Taylor Swift encabeza la lista de Forbes como la artista con más ingresos

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La estrella pop obtuvo 170 millones de dólares, seguida por el grupo One Direction, con USD 110 millones

La revista Forbes publicó su lista anual con los 100 famosos mejor pagados del mundo. El ranking fue encabezado por la cantautora Taylor Swift, quien registró ingresos por 170 millones de dólares.

Así, la estrella pop supera a otras reinas de ese género, como Adele, ubicada en el puesto 9 de la lista con USD 80,5 millones; Madonna, en el 12 con USD 76,5 millones; Rihanna, en el 13 con USD 75 millones, y Katy Perry, en el 63 con USD 41 millones.

En su gira 1989, la intérprete de “Shake It Off” obtuvo ingresos por más de 200 millones de dólares en 2015.

El DJ y ex novio de Swift Calvin Harris quedó en el puesto 21 de la lista con USD 63 millones.

Otros de los famosos mejor pagados fueron la banda One Direction, en el segundo puesto con USD 110 millones; el actor y comediante Kevin Hart, en el puesto 6 con USD 87,5 millones, y el autoproclamado “rey de los medios ” Howard Stern, en el puesto 7 con USD 85 millones.

Kim Kardashian aparece en la portada de la revista y ocupa el puesto 42 con USD 51 millones. De acuerdo con Forbes, el 40% de su cheque provino este año del juego para celulares Kim Kardashian: Hollywood.

La fabricante del juego, Glu Mobile, lanzará una aplicación protagonizada por Swift el próximo año.

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Valencia Noticias

MURIÓ NICOLÁS GARCÍA URIBURU, UN ARTISTA MEDIOCRE CON BUEN SENTIDO DEL MARKETING PERSONAL A PARTIR DE LA MANIPULACIÓN DE LO POLÍTICO Y ECOLÓGICO

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Azul García Uriburu podría haber tenido razón. Su padre Nicolas no estaba bien de salud al momento del escándalo. De hecho es con profunda tristeza que anuncio el fallecimiento hace una hora del pintor Garcia Uriburu en la guardia del Hospital Rivadavia. Un importante coleccionista de arte pre-colombino y alto-peruano, Garcia Uriburu fue también un artista reconocido en un tipo de arte que viró desde lo que podría considerar un pictorialismo Pop ornamentalista a un tipo arte que se fue transformando en la ilustración de una posición política,  mayormente orientada a la defensa del medio ambiente.

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Podría decirse que el momento culminante de su carrera fue uno altamente derivative de la obra de Joseph Beuys. Me refiero a la ‘Coloración del Gran Canal de Venecia’ durante la Bienal de 1968. Si bien dicha coloración (en verde) ha sido leída como un manifiesto ecológico, es difīcil pensar que pigmentar con un químico (por mas inofensivo que fuera) el Río pueda ser considerado como una alegoría de la defensa ecológica del medio ambiente. Este tipo de contradicciones lo siguieron durante toda su vida ya que más tarde abrazó la causa ecologica tematizandola iconográficamente en sus pinturas y al final de su vida, paso, incluso, a usar al peronismo como tema en un intento de mantenerse relevante.

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Personalmente creo que el aporte de Nicolas Garcia Uriburu fue menor al que institucionalmente se le ha reconocido al punto de darle en 1998 el Gran Premio Nacional. Gran parte de su ‘relevancia’ puede haber tenido que ver con su origen social. Tras la ‘acción’ en Venecia que, como dije antes, esta inspirada demasiado de cerca en la obra de Joseph Beuys, su carrera perdió relevancia y pasó a transformar a la pintura en una excusa y no en un fin en si mismo. Puede considerarse hasta cierto punto su proyecto pictórico como panfletario. Si se quiere a partir del 68 pretendió ocupar el lugar del ‘artista comprometido con el medio ambiente’ aún usando pigmentos sintéticos.

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Recientemente, Nicolás García Uriburu estuvo involucrado en un conflicto familiar que usó a ArteBA como caja de resonancia al punto de llegar al escándalo. En este blog hemos planteado la postura tanto de él (contra los intentos de su hija Azul de quedarse con el manejo de su obra contra lo querido por el artista que era darle mas participacion a su pareja) y la postura de su familia (quien lo veia sin la autonomia mental suficiente para tomar las decisiones mas adecuadas para el manejo de su legado y de su obra). Van nuestras plegarias para su familia y su pareja. J A T

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ELEONORA MOLINA, LA GALERISTA DE LA INMOBILIARIA MIRANDA BOSCH: ‘YO ME CONSIDERO UNA ARTISTA’

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Abrir una galeria de arte es algo problemático, en principio, porque los números nunca parecen terminar de cerrar y el único modo que lo pueden hacer es cagando a los coleccionistas (Maman o Zavaleta), asociandose con un rico siempre duro (Amparo Discoli), financiarlo con dinero de los contribuyentes (Henrique Faria o Benzacar) o bajar costos y pagar a los artistas como, cuanto y cuando se pueda (Sly Zmud entre muchas otras) o estar loca y tener un mecenas o padre rico (Braga Menendez, Daniela Luna, etc). Sin embargo, lo que no es recommendable es combinar el espacio de la galería de arte con el de una empresa de decoración o una inmobiliaria ya que el resultado será algo demasiado cercano, por confesión de la parte vendedora, al arte como decoración de interiores y si bien esto puede redituable para el galerista, es catastrófico para los artistas.

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En los principios del blog, nos ocupamos de Eleonora Molina, un personaje raro, que quizo responder unas de mis criticas, allá en el tiempo, diciendo que ‘yo no conocía todo lo que había hecho su artista’ y por eso no podía hablar. Eleonora Molina reclamaba un oligopolio de un tipo de conocimiento (la biografia y antecedents del artista) que el espectador no tiene por que tener, mas allá de lo indispensable.

Realmente, me cuesta entender el interès de hacer una entrevista a alguien como Eleonora Molina. Sin embargo, el ejercicio resulta de cierto interès para ver como trata de reconstruir su precaria reputación como ‘galerista’. Desde ya, siempre hay un roto para un descocido y allí esta la revista online Maleva lista para hacer las preguntas que, a nadie, le interesa escuchar.

Lo que queda claro desde el principio es que Molina va a usar la oportunidad que la entrevista le da (es decir que la lean ella y sus familiares directos) para construir un pasado, de por si, contradictorio. Molina parece proponerse navegar las imposibles aguas del galerista que reclama status de artista. Maleva le pregunta: ‘¿Alguna vez pensaste en ser artista o siempre supiste que tu tarea estaba en la gestión?’ y Molina dice que no solo penso sino que ademas se considera artista. En sus propias palabras: ‘Por más que sea galerista me considero artista, porque creo que tengo esa sensibilidad propia de los artistas que me sirve mucho al momento de ver sus obras. Esa sensibilidad la desarrollé a través del cuerpo de obra que es una galería, en la cual los artistas arman un conjunto que se lee y donde cada galería tiene una forma propia. Mi primera galería, Sapo, era sobre dibujo experimental y emergente; y cuando tuvo que cambiar para insertarse en el mercado no lo acepté. Con Schlifka-Molina la primera intención era ser una galería con artistas extranjeros; pero a los dos meses de su apertura apareció el cepo y tuvimos que cambiar el perfil’.Dicho de otro modo, Eleonora Molina cree que es artista porque, según ella, ella puede ver arte por el simple hecho de que convive con el en una galería.

Al respecto afirma que “el arte te elige” y Maleva acota que: ‘Así lo sintió desde chica, cuando visitaba las casas de parientes y amigos de sus padres en busca de cuadros. Más tarde, aunque su familia no quiso, estudió Licenciatura en Artes Visuales en Mendoza, de donde es oriunda’. A esta altura, uno no puede sino evitar preguntarse que tipo de familia no quiere que su hija estudie Historia del Arte? Que querían que jugara el football o que fuera promotora de Avon?

Es en ese punto de la entrevista en el que Molina se califica con esa palabra tan extraña, entorno de la cual, los argentinos hicieron incluso carreras universitarias. Digo esto porque Molina se ve como una ‘gestora’ (‘siendo presidenta del Centro de Estudiantes cuestionó los contenidos de la carrera y reunió fondos para llevar docentes de Buenos Aires a Mendoza). Esto, por supuesto, da la pauta del concepto de federalismo de esta mendocina. Lo que importa es que el conocimiento llegue de Buenos Aires y si esto es así, qué hacía estudiando en Mendoza y no en Buenos Aires? Era pobre? Si lo es, por que no usaba su energía de gestora buscando un trabajo en Buenos Aires y estudiando al mismo tiempo? Uno, a esta altura de la entrevista, empieza a pensar que ademas de poco inteligente, esta señorita tiene ese tipo de inseguridad ‘m’hijo el dotor’-il que inyectada de ambición termina siempre en una acumulación de clichés mal procesados de los tópicos sociales de la década del sesenta. Uno ya puede percibir que esta entrevista tendrá rincones en los que ofensivos reclamos feministas y socialistas emergerán con la violencia del que no lo siente como verdadero. Al respecto Molina dice: “Siempre fui de armas tomar y no me conformo con lo que hay. La comodidad no me gusta, es una telaraña que te envuelve sin darte cuenta, por eso le escapo y busco cambiar”.

Luego nos cuenta la revista Maleva que en la busqueda de una carrera vinculada con el arte, se instaló en Buenos Aires ‘e incursionó en distintos trabajos relacionados al arte, incluso en la docencia; hasta que en el 2008 fundó su primera galería, Sapo, dedicada exclusivamente al dibujo. Pero en 2012 nuevamente viró de rumbo y abrió las puertas de su segunda galería, Schlifka Molina, junto a un socio’. Es obvio que Molina no quiere mencionar al verdadero factotum de esa galería, el fotógrafo Ezequiel Suranyi, educado en Central Saint Martin’s. Por qué no lo menciona habla mas de ella que de el? Respecto a su paso por la docencia, qué enseñó? Si tenemos en cuenta que solo cuenta con una licenciatura, uno tiene que creer que fue una simple ayudante de catedra. A esta altura uno puede ver la falta de seriedad de toda la enunciación. Molina es la version vernácula y devaluada de un personaje de Hoggarth o de Amalia Ullmann, en todo caso. Lo que queda en evidencia es que el que su galería este instalada en una parte de la inmobiliaria de su marido habla mas de su falencias que de sus capacidades de ‘gestora’.

El local, en verdad, pertenece a su novio y esta ubicado en un petit hotel en el barrio de Recoleta y ahora va en camino de inaugurar un nuevo local (obviamente en una sucursal de la inmobiliaria) en Palermo. Entre algunos de los artistas que participan de este proyecto comercial de decoración de interiores naturalizada están Aili Chen, Cristina Schiavi, Matías Ercole, Agustín Sirai, Elisa Strada y José Pedro Godoy.

Pero la pregunta del millón es ‘cómo surge Miranda Bosch Gallery?’. Al respecto Molina nos cuenta que comenzo como decoracion de interior de la inmobiliaria. En sus propias palabras: ‘Los socios de Miranda Bosch empezaron a exhibir obras en su oficina y la gente no entendía si era una inmobiliaria o una galería. Entonces me propusieron armar una vidriera distinta todos los meses con artistas de la galería Schlifka-Molina, como un servicio para el barrio. Cuando sumaron el espacio actual, hicimos lo mismo en la gran vidriera y de pronto tomamos toda la planta baja, hasta que me propusieron abrir el departamento de Arte para darle contenido a su marca. Me gustó el desafío de empezar a vincular mi experiencia curatorial con el mercado, porque a veces las galerías son demasiado románticas, como me pasó con Sapo que tuvo una magia divina’. Empiezo a creer que es tonta la Molina. No solo no se escapa del stigma sino que lo abraza y hasta garcha con el. J A T

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EL ARTISTA QUE ‘VANDALIZÓ’ EL MURAL DE MILO CON UNA PORONGA HABLA EN EXCLUSIVO PARA LANP

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Entré en contacto con este artista en una de mis charlas con los artista de Resistencia, Chaco, organizadas via Webex desde un bar. Algo me dijo que había sido el y lo llame. Me pidió permanecer anónimo por razones legales y se comprometió a escribir un texto. Estas sos sus razones de su ‘intervención’.

TÍTULO: ESTO ES UNA PORONGA

Por qué el mural de Milo? Por qué no otro de los tantos que hay en Resistencia? porque ese mural en particular es una “intervención” con cara de vandalismo y algunas personas no logran verlo así y hasta lo aplauden. Quienes diseñaron y construyeron el viaducto determinaron que en los muros laterales se planten enredaderas (natural, acorde al paisaje y seguro para los conductores) sin embargo los inadaptados de siempre se cagaron en lo anterior y nos encajaron sin preguntarnos UNA PORONGA DE 3.000 METROS DE LARGO Y $ 700.000 DE ESPESOR. Se me ocurrió entonces que frente al atrevimiento, el mal gusto y la falta de contenido de esta obra se podía hacer algo igual de atrevido y groncho, pero un poquito mas pensado para variar (y mas barato claramente) fue así que nació la idea de esta poronga alegórica, que es una obra-poronga metida sin permiso en otra obra-poronga, que a su vez está metida sin permiso en otra obra.

Y por qué una poronga? Por qué no un sorete de 4 metros para decir que el mural es una mierda? Porque para intervenciones desentonadas ya está Milo, si vamos a intervenir tengamos en cuenta el entorno. La obra de Milo Lokcett se reconoce por unos homínidos deformes que pinta, de aspecto claramente infantil pero hechos con la prolijidad de un adulto. En este contexto de infantilización vacía pensé que sería una buena idea usar algo de mi infancia y me acordé de lo que hacía con mis amigos de la primaria cuando veíamos una obra de arte: LE DIBUJABAMOS UNA PORONGA TAN GRANDE COMO FUERA POSIBLE, no un sorete, no anteojos, no un bigote, no el escudo de Chaco For Ever… una poronga. Qué otra cosa podía pintar entonces? Eso si: siempre con la prolijidad de un adulto (no vaya a ser que alguien piense que la hizo un niño de verdad) Sinceramente creo que a Milo le habrá encantado.

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Flavia Company: “Creo que la literatura es el resultado de una dedicación en cuerpo y alma de un artista”

El Péndulo | Jimmy Entraigües.- Flavia Company visitó Valencia promocionando su nuevo trabajo literario: ‘Haru’ (Catedral, 2016). La obra va más allá del relato de una joven japonesa que inicia su camino de transformación en la disciplina del manejo del arco, es la construcción de un camino vital, de un profundo ejercicio de aprendizaje, que sacude al lector por su rica aproximación a un universo íntimo (de enorme valor espiritual) y personal.

Ya en una entrevista, realizada hace dos años a este medio, Company nos decía que: “… hay un hilo de plata que nos une a todos con todo y con todos…”, a raíz de la publicación de ‘Por mis muertos’, lo que sugiere que para la autora no solo hay una unidad expresiva en su corpus literario, sino que entiende que la vida se manifiesta más plena desde el desarrollo personal.

El Péndulo habló con Flavia Company para conocer más de cerca su universo literario y lo que significa esta novela en su labor creativa. Sus años de vida en Barcelona no han mermado el suave acento bonaerense de esta escritora hispano-argentina).

El Péndulo: Hay que reconocer que tanto la edición como el diseño del libro tienen un trabajo precioso. El diseño de la portada me hace recordar el modelo conceptual del arte de la ordenación floral tan reconocible en el universo japonés.

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Para Company, “este libro libro no podía no ocurrir”. (Foto-Miri García).

Flavia Company: Sí, es ikebana.

E.P.: Es toda una invitación y una propuesta ilustrativa del contenido.

F.C.: Sí, sí. Claro. Además quería que no contuviera ningún elemento que distorsionara la aproximación al libro. Digamos que no es lo suficientemente figurativo como para llevarte a un lugar, te da para indicarte muchas cosas, para ir a cualquier lado.  La ilustración está basada en una fotografía de un artista muy interesante, llamado David Orr, y la cubierta es todo un diseño realizado por mi hermana pero…, el diseño del objeto es mío porque buscaba algo muy especial.

E.P.: En ‘Haru’ también se ve que en el paso a cada nuevo capítulo las letras están ordenadas al estilo japonés, es decir en vertical; es como si buscaras un ordenación visual muy pegada al mundo oriental.

F.C.: Sí, es así. La editorial me dijo: “¿cómo quieres que sea el libro?”, y…, yo pedí y me dieron todo. Incluso el corte del papel, que se nota que está cortado desigual, sólo lo hacen tres imprentas en toda España y…, pedir un libro con barbas es pedir mucho y tuve la suerte que el libro tuviera todo los elementos que deseaba. Además, me pareció que este libro era así o no era así y…, tenía que ser así como salió. El diseño del libro respeta lo que dice el libro y…, el libro dice que hay que hacerlo todo con amor, respetar los procesos y…, bueno, habla de muchas cosas.

E.P.: Pero eso responde también a tu propia manera de entender la vida y a tu propia manera de relacionarte con el mundo que…, entronca con el personaje de Haru.

F.C.: Sí, sí, por supuesto. Es un proceso. Haru es arquera, yo soy escritora pero es lo mismo.

E.P.: En la dedicatoria ya se avanza ese hecho.

F.C.: Sí. El arco es el camino de la escritura. El camino de lo que siempre pretendí y deseé, que es fundirme con la literatura. Ahí entra la desaparición del yo. Digamos que el disparo de flecha perfecto surge cuando la arquera se funde con el arco, el arco con la flecha, la flecha con el aire, el aire con la diana, la diana con la arquera y.., todo tiene una armonía tan determinada y tan única que no puede no ocurrir. Este libro no podía no ocurrir. No podía. Porque es el producto de la fusión de todos los elementos.

La autora en una imagen que acompaña el libro. (Foto-Miri García).
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La autora en una imagen que acompaña el libro. (Foto-Miri García).

E.P.: Es decir, de una manera muy zen, las cosas ocurren cuando tienen que ocurrir y en el momento que deben ocurrir.

F.C.: Efectivamente. Yo ambienté el tema en oriente porque hay varias tradiciones orientales combinadas que me pareció importante no limitarlas y…, sin embargo tengo una persona conocida, japonesa, que al verla por tercera vez, venía con el libro bajo el brazo, me dice: “mira, no puedo entender como una persona occidental haya escrito este libro. Este libro me recuerda a mi infancia, a los olores de mi vida, a mis padres, a los sabores de mi vida, a los paisajes de mi vida…, es un libro precioso”. Y me dijo una frase que, viniendo de una mujer japonesa es todo un halago. Me dijo: “este libro es un libro completamente zen. A lo mejor tú no lo sabes pero es como si lo hubiera escrito un maestro”.  Bueno…, estas cosas pueden ser porque, a veces, la meditación lleva a estos resultados.

E.P.: Sabemos que te gusta el yoga y la meditación y quizás ‘Haru’ también sea el resultado de tu propia aproximación a la literatura de una manera profunda, espiritual en donde la palabra también tiene un poder de cambio interno y de sanación. Dicen que la palabra es también terapéutica en todos los sentidos.

F.C.: Mirá, la verdad es que el año pasado fui a la feria del libro de Toronto y me invitaron a un programa de radio muy importante, incluso fui algo nerviosa. Cuando llegué comenzó el programa y me relajé y…, me preguntaron es porqué escribía desde chiquitita y, esto entronca con lo que vos me estás diciendo. Y dije que el mundo no me gustaba como estaba y yo lo quería cambiar y…, yo creo más en las letras que en las armas y con ‘Haru’, después de leer la frase de la contracubierta (“Después de leer la historia de Haru, leerás tu vida de otra manera”), eso…, eso está pasando. Recibo cientos de cartas y de mensajes en Facebook de dejente que tras leer el libro su visión de las cosas ha cambiado. Mirá, el otro día me escribió una profesora de un instituto que diciéndome que le encantó y me comenta que le dijo a una de sus alumnas en clase, “¿por qué no te desprendes del orgullo que hace que culpes a los demás de lo que tú no tienes?, y…, me quedé pensado y diciendo pero… ¿esto no lo dije yo? Lo dice Haru. Si la ves por favor dale las gracias”. Así, como esta historia un montón.

E.P.: ¿Crees que cuando abordamos una historia como la de Haru es reconocer que hay una parte interior o espiritual que no reconocemos o no vemos? Es decir…, ¿en la literatura hay un espacio para una exploración más interna, de búsqueda de algo que trasciende lo físico?

F.C.: Bueno, eso es lo que siempre buscó la literatura clásica… La literatura, vamos

E.P.: ¿Qué defines como clásica? ¿A Dickens, a Cervantes, a …?

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‘Es todo un recorrido por el camino de la vida’. indica Company sobre ‘Haru’.

F.C.: Me refiero a toda la literatura que ha permanecido.  Shakespeare, Borges, Dickens…, incluida la Biblia. Me refiero a la literatura que ha detectado lo que verdaderamente necesitaos los seres humanos para sentirnos menos solos, para sentirnos mejor… Esa es la literatura verdadera, la literatura catártica, lo demás no responde a un proyecto, responde a muchos proyectitos. Creo que la literatura es el resultado de una dedicación en cuerpo y alma de un artista, eso se reconoce como verdad. Es algo que sé y que descubrí como un proceso.

E.P.: El zen tiene la capacidad de cuestionar al propio zen al preguntarse si es el camino correcto. Todos conocemos muchas frases y comentarios zen ya se han convertido en slogan pero, en tu caso hay una camino ya iniciado y profundizado.

F.C.: Es que yo no parto de ahí, yo llegué ahí. Efectivamente el zen no es un punto de partida es un punto de llegada. Cuando estás allí es cuando te das cuenta del bien que hace iniciar el camino.

E.P.: ‘Haru’ es una iniciadora del camino.

F.C.: Es un libro de aprendizaje y hay una evolución determinada y es todo un recorrido por el camino de la vida.

E.P.: También poner en valor las filosofías orientales es como decir que los valores occidentales no son suficientes.

F.C.: Quizás porque lo que llamamos valores en Occidente no son valores. Son cosas que tienen precio. También es un símbolo haber tomado Oriente, por mi parte, ya que Oriente y Occidente representan los mundos enfrentados y son tú y yo y…, tú y yo somos diferentes pero tenemos más cosas en común que cosas que nos separan, ¿por qué no aprovechar el intercambio? Subyace en esta novela un planteamiento de vida y una propuesta de intercambios de mundos. ¿Por qué no nos miramos con curiosidad en vez de con rechazo? Hay que romper con el hecho de minimizar la diferencia y juzgarla.

E.P.: ‘Haru’ también es un recorrido interior, tanto del personaje como de la autora y…, del lector o lectora que esté dispuesto a encontrar un cierto modelo de tranquilidad.

 F.C.: Mirá, vos caminas por esa línea en la que hacés coincidir pensamientos, palabras y actos, vos estás caminando hacia la serenidad y si estás caminando hacia la serenidad es porque estás caminando hacia otras muchas cosas que tienen que ver tener tu centro en vos, no depender de los demás y tener más capacidad de equidad, de tolerancia, de equilibrio interior. Haru es ese viaje y el que emprendí con la literatura.

E.P.: Flavia, como siempre es un gusto hablar contigo y gracias por darnos a conocer las claves que tu nuevo trabajo contiene.

F.C.: Gracias a vos y espero que libro llegue a los lectores con toda la intensidad que encierra y que compruebe que es sincero con la propuesta de la contraportada.

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EL INEFABLE EUGENIO CUTTICA RETO A SUBIR A UN RING A OTRO ARTISTA

Eugenio Cuttica2NOS CUENTA ENRIQUE REDDEL LO SIGUIENTE:

‘Buen día Rodrigo, me sorprendió la ultima andanza del inestimable Euyin Cuttica, reto a subir a un ring a otro artista Roque Onofre Fraticelli, por haberse quejado de lo mal iluminadas que estaba su obra en el salón bco. Provincia (??) Y haber dudado del título gran maestro con el cual se designaba al jurado que Euyin formaba parte. Te enteraste???’

MI COMENTARIO: QUE VIEJO PEJERTO, POR DIO!

EN DOS SEMANAS COMIENZA MI MEGA CURSO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE ANRI SALA A DOUGLAS GORDON 

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  • Morris Louis, Alpha Pi (1967)
  • Frank Stella, Square (1962)
  • Anthony Caro, Early One Morning (1962)
  • Donald Judd, Stack (1990)
  • Idem
  • Tony Smith, Die (1962)
  • Donald Judd, Untitled (1966)
  • Robert Morris, Untitled (Tres Ls) (1969)
  • Carl Andre, 144 Cuadrados de Magnesio (1969)
  • Clement Greenberg
  • Jackson Pollock, Numero 14 (1948)
  • Jackson Pollock, Ritmo de Otoño (1949)
  • Adrian Villar Rojas, Mi familia muerta (2009)
  • Adrian Villar Rojas, Today We Reboot the Planet (2013)
  • Jean Baptiste Simeon Chardin, Un filosofo dando una conferencia (1733)
  • Jean Baptiste Simeon Chardin, Pompas de jabón (1735)
  • Greuze, Niña (1750)
  • Jean Baptiste Simeon, Jóven (1733)
  • Jacques Louis David, El Juramento de los Horacios (1784)
  • Jacques Louis David, La Intervención de las Mujeres Sabinas (1796)
  • Diego Velázquez, Marte (1638)
  • Edouard Manet, Desayuno en la hierba (1862)
  • Edouard Manet, Olympia (1863)
  • Jeff Wall, Adrian Walker, artista, dibujando un specimen del Departamento de Anatomia de la Universidad de British Columbia, Vancouver (1992) tamaño 119 x 164 cm
  • Thomas Struth, Museo del Prado 6 (2006)
  • Andrea Gursky, Bahrain I (2005)
  • Foto de Gursky exhibida en el contexto de la galleria
  • Hiroshi Sugimoto, Isla de Man (1990)
  • Thomas Demand, Archivo (1995)
  • Candida Hofer, Teatro Comunale di Capri (2011)
  • Beat Struli, Sin Titulo (2003)
  • Philip Lorca Di Corcia, Hustlers (2005)
  • Rineke Dijkstra, Hilton Head Island (1995)
  • Patrick Faigenbaum, Naturaleza Muerta (2006)
  • James Welling, Sin Título (2008)
  • James Welling, Perfiles (2010)
  • Andrea Gursky, Board of Trade II (1999)
  • Candida Hofer, Louvre (2005)
  • Thomas Struth, Forest (2010)
  • Thomas Demand, Oficina (1997)
  • Adrian Walker (ant)
  • Anri Sala
  • Anri Sala, Intervista (1998)
  • Idem
  • Anri Sala, Air Cushioned Ride (2006)/ A Spurious Emission (2006) https://vimeo.com/146829853
  • Anri Sala, Long Sorrow (2005). Proyección del corto completo
  • Idem (retrato parcial de Jemeel Moondoc)
  • Idem
  • Presencia/ Presenticidad
  • Anthony Caro, Emma Dipper (1977)
  • Charles Ray, Plank Piece (1973)
  • Walter de Maria, The Broken Kilometre (1973)
  • Diferencia entre Arte y Meros Objetos
  • Matias Duville, Arena Parking (Centro Cultural Recoleta), 2015
  • Luciana Lamothe, Prototipo I (2014)
  • Ana Gallardo, Instalacion en el MAMBA (2016)
  • Anri Sala, Tres Minutos (2004)
  • Anri Sala, Despues de tres minutos (2004)
  • Idem
  • Idem
  • Laoconte
  • Théodore Gericault, Raft of the Medusa (1819)
  • