES SOLO LA PRIMERA PARTE. LA SEGUNDA Y TERCERA SALEN HOY A LAS 23 HS POR

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ALEXIS MINKIEWICZ ES PARTE DE ESE INSTALACIONISMO ARGENTINO OBSESIONADO CON UN PASADO QUE NI SIQUIERA LE ES PROPIO

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Alexis Minkiewicz se ha hecho famoso, por medio de este blog, como amante o acompañante del coleccionista y operador cultural Esteban Tedesco quien, como lo hemos dicho hasta el hartazgo, lo ha venido ayudando en su carrera y, el ultimo ejemplo de esto, es la muestra que Minkiewicz inaugurara ayer en el Centro Cultural Recoleta bajo el titulo de ‘Resero va… a Norberto Gomez’ y con esto Minkiewicz intenta, mediante el homenaje y el halago, asociarse con el legado del escultor.

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En realidad esta muestra permite ver una ‘tendencia’ entre los artistas argentinas ‘instalacionistas’ facilistas de su generacion que (yo creo que la palabra es) ‘dejan caer’ su obra frente al espectador con la violencia porteña y picara del ‘as debajo de la manga’. Ejemplos de estos hay muchos pero, dos de los explorados hace poco en el blog son los de Agustina Woodgate y Matias Duville quienes tratan de justificar su obra atraves o bien de los materiales o atraves de la tematizacion de esos materiales como alegorias de una alusion al pasado, a la patria o a la genetica que, por alrguna razon, es fuente de valor artistico. Así, mientras Matias Duville abandona a la violencia de los elementos pampeanos la elevacion aplanada de un tinglado pampeano como si esto tuviera algun sentido artistico, Agustina Woodgate buscaba agarrarme por sorpresa con un cross de derecha al contarme que las formas romboidales de sus bebederos no eran alusiones al Tetris sino al Palacio de las Aguas de la Avenida Cordoba en Capital Federal, ahora, Minkiewicz hace lo propio con su alusion al matadero, al resero y a Norberto Gomez.

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Pero meterse con la carne expuesta lo arrastra al centro de una tradicion artistica que se remonta al protocristianismo, el barroco y por que no, el humanism del siglo XX. La pregunta es qué hace con ese legado y para qué lo usa. A un nivel mas elevado uno puede ver en su cruz en forma de X la crucifixion de San Andres. Sin embargo, no hay nada de Andrés en Minkiewicz quien lejos de caracterizarse por la humildad al negarse a ser crucificado en una cruz en forma de T como fuera Jesucristo, elige los abrazos gerontofilos de un cirujano plastico devenido en coleccionista que encarna la mayor deflacion cultural de los ultimos cincuenta años en tanto vertice de un agotamiento cultural representado por el mundo del arte y tambien, por que no, el mundo gay. La figura de Tedesco es en si mismo una alegoria de las ultimas dos decadas y la decision del artista de abrazarlo, metaforica y literalmente en lugar de rechazarlo para indicar con su arte el camino cultural a seguir, constituye a esa relacion en una asociacion que les cuesta a los dos mucho mas de lo que pueden llegar a reconocer.

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La otra alusion elevada es, desde ya, a las carnicerias de Rembrandt o Annibale Carracci y es ahi en donde el humanismo de Norberto Gomez debe entenderse, y ni hablar de Picasso y el expresionismo de la violencia carniceril de Francis Bacon. Sin embargo, nada queda de la expresividad de Gomez en este ‘Resero Va’ de Minkiewitz quien va dandose cuenta de que habiendose salido de la costa para nadar en aguas algo mas profundas le da taquicardia y el resultado esta a la vista..

