CUÁL ES EL LUGAR DE LA ARQUITECTURA PARA UNA GENERACIÓN QUE VIVE ENTRE LA CAMA Y LA PANTALLA DEL SMARTPHONE?

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Mauricio Corbalán captó la atención de este blog al negarse a dar el Premio Konex al site specific y dejarlo vacante a pesar de las presiones. Desde allí, hemos venido charlando y su visión sobre la arquitectura y su rol siempre me resulta interesante por lo productiva. Podría decirse que su trabajo es cuestionar su profesión desde adentro. Su Su preocupación no radica en ser arquitecto para construir sino en explorar los modos en los que el espacio puede ser mejor usado. En otras palabras, Mauricio es uno de los pocos arquitectos que se paran fuera del canon para plantear otras formas en los que la gente puede vivir.

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Por esto, no sorprende que haya sido él quien llamó mi atención al trio de ‘arquitectos’ a cargo del Pabellón Británico en la Bienal de Venecia de este año. Sus nombres son Jack Self, Shumi Bose y Finn Williams y tienen 29, 32 y 33 años respectivamente y fueron seleccionados mediante un concurso abierto convocado por el British Council.

El que el país de la construcción fogoneada por la rueda financiera los haya elegido dice mucho. Sin ir más lejos, ninguno de ellos está matriculado oficialmente como arquitecto. Aunque todos ellos estudiaron arquitectura, ellos usan la profesión, como Mauricio, para repensarla y para la Bienal de Venecia, se propusieron discutir ‘nuestra ansiosa relación con la idea de hogar’.

Por supuesto, ellos se refieren a que la arquitectura debería ocuparse de los modos de habitat de las generaciones que están pasando más tiempo en la cama que en el sofa (esto de acuerdo a estudios oficiales). Esto obedece a que tendemos a pasar más tiempo mirando las pantallas de nuestras computadoras y nuestros IPhones que caminando o sentados. De hecho el 80% de los usuarios de smartphones mira su teléfono antes de los 15 minutos de haberse despertado.

La cuestión es para estos tres ‘arquitectos’ repreguntarse el modo en el que pensamos ( y qué decir del modo en el que el Estado y sus políticas publicas definen esto… ) la cuestión habitacional en los modos de producciòn actuales.  Rozando los 30 años, estos tres arquitectos pertenecen a la llamado ‘Generation Rent’ osea esa generacion para la que comprar su propio hogar es imposible a no ser que herede. Si estuvieran trabajando en la década del 60, seguramente hubieran promocionado sus servicios haciéndose una casa suburbana. En los 80s, hubiera sido un buen departamento. Pero hoy esas opciones están agotadas. Qué hacer?

A primera vista a lo que estarian haciendo referencia es al ‘affordable housing’. Pero qué es eso hoy y cuánto ‘affordable housing’ puede dejarse al margen del desarrollo de los emprendedores. Además, qué significa ‘affordable’, hoy por hoy? Por supuesto, responder estas preguntas es imposible en los términos en que han sido planteadas. Es por ello que estos tres jovenes estan tratando de ver nuevos modos en los que la gente responde a la naturalizacion de sus propias carencias pero tambien potencialidades.. Y la arquitectura tiene que ponerse del lado de ellos. JA T

SI NO VISTE MI CHARLA CON MAURICIO CORBALÁN EN EL MARCO DE NUESTRA CAÑECHAT, ESTA ES TU OPORTUNIDAD

 

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EN ESTOS MOMENTOS EN LA APERTURA DE LA BIENAL DE ARQUITECTURA EN VENECIA, NORMAN FOSTER ESTA INTENTANDO RESCATAR A ESA DISCIPLINA DE SU CRISIS TERMINAL

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Si hay algo en lo que Norman Foster es consistente es en su voluntad de sacar a la arquitectura, como profesión, de la crisis que atraviesa pensando en los mismos términos en los que se entró en esa crisis. Si nos preguntamos cual es el sentido de la arquitectura hoy, la única respuesta que surge tiene que ver con esas mega-esculturas/edificios diseñadas por estos titanes contemporáneos llamados arquitectos. Pero cual es el sentido de estos objetos/edificios en el mundo de hoy? Digo esto porque pareciera ser que la arquitectura debería dejar de preocuparse en construir para volver a ser relevante.

Sin ir más lejos, el ritmo con el que los edificios son construidos y demolidos, hoy en dia, transforma a la profesión de la arquitectura más en un apéndice de la dinámica del sistema financiero que en un servicio social. Quizá es por eso que el Pritsker Prize fuera otorgado al Chileno Aravena por sus proyectos ‘sociales’ en las afuera de Santiago y también, es quizá por esto, que Norman Foster intenta mantenerse relevante construyendo un aeropuerto para drones asistenciales en Rwanda. Este es el proyecto piloto que está presentando hoy a las cinco de la tarde en la conferencia de prensa inaugural de la 15ava Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia.

Rwanda es un país complejo en un continente aun más complejo. El plan inicial del proyecto de Foster son tres edificios, a ser completados en el 2020, que permitirán crear una red de distribución que, teóricamente, alcanzará al 44 por ciento de Rwanda. La pregunta es quien y por qué la asistencia tiene que ocurrir en un continente cableado por los franceses quienes han decidido parar todo tipo de desarrollo satelital para mantener los precios prohibitivos de las comunicaciones alli. El minuto de teléfono en Africa y hacia Africa es el más caro del mundo. Desde este punto de vista, construir un drone-port en Rwanda es otro paso en esa larga relación de Norman Foster con la arquitectura como un instrumento para las relaciones públicas tanto corporativas como políticas pero no para la transformación de la disciplina en un servicio humano y social.

Déjenme ser más claro al respecto, si por un lado, Foster reclama que edificios como el Gherkin en Londres sean ecológicamente auto-sustentables mientras, por el otro lado, se atreve a mover una montaña entera para nivelar el piso para construir la pista de aterrizaje del aeropuerto de Hong Kong (y digamos que los aviones no son, en si mismo, demasiado ecológicos que digamos). Algo similarmente cinico ocurre con la falacia de transparencia politica proyectada en su reforma del Reichstag de Berlin desde cuya cūpula puede verse a los representantes debatiendo como si eso, en sí mismo, fuera indicador de transparencia política, en tiempos de Whatssap.

El caso del aeropuerto de drones es análogo. Mientras por un lado Foster trabaja para las companías que perpetuan el sometimiento Africano y mantienen su aislamiento por el otro, consolida ese aislamiento con arquitectura asistencialista de alto perfil mediatico. Helas! J A T

EN QUINCE DÍAS COMIENZA EL ÚNICO CURSO DE ARTE CONTEMPORÁNEO QUE YO RECOMENDARÍA HACER

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EN LA ULTIMA QUINCENA DE JUNIO Y PRIMER SEMANA DE JULIO

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ASIMISMO, LAS FECHAS PARA EL SEGUNDO GRAND TOUR LANP ROMANO SON

DEL 8 AL 14 DE MAYO DEL 2017 INCLUSIVE

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‘LAURENCIO ADOT PRETENDE HACER ARQUITECTURA CON LA ROPA, CUANDO, EN REALIDAD, ES UN ALBAÑIL HACIENDO CHANGAS SOBRE LA TETA DE UNA GOLFA (ILEANA CALABRO)’

EL LECTOR NATHANAEL TOMÓ LA POSTA E HIZO LOS SIGUIENTES COMENTARIOS DE LA ‘GALA’ DE ‘BAILANDO POR UN SUEÑO’.

Es todo de una crueldad inaudita. El gato Milita no sé que, disfrazado de Dita Von Teese es inimputable. La Calabro debería hacerle un juicio a Adot por pretender hacer arquitectura con la ropa, cuando es un albañil haciendo changas sobre la teta de una golfa.

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Lo de las Oreiro es de Matisses de la cantidad de nylon barato. El vestido de mercadillo de Conni Ansaldi ( las arrugas de tafeta barata) hace pendant con los brillos pegados de Fatima Flores.Los corderitos de la Salada compiten con las transparencias de una madama vieja y calva, disfrazada de madrina de bodas audaz, que tapa brazos y manos para no “verse” los colgajos.

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Fredy V. con seudosmoking de jackard de Lavalle al 500, zapatos marrones y corbata de alquiler, compite con Laport vestido de maestro de ceremonias en algún crucero del Caribe o en un casino de mala muerte de Las Vegas.

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Pamela Sosa y su conjunto de Ciudad del Este para bailar de odalisca en algún resto árabe de Villa Crespo emula el estilo de la primera dama, tan dada a mostrar tajos y pedazos de piel.

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Mientras la Pampita (nunca mejor puesto el nombre) muestra en una foto que acá no está, como se sientan las mucamas cuando se olvidan las poses y no se tuvo nunca formas. A esta altura Sabrina Rojas puede salir aireada rumbo a Cannes y Gladys Florimonte puede ingresar al palacio Real de Madrid en el próximo besamanos. Donoso y siempre, siempre, siempre El Obsceno pájaro de la noche. Aunque acá el pajarrraco mayor y padre de los monstruos, no figura

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EN DOS SEMANAS COMIENZA MI CURSO ONLINE SOBRE
LA TEORIA DEL ARTE CONTEMPORANEO Y LA TEATRICALIDAD

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UNA ESTUDIANTE DE ARQUITECTURA LLAMADA FLORENCIA CAÑADELL COMERCIALIZA UN VIL PLAGIO A ANA KRAS

 

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ANA KRAS

Este blogger recibió el siguiente mensaje:

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ANA KRAS

Ana Kras es una artista serbia que vive en NYc y fue o es pareja de Devendra Banhart, gracias a esto empezo a cobrar popularidad aunque supo manejar el timón de su barco a raiz de sus trabajos.  Son protagonistas las bom bom lamps, hechas a mano con hilos de colores.  Le escribí hará dos anios, ( perdón, no tengo enie) , y su precio me desistió de comprarlas pero no dejo de seguir sus obras a través de su sitio anakras.com
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ANA KRAS

El punto aquí es que tomando un helado esta tarde, mientras veo una revista Living,  me tope con un articulo con una imagen de una lampara de ese tipo, pensé que era de Ana Kras y no,  la fabrica una “estudiante de arquitectura” Florencia Canadell bajo su marca “Wolken” bla bla bla el sitio en facebook wolken bsas no deja de inspirarse en toda la estética de Ana Kras y cada modelo de las lamparas.
MI COMENTARIO: HE AQUÍ LA VIL COPIA Y FLOPI, LA CHORRA!
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LA VIL COPIA DE LA SEÑORITA CAÑADELL

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ELLSWORTH KELLY MURIÓ NO MUY LEJOS DE ZAHA HADID PERO SU LEGADO PARA LA ARQUITECTURA ES MUCHO MAYOR

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Ellsworth Kelly tuvo la mala suerte de morir en el mismo mes que Zaha Hadid y, quizá por esa razón, injustamente, su muerte paso un tanto desapercibida. Digo ‘injustamente’ porque Kelly era uno de los verdaderos gigantes del arte contemporaneo y uso la palabra ‘gigante’ porque fue esa palabra la que los medios internacional abusaron durante esta ultima semana al referirse, de manera monumentalizante, a Zaha Hadid.  Si bien Hadid prometió usar la pintura para subvertir  o, mejor dicho, cambiar radicalmente la arquitectura (o la relacion entre el cuerpo y el espacio a través de un edificio), el resultado fue insatisfactorio. Dicho de otro modo, su proyecto fue el de transformar el suprematismo en elevación arquitectónica y esto es, algo así, como una contradicción en términos porque el primero es aereo y el segundo, fijo.  Si bien sus intenciones fueron serias, poco a poco, su narcisismo fue lavando esa seriedad hasta convertirla en una celebrity que se repetia a si misma confundiendo diseño con programas de computacion y estructura con la piel de sus edificio que terminaron siendo representaciones dinámicas sin llegar a facilitar dinamismo alguno a sus visitantes.

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A diferencia de esto, Ellsworth Kelly trabajó con coherencia y humilidad a lo largo de toda su vida y esto se reflejó en un tipo de obra estructural e intelectualmente solida.  En un obituario escrito ni más ni menos que por Richard Serra para la revista Artforum, el escultor recuerda la primera vez que vió una foto de ‘Colores para una gran pared’ de Ellsworth Kelly (1951). ‘Me shockeó y deprimió, al mismo tiempo’ dice Serra. Y agrega: ‘Kelly no planeaba el modo en el que iba a distribuir los colores sobre la tela con anticipación. Lo que hacia era yuxtaponer los colores a ojo… algo así como el azar.  La combinación entre este metodo con el tamaño de sus obras daba por resultado un típo de objeto artístico con real ambición artquitectural’. Con esto Serra nos cuenta que Kelly iba en sentido contrario al de Hadid. Mientras ella saltaba de la pintura a la arquitectura para terminar no haciendo nada con ella, Kelly usaba la arquitectura para redefinir su pintura. Esto viniendo de alguien como Serra que cree que hace rato la arquitectura dejo de hacer su trabajo, es un gran halago.

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Creando esas composiciones con colores, Kelly alteraba la relación fenomenológica del espectador y la obra usando a la percepción como medio. Sin embargo, a diferencia de otras artistas que se obsesionaron con la percepción como, por ejemplo, James Turrell o Robert Irwin, Kelly destiló el acto de mirar de modo tal de transformar a su obra en un desafío para el ojo del espectador. En otras palabras, mientras Turrell transformó la percepcion en espectaculo, Kelly transformó esto en un problema que sólo puede ser explorado através de la acción y en donde la cognición y la percepción nunca coinciden. Ellsworth Kelly murió pero su legado artistico está más presente que nunca. J A T


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CON EL MUSEO DE DILLER, SCOFIDIO + RENFRO, LLEGA LA ARQUITECTURA CYBORG A RIO DE JANEIRO

TEXTO DE CLEO

Justo hoy llegue a Rio! Agrego este video a mis vivencias del dia… gracias! Este lugar tiene mucha magia… el clima, la naturaleza, los cuerpos, la ciudad, todo se combina de una manera extraña, algo cambia.

Y me encontre con la construcción del museo de imagen y sonido en Copacabana diseñado por el estudio Diller Scofidio + Renfro

“Instalado à beira-mar, em plena Avenida Atlântica, a nova sede do MIS / Museu da Imagem e do Som será o espaço da identidade carioca. Sua concepção arquitetônica propõe um prédio que, numa representação gráfica, é uma reprodução do famoso calçadão do bairro, dobrado e transformado num boulevard vertical: um diálogo com a paisagem que democratiza a vista da praia e surge como um novo ícone arquitetônico para a cidade. A ideia é que o museu se transforme num novo ponto de encontro para os próprios cariocas e turistas, brasileiros e estrangeiros.

Me parece interesante como este nuevo edificio plantea o intenta plantear una nueva relacion entre el hombre y la naturaleza, “una relacion mas democratica”. Sin embargo es curioso que el estudio que gano el concurso sea el mismo que hizo el museo en Boston, el mismo que parece siempre querer controlar al espectador, que se empecina tanto en mirar hacia afuera y olvida el interior, el contenido.

Hoy veia los edificios que miran al mar, y la gran mayoria fueron construidos sin balcon. Estan frente al mar pero encerrados en si mismos y que esta caracteristica obliga a sus habitantes a bajar a la playa, a salir de ese encierro y nivelarse con los demas.

En la pagina del museo dice “todo el mundo tiene derecho a la vista de copacabana”. Supestamente este nuevo museo va a democratizar ese derecho. En primera fila estan los edificios mas caros de Rio con una vista privilegiada, pero justo detras, aparece la favela luchando por tener esa misma vista privilegiada.

Aca el link del nuevo museo
http://www.mis.rj.gov.br/conocenos/

VENÎ A ROMA CONMIGO A FINES DE MAYO!

 


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LLEGAN LAS (2) BECAS MACRI BY AVILA PARA HACER EL I WORKSHOP DE ARQUITECTURA, ARTE Y ESCULTURA CONTEMPORANEOS

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MACRI BY AVILA 

EL CURSO COMIENZA EL 15 DE FEBRERO Y DURA 5 SEMANAS. SE RECIBEN APLICACIONES HASTA EL DIA 10 DE FEBRERO A LAS 10PM DE BUENOS AIRES. PARA PARTICIPAR, ENVIA UNA IMÁGEN Y TU ANÁLISIS (NO MÁS 600 PALABRAS).

PARA VER LA MODALIDAD DE CURSADA Y EL PROGRAMA CLIQUEÁ AQUÍ 

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte. COSTO DEL CURSO: 200 DOLARES (via Paypal)

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO 

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER 

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO 

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID 

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R 

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA 

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporasción del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA 

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO

SI NO VISTE LA MUY PERTINENTE CHARLA CON MAURICIO CORBALAN SOBRE EL ROL DE LA ARQUITECTURA DE AUTOR EN EL MUNDO DE HOY, ESTA ES TU OPORTUNIDAD


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​NUEVO GRUPO EN FEBRERO – WORKSHOP DE ARTE, ARQUITECTURA Y ESCULTURA CONTEMPORANEOS LANP

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PARA INFORMES E INSCRIPCIÓN CLIQUEAR ACÁ

El LANP-INSTITUTE organiza su primer Workshop de Arte Contemporáneo dedicado a discutir la relación entre la Escultura y la Arquitectura contemporáneas desde la década del 80 a la fecha. El curso explorará las obras de los arquitectos y escultores más importantes del mercado internacional desde el punto de vista de las teorías que definen estos debates en la actualidad. Idealmente, ningún artista contemporáneo puede perderse este curso pero también está orientado a todos aquellos que quieren entender qué está ocurriendo alrededor suyo.

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CONTEXTO: Durante el siglo XX se produce, en materia artística y arquitectónica, un pasaje de la abstracción como espacio en el que el espíritu se manifiesta a otro en donde el espíritu es dominado. Sin embargo, la llegada del Pop creó, paradójicamente, las condiciones para que tanto arquitectos como artistas busquen regresar a las fuentes mediante una desmaterialización tanto del objeto como del espacio. Una obsesión por la arquitectura y el arte transparente se transformó rápidamente en la manipulación de una serie de alegorías de lo políticamente correcto. En ese contexto el arte y la arquitectura dejaron de satisfacer las necesidades espirituales de aquellos que las enunciaron.

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte. COSTO DEL CURSO: 200 DOLARES (via Paypal)

CLASE 1: EL POP. HAMILTON, LICHTENSTEIN, WARHOL, RICHTER Y RUSCHA. 

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO 

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER 

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO 

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID 

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R 

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA 

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporasción del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA 

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO


LOVEARTNOTPEOPLE

ES EL PRITZKER PRIZE DE ARQUITECTURA OTRO EJERCICIO CÍNICO DE RELACIONES PÚBLICAS (AHORA APLICADO A LOS POBRES)?

TEXTO DE FABIAN BARRIOS, PUBLICADO ORIGINALMENTE EN ARKRIT BAJO EL TITULO ‘LA DESIGUALDAD ES ELEMENTAL: CONJETURAS IDEOLÓGICAS PARA UNA CRÍTICA A LA QUINTA MONROY’

01

Al medio de Alameda de las Delicias1,
Chile limita al centro de la injusticia
(Violeta Parra).

‘País de contrastes’, por lo menos eso sostiene el dicho popular entre los chilenos. Un país donde la desigualdad de ingresos es la más alta de la OCDE, donde existen comunas (ayuntamientos) con más de un millón de habitantes que no tienen hospital, donde las cadenas de farmacias se coluden para manipular los precios, donde está la mayor concentración de centros comerciales por persona del mundo, donde un presidente en ejercicio declara que «la educación es un bien de consumo», esa educación universitaria con los aranceles más caros de la OCDE, tanto así que hasta la Presidenta del FMI (sí, del mismísimo Fondo Monetario Internacional), admite necesarias reformas para dar más inclusión, equidad y cohesión a un tejido social híper deteriorado por el consumo, el clasismo y otros males heredados de ya sabemos quiénes2.

El milagro chileno promovido por los Chicago boys durante los años 1980, y reafirmado por los cuatro gobiernos de la coalición de centro izquierda que gobernó el país al volver a la ‘democracia’, ha tenido consecuencias potentes y profundas en la vida social del país, el sociólogo Pablo Torche3 lleva la absorción de la lógica tardo-capitalista a una dimensión infinitamente peligrosa cuando sostiene –con acierto- que en las últimas cuatro décadas la mutación se ha producido dentro de las personas:

«El mayor cambio de la sociedad [chilena] no es el de un cansancio ante el sistema de mercado, sino por el contrario, el de una creciente introyección de las lógicas de mercado en todas las esferas de la vida social, lo que ha conducido también a un descarnada privatización de las personas».

Es este el contexto que recoge la empresa Elemental S.A.4, quienes liderados por un pragmático5 y mediático Alejandro Aravena (quien es director ejecutivo de la firma), logran articular -con admirable astucia- intereses públicos y de empresas privadas para dar una ‘solución’ habitacional al problema de la vivienda social en Chile.

02

Aravena y Gehry en la entrega del Leon de Oro de Venecia

Veremos a continuación tres conjeturas que podríamos articular como una mesa de tres patas para dar estabilidad y sustentar la lógica liberal en que se inscribe el proyecto de Quinta Monroy.

El primer apoyo de la gestión para configurar este proyecto es limitar el problema arquitectónico a la mitad. Bajo una reducción del problema a dinero por m2, Aravena concluye que ante la ausencia de financiación por parte del estado, no es posible dar 80 m2 de calidad, por lo tanto la solución es dar la mitad. Sí, solo la mitad, como un médico que decide dar la mitad de un tratamiento contra una enfermedad vital;  la otra mitad dependerá del emprendimiento y esfuerzo de los más pobres, que en rigor no tienen para comprar ni un metro cuadrado.  Es hacer responsable al desamparado de su propio desamparo y el futuro de este, así el individualismo de la sociedad de mercado expía sus culpas y las transfiere a los necesitados.

03

Esquema justificativo de la reducción del problema a la mitad de la solución.

El segundo apoyo está en la jugosa lógica que precede al personaje Kasper Hauser, ese supuesto hijo de rey que viviendo encerrado toda su vida, aprehende y limita su mundo a lo poco que conocía, por total ignorancia de experimentación y conocimiento satisface sus anhelos sólo con un plato de comida, agua y un caballo de juguete. En el caso de la Quinta Monroy, con un ingenio asombroso, los autores-gestores del proyecto hacen participe a los beneficiarios en procesos de participación ciudadana, compartiendo las decisiones proyectuales con ellos. Así el peso del resultado queda blindado a cualquier reparo posterior, pues es el habitante quien ha definido su propio proyecto. Entonces ¿Cómo negar el acierto a algo que ya no es responsabilidad del arquitecto, si no resultado de procesos de participación, donde los que no saben nada de arquitectura asumen como propias las decisiones de los que sí deberían saber y responsabilizarse de ellas? Es un paso esencial para transformar a las ‘víctimas’ en ‘culpables’, para reducir los posibles reparos de recibir la mitad de una solución y para concientizar a los habitantes de las bondades de lo ofrecido.

04

Evolución del proyecto en diez años.

El tercer apoyo del proceso es ignorar y no actuar considerando el crono-topos Bajtiano, es decir, obedecer a una lógica instantánea: lo que se fotografía queda impreso y el devenir en el tiempo ya no es responsabilidad –ni interés- de los arquitectos. Ese aireado contraste de volúmenes y vacíos que muestran las fotografías del proyecto recién acabado son lo necesario para sugerir una calidad espacial, poco importa que por responsabilidad del autor (o de los habitantes, pues han estado en procesos de participación ciudadana y ellos han decidido ¡no olvidarlo por favor!) algunas viviendas queden sin privacidad en sus patios traseros al tener la otra vivienda encima, que al ser el usuario quien deba ‘completar’ la vivienda transforme, como le han sugerido, esos vacíos en algo similar a los bloques de vivienda social que entregaba el estado chileno en la segunda mitad del siglo XX. Ya poco importa que el arquitecto deba ser, como ha dicho el propio Aravena, «un maestro de las consecuencias de la forma».

05

Arriba: Espacio colectivo de bloque de vivienda social estatal de las últimas décadas del Siglo XX; Abajo: Espacio colectivo del proyecto de Quinta Monroy (cualquier similitud es sólo conjetura). 

06

Izquierda: Calle y patios de viviendas de bloques sociales de fines del siglo XX en Chile; Centro y Derecha: patio de una vivienda y calle de acceso a Quinta Monroy.

Si estas conjeturas no lo son tanto, estamos frente a un proyecto que paradójicamente reproduce lo que dice intentar combatir, produce desigualdad al considerar a los habitantes de esas viviendas, como seres de otra clase social y destino, que pueden vivir en casas a medio terminar, sin privacidad y en entornos altamente deteriorados, que además, y sarcásticamente, reproducen ese deterioro6. Pareciera ser que ya todo es visto bajo la lógicaintroyectada que argumenta Torche, y que tan ejemplarmente sostiene la académica Lucía Santa Cruz7:

«…la premisa fundamental de que la pluralidad, la diversidad, incluida la desigualdad en muchas de sus formas, son elementos constitutivos esenciales de la sociedad moderna basada en la libertad y autonomía de los individuos. En este sentido, las distintas expresiones de toda índole que conviven en la sociedad no son vistas exclusivamente como fuentes de potenciales desintegraciones sociales, sino valoradas en su legitimidad como manifestaciones enriquecedoras de la vida social y garantía de la libertad de las personas».

AL RESPECTO, NO TE PODES PERDER MI CHARLA CON MAURICIO CORBALAN


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ABIERTA LA INSCRIPCIÓN PARA EL GRUPO DE FEBRERO DEL PRIMER WORKSHOP DE ARTE Y ARQUITECTURA CONTEMPORANEOS

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COMIENZA EL 15 DE FEBRERO Y DURA CINCO SEMANAS

ALGUNOS DE LOS ALUMNOS QUE ESTÁN CURSANDO EL WORKSHOP EN ENERO HAN DICHO LO SIGUIENTE:

‘Que hermosa la clase de ayer, Rodrigo, de Warhol y Richter…no puedo dejar de pensar en muchas de Las cosas que hablaste…’ GZ

‘Alucinante! Me explotó la cabeza’ GR

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ALGUNOS DE LOS TEMAS TRATADOS ESTAN EN LA CHARLA CON MAURICIO CORBALAN. PARA VERLA, PONE PLAY


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SE ABRE UN NUEVO GRUPO PARA EL PRIMER WORKSHOP DE ARTE Y ARQUITECTURA LANP – NO TE DUERMAS!

CONTEXTO: Durante el siglo XX se produce, en materia artística y arquitectónica, un pasaje de la abstracción como espacio en el que el espíritu se manifiesta a otro en donde el espíritu es dominado. Sin embargo, la llegada del Pop creó, paradójicamente, las condiciones para que tanto arquitectos como artistas busquen regresar a las fuentes mediante una desmaterialización tanto del objeto como del espacio. Una obsesión por la arquitectura y el arte transparente se transformó rápidamente en la manipulación de una serie de alegorías de lo políticamente correcto. En ese contexto el arte y la arquitectura dejaron de satisfacer las necesidades espirituales de aquellos que las enunciaron.

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte.

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporación del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO

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COMO APPETIZER DE ESTE CURSO, MIRÁ MI CHARLA CON EL ARQUITECTO MAURICIO CORBALAN QUE NO TIENE DESPERDICIO


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ESTÁ ABIERTA LA INSCRIPCIÓN PARA EL SEGUNDO GRUPO DEL PRIMER WORKSHOP LANP DE ARTE Y ARQUITECTURA CONTEMPORANEA

CONTEXTO: Durante el siglo XX se produce, en materia artística y arquitectónica, un pasaje de la abstracción como espacio en el que el espíritu se manifiesta a otro en donde el espíritu es dominado. Sin embargo, la llegada del Pop creó, paradójicamente, las condiciones para que tanto arquitectos como artistas busquen regresar a las fuentes mediante una desmaterialización tanto del objeto como del espacio. Una obsesión por la arquitectura y el arte transparente se transformó rápidamente en la manipulación de una serie de alegorías de lo políticamente correcto. En ese contexto el arte y la arquitectura dejaron de satisfacer las necesidades espirituales de aquellos que las enunciaron.

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte.

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporación del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO

PARA INSCRIBIRTE VISITÁ http://www.lanp-institute.com/inicio.html

O ENVIÁ UN EMAIL A [email protected]

COMO APPETIZER DE ESTE CURSO, MIRÁ MI CHARLA CON EL ARQUITECTO MAURICIO CORBALAN QUE NO TIENE DESPERDICIO


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HABIENDO LLENADO EL PRIMER GRUPO, SE ABRE LA INSCRIPCIÓN PARA EL SEGUNDO GRUPO DEL WORKSHOP DE ARTE Y ARQUITECTURA CONTEMPORANEAS

CONTEXTO: Durante el siglo XX se produce, en materia artística y arquitectónica, un pasaje de la abstracción como espacio en el que el espíritu se manifiesta a otro en donde el espíritu es dominado. Sin embargo, la llegada del Pop creó, paradójicamente, las condiciones para que tanto arquitectos como artistas busquen regresar a las fuentes mediante una desmaterialización tanto del objeto como del espacio. Una obsesión por la arquitectura y el arte transparente se transformó rápidamente en la manipulación de una serie de alegorías de lo políticamente correcto. En ese contexto el arte y la arquitectura dejaron de satisfacer las necesidades espirituales de aquellos que las enunciaron.

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte.

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporación del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO

PARA INSCRIBIRTE VISITÁ http://www.lanp-institute.com/inicio.html

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COMO APPETIZER DE ESTE CURSO, MIRÁ MI CHARLA CON EL ARQUITECTO MAURICIO CORBALAN QUE NO TIENE DESPERDICIO


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FALTA SÓLO UNA SEMANA PARA EL COMIENZO DEL PRIMER WORKSHOP LANP DE ARTE Y ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA

CONTEXTO: Durante el siglo XX se produce, en materia artística y arquitectónica, un pasaje de la abstracción como espacio en el que el espíritu se manifiesta a otro en donde el espíritu es dominado. Sin embargo, la llegada del Pop creó, paradójicamente, las condiciones para que tanto arquitectos como artistas busquen regresar a las fuentes mediante una desmaterialización tanto del objeto como del espacio. Una obsesión por la arquitectura y el arte transparente se transformó rápidamente en la manipulación de una serie de alegorías de lo políticamente correcto. En ese contexto el arte y la arquitectura dejaron de satisfacer las necesidades espirituales de aquellos que las enunciaron.

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte.

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporación del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO

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COMO INTRODUCCIÓN AL CURSO, TE RECOMIENDO VER MI CHARLA CON MAURICIO CORBALÁN SOBRE EL ULTIMO TURNER PRIZE AL COLECTIVO DE ARQUITECTOS ASSEMBLE


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NO TE QUEDES AFUERA DEL PRIMER WORKSHOP INTENSIVO DE ARTE Y ARQUITECTURA CONTEMPORANEAS LANP

CONTEXTO: Durante el siglo XX se produce, en materia artística y arquitectónica, un pasaje de la abstracción como espacio en el que el espíritu se manifiesta a otro en donde el espíritu es dominado. Sin embargo, la llegada del Pop creó, paradójicamente, las condiciones para que tanto arquitectos como artistas busquen regresar a las fuentes mediante una desmaterialización tanto del objeto como del espacio. Una obsesión por la arquitectura y el arte transparente se transformó rápidamente en la manipulación de una serie de alegorías de lo políticamente correcto. En ese contexto el arte y la arquitectura dejaron de satisfacer las necesidades espirituales de aquellos que las enunciaron.

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte.

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporación del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO

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EL PRIMER WORKSHOP DE ARQUITECTURA Y ESCULTURA CONTEMPORANEA LANP ESTÁ PRÁCTICAMENTE SOLD OUT – NO TE DEJES ESTAR!

CONTEXTO: Durante el siglo XX se produce, en materia artística y arquitectónica, un pasaje de la abstracción como espacio en el que el espíritu se manifiesta a otro en donde el espíritu es dominado. Sin embargo, la llegada del Pop creó, paradójicamente, las condiciones para que tanto arquitectos como artistas busquen regresar a las fuentes mediante una desmaterialización tanto del objeto como del espacio. Una obsesión por la arquitectura y el arte transparente se transformó rápidamente en la manipulación de una serie de alegorías de lo políticamente correcto. En ese contexto el arte y la arquitectura dejaron de satisfacer las necesidades espirituales de aquellos que las enunciaron.

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte.

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporación del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

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