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Ver estas imagenes con el regodeo de la mala manufactura y el desrespeto por la intencionalidad artistica transforma a esto en un espejo para reflexion sobre la funcion de un centro como el Recoleta. Cómo es posible que algo de tan baja calidad sea albergado alli habla del gusto de sus expectadores mas que del artista. Este es un pais, como diria Marcia, fantasmagoricamente embrutecido. Es por eso que defendí a capa y espada en esa infame entrevista radial el derecho a usar la palabra ‘bruta’ en el momento y el modo que amerite ser usada. He aqui nuevamente la pregunta etica. Por qué hacemos lo que hacemos? Uno supone que en Mankiewitz hay una suerte de fascinacion con algo externo a la obra que puede ser el estilo de vida que se le muestra y se le promote a cambio de un poco de compania y, posiblemente de algun que otro tacto. El pretende mantener la independencia de su carrera intentando engañarnos y enganarse de que lo que hace le sirve. J A T

SI NO VISTE MI CHARLA CON AGUSTINA WOODGATE, LA ARTISTA CUYA OBRA CARACTERICE COMO UNA BASURA, ESA ES TU OPORTUNIDAD,


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EL PRÓXIMO CAÑECHAT ES CON EL ARTISTA ARGENTINO RADICADO EN CHILE, ELÍAS SANTI

SI NO LEISTE NUESTRA CHARLA ‘A CALZÓN QUITADO’ ESTA ES TU OPORTUNIDAD

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Rodrigo Can: De las cinco imágenes que me mandaste hay algo que me llama poderosamente la atención y es la importancia en términos de iconografía del centro físico del plano pictórico. Por ejemplo, en La Fabrica del Mundo es el el ojo del Tucan, en El Circulo Vicioso es el mantel que aparece como descolorado y ‘vicioso’ en medio de semejante composición. En Las Particulas Elementales, el centro del plano es la oscuridad. Es una pintura muy interesante porque nadie se mira y todo es desconexión. En Orbita Prima la pintura es una boca que uno quiere besar o coger y finalmente, ese San Juan Bautista del final se cierra en su corazón. En otras palabras, tus pinturas son como ojos que miran al espectador y del cual uno no se puede escapar. Que te parece lo que digo?

Elias: Luego de leer tu mensaje no pude mas que ver el centro de todas las pinturas para encontrar cual era el icono que habitaba en cada una de ellas. Así lo hice, fue muy divertido y te lo agradezco mucho.

Mi hallazgo favorito es el centro de “La lectura” que es el pie descalzo sobre la piedra. He sentido mucho ese icono y se que es una clave en el desarrollo de la comunicación telepática. Si bien ahora no lo comprendo en lo absoluto, eso es una buena señal.

Con el pasar de los días pude oír y visualizar en situaciones concretas lo que el Universo tenia para decir sobre esta noción que has compartido conmigo.

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Fueron varias las señales pero las mas claras para mi han sido estas dos.

La primera a través de un texto de Goethe pensador universal.

Leyendo una mañana.

Si el ojo no fuese astral

no podría ver el sol

Si no estuviera conmigo la misma fuerza de Dios

¿Extasiarme a mi podría

lo propio de la deidad –

Zohme Xenien 3

Y la Segunda a través de mi mano, en un dibujo donde claramente lo que encierra la palabra “Espejo” es un ojo. Y no lo había visto hasta ahora.

Entonces lo que el Universo, la Vida o como prefiera cada uno llamar nos dice a través de este dialogo es:

Todo ojo es un espejo.

Simple, maravilloso e infinito, como todo lo que dice siempre.

Siento un poco haberme explayado tanto, trataré de ser mas breve la próxima.

Rodrigo: Si te vas a extender asi, vale la pena asi que por mi extendente todo lo que quieras. Dos reflexiones respecto de lo que venimos hablando. Ese pie en medio de esa pintura es tanto una patada como un fragmento y de tu parte tiene que ver con una cuestion que veo como desafiante. Estoy pensando en una pintura que planteo un desafio muy concreto y es el San Mateo con el Angel de Caravaggio que pensada in situ (es decir, encima de un altar) pone al pie casi sobre la Eucaristia, es decir en el lugar central. La Eucaristia es el ojo por antonomasia. Caravaggio tiene otra pintura que a mi me parece fascinante y es el Narciso. Narciso fue el primer pintor ya que crea su propia imagen como algo objetivo y fuera de si mismo (de la que, ademas, se enamora). En otras palabras, el ojo y el pie parecen ser dos caras de la misma moneda. La pregunta seria entonces: es tu pintura una exploracion de tu oficio para discutir mediante el conocimiento visuales cuestiones fundamentales de nuestra condicion humana? Me extendi demasiado?

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Elias: Si, lo es. Si bien no pinto para discutir, pinto para que sea.Y eso que pintando será, cada vez está menos plagado de intenciones y mas plagado de confianza. Siento que mi pintura esta aprendiendo a bailar. Y eso es en gran parte gracias al dibujo, la acción de arte mas honesta , mágica e infinita que puede existir.

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El pie es ahora para mi lo desconocido. Y poner un pie en el agua, es decir en el espejo. Es algo que puede darme temor y esa es la señal que indica “hazlo”.

Si consideramos que nosotros aquí conversando representamos fractalmente a toda la humanidad, estamos todos ya con los pies en el agua. Lo has notado?

Este dibujo lo hizo Marina Gerosa una de las asistentes a mi taller.

Veo el narciso apunto de mover el agua que lo refleja con su mano izquierda, y parece que ya es hora de darse una zambullida en su propio reflejo.

El portal a un verdadero viaje interestelar.

Rodrigo: Ufff. Que diria Tiziano o Velazquez de tu comentario del dibujo. En la tradicion de la historia del arte el dibujo (o disegno) y el color (colore) aparecen como contrapuestos. Desarrolla un poco mas esta idea del baile, el lapiz y el dibujo al que voy a contraponer con la fotografia, la escultura y la pintura atraves del color (Cezanne, por ejemplo).

Respecto de la imagen de Caravaggio que Marina dibujo me parece mas que interesante porque lo que hace Caravaggio es crear en el reflejo del brazo un circulo del que Narciso no puede escapar. Generalmente, es la imagen de Narciso la que se objetifica en tanto paralizada. En otras palabras, lo que Caravaggio dibuja es el momento del enamoramiento consigo mismo mientras que lo que Marina dibujo es el momento en el que Narciso se da cuenta que esta enamorado de algo que no se puede besar. Cuando en Caravaggio hay esperanza y amor, en la reproduccion de Marina hay certeza del fin.

De algun modo esto es lo que me ocurre hablando con vos. Sos un artista que abre posibilidades con la imagen y con el discurso las cierra. Es tu pintura, el reflejo melancolico de Narciso o su final depresivo que (como sabemos) en el caso de Ovidio, termiina en una flor y su total banalidad?

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Otra cosa interesante de tu identificacion con Narciso es lo bisexual. Tu paleta y tu dicurso son profundamente fluidos en terminos de genero.

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Elias: Velazquez, está diciendo algo ahora mismo en alguna dimensión dentro de la curva del tiempo, que será? Siento hermoso tu comentario por que también me has recordado que Velazquez está pintando ahora mismo. Y nosotros aquí en su futuro reflejamos, entre otras cosas, su eternidad y la eternidad de la pintura.

Me resulta difícil ahora desarrollar la idea del baile porque estoy en medio del baile y aquí están contenidos todos los significados  y aquí también se desintegran. Mas, a riesgo de equivocarme, te diré que esta es la danza del agua como elemento y como símbolo universal de nacimiento.

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Acepto la noción de contraponer el dibujo y sus ondas al color, la fotografia y la pintura, según patrones de herencia cultural, pero bajo mi visión positiva y solar es imposible en este caso no dirigirme enérgicamente al aspecto que los potencia y complementa a todos hasta ver a uno y su reflejo, es decir once. Porque, imagina, soy un hijo del mismísimo fuego aquí aprendiendo esta danza cristalina que expresa el universo, tendría mucho que temer , de hecho mucho temí al principio ante el agua, como te comente mediante el ejemplo del narciso apunto de zambullirse. Ahora que ya estoy aquí, en el baile, es maravilloso.

La frase del dibujo la sostengo a razón de este cierto enamoramiento que tengo con él. ya que ha sido junto a la música el bote y el agua para transportarme, complementar y potenciar mi pintura en esta danza.

El dibujo es el puente inmediato a la red telepática de todos los tiempos, incluyendo futuro claro. Uno de los accesos, si te lo permites, mas transparentes quizás. Y a través de esa red de mensajes en símbolos recibí mucha ayuda para tomar el báculo y la espada.

Creo que mi pintura termina y comienza siempre en una estrella.

Rodrigo: Vos sos hijo del fuego y yo soy hijo del aire. Eso me obliga bailar para tener los pies en la tierra. Claramente ese no es tu problema. Tu problema es que podes hacer autocombustion. Me interesa lo que decis de tu enamoramiento de Narciso porque segun Ovidio quien se enamora de Narciso es Eco quien habia sido condenada por Juno a repetir la ultima frase de lo que su amado dice. Es interesante esto porque Narciso suele identificarse con el primer pintor pero Eco suele relacionarse con el primer plagiador. En tal sentido hablame un poco de la relacion entre tu obra y la de Muntea & Ronsenblum?

Elias Santi: Gracias, no conocía esos pintores .Los busque en Internet y vi algunas de sus obras desde aquí … son buenos , admiro que trabajen juntos y que sean libres de la pasión por el detalle .Pienso en lo bueno que fue Internet para la humanidad Y lo bien que nos haría ahora que Internet tenga una pausa o bien pueda sublimarse. Todo el conocimiento no es mas ni menos que el fluir de toda la energía sexual. E Internet por momentos parece convertirse en una una herramienta de lucha contra la propia conciencia del vacío. Ahi te mande a Orfeo….

Rodrigo: El que despues de la muerte de Eurydice ofendio a todas las ninfas porque se hizo puto…

MUY PRONTO, LA CAÑECHAT7 CON ELÍAS SANTI

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Rodrigo Can: De las cinco imágenes que me mandaste hay algo que me llama poderosamente la atención y es la importancia en términos de iconografía del centro físico del plano pictórico. Por ejemplo, en La Fabrica del Mundo es el el ojo del Tucan, en El Circulo Vicioso es el mantel que aparece como descolorado y ‘vicioso’ en medio de semejante composición. En Las Particulas Elementales, el centro del plano es la oscuridad. Es una pintura muy interesante porque nadie se mira y todo es desconexión. En Orbita Prima la pintura es una boca que uno quiere besar o coger y finalmente, ese San Juan Bautista del final se cierra en su corazón. En otras palabras, tus pinturas son como ojos que miran al espectador y del cual uno no se puede escapar. Que te parece lo que digo?

Elias: Luego de leer tu mensaje no pude mas que ver el centro de todas las pinturas para encontrar cual era el icono que habitaba en cada una de ellas. Así lo hice, fue muy divertido y te lo agradezco mucho.

Mi hallazgo favorito es el centro de “La lectura” que es el pie descalzo sobre la piedra. He sentido mucho ese icono y se que es una clave en el desarrollo de la comunicación telepática. Si bien ahora no lo comprendo en lo absoluto, eso es una buena señal.

Con el pasar de los días pude oír y visualizar en situaciones concretas lo que el Universo tenia para decir sobre esta noción que has compartido conmigo.

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Fueron varias las señales pero las mas claras para mi han sido estas dos.

La primera a través de un texto de Goethe pensador universal.

Leyendo una mañana.

Si el ojo no fuese astral

no podría ver el sol

Si no estuviera conmigo la misma fuerza de Dios

¿Extasiarme a mi podría

lo propio de la deidad –

Zohme Xenien 3

Y la Segunda a través de mi mano, en un dibujo donde claramente lo que encierra la palabra “Espejo” es un ojo. Y no lo había visto hasta ahora.

Entonces lo que el Universo, la Vida o como prefiera cada uno llamar nos dice a través de este dialogo es:

Todo ojo es un espejo.

Simple, maravilloso e infinito, como todo lo que dice siempre.

Siento un poco haberme explayado tanto, trataré de ser mas breve la próxima.

Rodrigo: Si te vas a extender asi, vale la pena asi que por mi extendente todo lo que quieras. Dos reflexiones respecto de lo que venimos hablando. Ese pie en medio de esa pintura es tanto una patada como un fragmento y de tu parte tiene que ver con una cuestion que veo como desafiante. Estoy pensando en una pintura que planteo un desafio muy concreto y es el San Mateo con el Angel de Caravaggio que pensada in situ (es decir, encima de un altar) pone al pie casi sobre la Eucaristia, es decir en el lugar central. La Eucaristia es el ojo por antonomasia. Caravaggio tiene otra pintura que a mi me parece fascinante y es el Narciso. Narciso fue el primer pintor ya que crea su propia imagen como algo objetivo y fuera de si mismo (de la que, ademas, se enamora). En otras palabras, el ojo y el pie parecen ser dos caras de la misma moneda. La pregunta seria entonces: es tu pintura una exploracion de tu oficio para discutir mediante el conocimiento visuales cuestiones fundamentales de nuestra condicion humana? Me extendi demasiado?

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Elias: Si, lo es. Si bien no pinto para discutir, pinto para que sea.Y eso que pintando será, cada vez está menos plagado de intenciones y mas plagado de confianza. Siento que mi pintura esta aprendiendo a bailar. Y eso es en gran parte gracias al dibujo, la acción de arte mas honesta , mágica e infinita que puede existir.

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El pie es ahora para mi lo desconocido. Y poner un pie en el agua, es decir en el espejo. Es algo que puede darme temor y esa es la señal que indica “hazlo”.

Si consideramos que nosotros aquí conversando representamos fractalmente a toda la humanidad, estamos todos ya con los pies en el agua. Lo has notado?

Este dibujo lo hizo Marina Gerosa una de las asistentes a mi taller.

Veo el narciso apunto de mover el agua que lo refleja con su mano izquierda, y parece que ya es hora de darse una zambullida en su propio reflejo.

El portal a un verdadero viaje interestelar.

Rodrigo: Ufff. Que diria Tiziano o Velazquez de tu comentario del dibujo. En la tradicion de la historia del arte el dibujo (o disegno) y el color (colore) aparecen como contrapuestos. Desarrolla un poco mas esta idea del baile, el lapiz y el dibujo al que voy a contraponer con la fotografia, la escultura y la pintura atraves del color (Cezanne, por ejemplo).

Respecto de la imagen de Caravaggio que Marina dibujo me parece mas que interesante porque lo que hace Caravaggio es crear en el reflejo del brazo un circulo del que Narciso no puede escapar. Generalmente, es la imagen de Narciso la que se objetifica en tanto paralizada. En otras palabras, lo que Caravaggio dibuja es el momento del enamoramiento consigo mismo mientras que lo que Marina dibujo es el momento en el que Narciso se da cuenta que esta enamorado de algo que no se puede besar. Cuando en Caravaggio hay esperanza y amor, en la reproduccion de Marina hay certeza del fin.

De algun modo esto es lo que me ocurre hablando con vos. Sos un artista que abre posibilidades con la imagen y con el discurso las cierra. Es tu pintura, el reflejo melancolico de Narciso o su final depresivo que (como sabemos) en el caso de Ovidio, termiina en una flor y su total banalidad?

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Otra cosa interesante de tu identificacion con Narciso es lo bisexual. Tu paleta y tu dicurso son profundamente fluidos en terminos de genero.

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Elias: Velazquez, está diciendo algo ahora mismo en alguna dimensión dentro de la curva del tiempo, que será? Siento hermoso tu comentario por que también me has recordado que Velazquez está pintando ahora mismo. Y nosotros aquí en su futuro reflejamos, entre otras cosas, su eternidad y la eternidad de la pintura.

Me resulta difícil ahora desarrollar la idea del baile porque estoy en medio del baile y aquí están contenidos todos los significados  y aquí también se desintegran. Mas, a riesgo de equivocarme, te diré que esta es la danza del agua como elemento y como símbolo universal de nacimiento.

Imagen

Acepto la noción de contraponer el dibujo y sus ondas al color, la fotografia y la pintura, según patrones de herencia cultural, pero bajo mi visión positiva y solar es imposible en este caso no dirigirme enérgicamente al aspecto que los potencia y complementa a todos hasta ver a uno y su reflejo, es decir once. Porque, imagina, soy un hijo del mismísimo fuego aquí aprendiendo esta danza cristalina que expresa el universo, tendría mucho que temer , de hecho mucho temí al principio ante el agua, como te comente mediante el ejemplo del narciso apunto de zambullirse. Ahora que ya estoy aquí, en el baile, es maravilloso.

La frase del dibujo la sostengo a razón de este cierto enamoramiento que tengo con él. ya que ha sido junto a la música el bote y el agua para transportarme, complementar y potenciar mi pintura en esta danza.

El dibujo es el puente inmediato a la red telepática de todos los tiempos, incluyendo futuro claro. Uno de los accesos, si te lo permites, mas transparentes quizás. Y a través de esa red de mensajes en símbolos recibí mucha ayuda para tomar el báculo y la espada.

Creo que mi pintura termina y comienza siempre en una estrella.

Rodrigo: Vos sos hijo del fuego y yo soy hijo del aire. Eso me obliga bailar para tener los pies en la tierra. Claramente ese no es tu problema. Tu problema es que podes hacer autocombustion. Me interesa lo que decis de tu enamoramiento de Narciso porque segun Ovidio quien se enamora de Narciso es Eco quien habia sido condenada por Juno a repetir la ultima frase de lo que su amado dice. Es interesante esto porque Narciso suele identificarse con el primer pintor pero Eco suele relacionarse con el primer plagiador. En tal sentido hablame un poco de la relacion entre tu obra y la de Muntea & Ronsenblum?

Elias Santi: Gracias, no conocía esos pintores .Los busque en Internet y vi algunas de sus obras desde aquí … son buenos , admiro que trabajen juntos y que sean libres de la pasión por el detalle .Pienso en lo bueno que fue Internet para la humanidad Y lo bien que nos haría ahora que Internet tenga una pausa o bien pueda sublimarse. Todo el conocimiento no es mas ni menos que el fluir de toda la energía sexual. E Internet por momentos parece convertirse en una una herramienta de lucha contra la propia conciencia del vacío. Ahi te mande a Orfeo….

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CÓMO ES POSIBLE QUE ALGUIEN QUE ESTUVO AL BORDE DE LA MUERTE PIERDA SU TIEMPO EN EL CIRCUITO SOCIAL DEL ARTE ARGENTINO

 

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Magdalena Cordero es una sinverguenza y es tan culpable como el coleccionista Esteban Tedesco de acomodar al Gato Alexis en el Centro Cultural Recoleta. La confusion de lo publico y lo privado de esta gente asusta. Teresa Aguirre Lanari lleva años de tratar de transformar el dinero logrado con el casamiento con un tipo obscuro como Bulgheroni en algo ‘noble’ (por el solo hecho de ser cultural). Pasan los años y siguen haciendo exactamente lo mismo, mientras el nivel de todo el entorno cae y asi se perjudica nuestra cultura nacional.

Hace casi 5 años, el estado de la ex Presidente de la Asociación Amigos del Centro Cultural Recoleta y mejor amiga del coleccionista y gatero, Esteban Tedesco, estaba en un estado, según Infobae, ‘desesperante’ tras ser atropellada por un colectivo en el barrio porteño de Recoleta. Su estado, según dicen, era gravísimo.

El chofer del 87 fue demorado mientras que el hermano de la víctima, el médico Alejandro Cordero decía que María Magdalena (sic) se encontraba “en las manos de Dios”, luego de que los profesionales que la atendían tuvieran que extraerle un pulmón que se le había perforado. “Se le rompieron todas las costillas y se le perforó un pulmón. Había tanta sangre que recién ayer la pudieron operar para extraerle el pulmón. Y ahora el problema es que el pulmón ‘sano’ no funciona bien”, explicó el hermano de la víctima en declaraciones a C5N.

El accidente, de acuerdo con la reconstrucción que pudo hacer Cordero, se produjo el miércoles pasado por la noche, cuando la mujer cruzaba “por la senda peatonal” en la esquina de Callao y Quintana, muy cerca del Centro Cultural Recoleta y la tradicional Plaza Francia. “Había estado una media hora antes conmigo en el consultorio. Por el lugar donde se produjo el accidente, calculo que iría para la Asociación Amigos del Centro Cultural”, señaló su hermano. Sobre lo que vivió la familia luego del episodio, contó: “Fue como si nos hubiéramos caído de un décimo piso. Ella al principio quedó consciente y pudo avisarnos. Después perdió muchísima sangre. Los médicos están haciendo lo imposible por salvarla, pero ahora está en las manos de Dios y nosotros estamos rezando. Ya no se puede hacer más que esperar”. 

Gracias a Dios, la recuperación de la Cordero fue sorprendente pero, tras todo eso, uno supone que usaría lo que le queda de vida para vivirla plenamente y no seguir involucrada con la misma gente de cocktail en cocktail como si por ahi pasara la cuestión. Esto nos lleva a preguntarnos si tras una vida de Tedescos y sus gatos, Magdalena Cordero sabe cómo disfrutarla. Es que el tiempo que te quita el circuito del arte vernáculo con el pelotudaje conocido es un tiempo que nunca vuelve y el tiempo vuela. J A T

MIRA LAS PASTELAS

 

 


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EUGENIO ZANETTI, OSCAR ARGENTINO ES 100% ACTIVO Y TE ACLARA Y RECONTRAACLARA QUE ES MASCULINO

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TE LO TRADUZCO:

Las fotos son de hace cuarenta años. Está gordito, usa perfume y se baña todos los días. No quiere que se la pongan porque tiene un problema típico de los argentinos con la cuestión de ‘la masculinidad’. Dicho sea de otro modo, Zanetti, sos puto, hacete cargo y usa el orto también que es parte fundamental del disfrute. J A T

PS: DISPONEMOS DE LAS IMÁGENES DESNUDO PERO EN HONOR AL OSCAR HAN SIDO AUTOCENSURADAS.

HABLANDO DE ‘RESTAURATION’, ANOTÁTE A MI CURSO DE GÓTICO Y ARTE ITALIANO PRE-1300

 

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CLASE 1 – GÓTICO TEMPRANO – JUEVES 14 Y VIERNES 15 DE ABRIL

Introducción: Arquitectura Románica versus Arquitectura Gótica. El Abad Suger y Saint Denis. La Catedral de Sens, Notre Dame de Paris, Laon y Tournai. Las variaciones de finales del siglo XII en St.Remi en Reims y Noyon.

Inglaterra: Ripon Minster, Byland Abbey y las Catedrales de Worcester, Wells, Canterbury.

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Clase 2: EL ALTO GÓTICO DEL SIGLO XIII – JUEVES 21 Y VIERNES 22 DE ABRIL

Las Catedrales de Chartres, Reims, Bourges y Amiens. Los estilos regionales en Auxerre, Dijon, Bayeux y la técnica ‘tas-de-charge’.  Los modos constructivos ‘rayonnantes’ y góticos tardíos. Las fachadas del Alto Gótico Rayonnante. La fachada de la Catedral de Clermont Ferrand, Amiens, Rouen. La emergencia de la profesión del ‘arquitecto’. España: la Catedral de Toledo, Lérida y León. Inglaterra y el desarrollo de un estilo gótico ingles en Lincoln, Wells, Glasgow, Beverley Munster y Salisburgy. El estilo Rayonnant en Inglaterra: Westminster Abbey, Exeter Cathedral y York Münster.

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Clase 3: GÓTICO TARDÍO Y EL ESTILO ‘DECORADO’ – JUEVES 28 Y VIERNES 22 DE ABRIL

Las ventanas y los arcos de St Stephen’s Chapel en Westminster Palace y Winchester Cathedral. La Catedral de Ely, las bovedas de Wells, Gloucester, Sherborne Abbey y Durham Cathedral. Análisis en profundidad de dos casos: St George’s Chapel en Windsor Castle y Herny VII’s Chapel en Westminster Abbey.  La Catedral de Praga y la comparación entre las bovedas centro europeas e inglesas: Ulm Minster, Estrasburgo, Mechelen, Louvain, Leider, Liège, ‘s-Hertogenbosch, Utrecht, Antwerp. España: Sevilla y Girona.

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Clase 4: EL GÓTICO ITALIANO Y UNA INTRODUCCIÓN A LA PINTURA DEL SIGLO XIII EN SIENA Y FLORENCIA – JUEVES 5 Y VIERNES 6 DE MAYO

La Catedral de Siena, Santa Croce en Florencia y Santa Maria Novella. Las catedrales de Florencia y Milán. La pintura en Florencia y Siena. Cennino Cennini y el status gremial de los pintores y los contratos. Analisis del desarrollo de la base de Gesso para la pintura sobre panel. El dorado y repujado preparatorio del diseño. Los colores y su composición química.

BREAK HASTA EL 9 DE JUNIO

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Clase 5: EL MAESTRO DE SAN FRANCISCO Y GIOTTO DI BONDONE – JUEVES 9 Y VIERNES 10 DE JUNIO

Análisis en profundidad del Cruficijo del Maestro de San Francisco y el Pentescostal del Giotto (parte de una predella). Análisis intensivo de la Capilla Scrovegni en Padua.

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Clase 6:  DUCCIO DI BUONINSEGNA – JUEVES 16 Y VIERNES 17 DE JUNIO

Análisis en profundidad de La Maestà prestando especial atención al panel de la Anunciación (en comparación con los del Círculo de Guido de Siena), al panel de Jesus abriendo los ojos del ciego y la Transfiguración. La Virgen y el Niño con Santos.

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Clase 7: UGOLINO DI NERIO Y LOS HERMANOS DI CIONE – JUEVES 23 Y VIERNES 24 DE JUNIO

Los fragmentos del Altar de Santa Croce de Ugolino. El dorado y los modos de preparacion. El moldeado del rostro de la Virgen en comparacion con los profetas. El comienzo del auge del arte florentino con los Di Cione. Analisis detallado del fresco del Paraiso en la Capilla Strozzi en Santa Maria Novella en Florencia. Analisis de caso del San Juan Bautista y Evangelista y Santiago en el panel de San Giovanni Battista della Calza en Florencia.

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Clase 8: LA CRUCIFIXION DE JACOPO DI CIONE Y EL ALTAR DE SAN PEDRO MAGGIORE DE JACOPO DE CIONE.  JUEVES 30 Y VIERNES 1 DE JULIO

Analisis técnico, químico e iconográfico.

Clase 9: REPASO GENERAL Y PRESENTACIÓN DEL RENACIMIENTO. VIERNES 8 DE JULIO

LA INSCRIPCION ES POR ORDEN DE LLEGADA Y POR PAYPAL/
PARA RESERVAR TU LUGAR CLIQUEÁ ACÁ O ENVIÁ UN EMAIL A INFOLANP@GMAIL.COM


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EL GEORGE W. BUSH ARGENTINO LLEGA A ’60 MINUTES’ DE LA MANO DE NIEVES ZUBERBUHLER Y DESTROZA LA LENGUA DE SHAKESPEARE

TEXTO DE TAPIOCA

Qué bueno encontré este blog donde me puedo “sfogare” sobre los superficiales Macri. Que un presidente de la Nación baje del avión en pleno Washington despeinado y con una campera es inaudito. Que su “primera dama” esté junto a él, agarrada de la manito como dos turistas descontracturados sin darse cuenta que llegaban a la capital del mundo occidental a una reunión de líderes top e importantísima es una señal de alarma enorme. Siempre sospeché que Macri era el “George W. Bush” argentino.

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Ahora—con angustia—veo que bien puede que sea así. Un nene bien preparado por años para ser presidente-títere de poderes ocultos. Lo de la Awada es una consecuencia lógica. Ninguna mujer capaz, profesional, brillante, podría ser la “mujer” de semejante non-ente. Así que, caros compatriotas, se fue el horror y vergüenza de la K y su jardín de Bosch para tener OTRA VEZ que soportar lo que nuestra Patria no se merece.

Yo voté a Macri sólo porque no quería que otro fuese electo. Estoy HARTO de tener que votar al mal menor. Pero es lo que tenemos. Dejemos que pase el tiempo y que brillantes mentes como, por ejemplo, Lousteau, maduren y sean una opción. Saludos cordiales…

SI NO VISTE MI CHARLA CON LA ARTISTA QUE DICE QUE SU GALERISTA LAVA DINERO


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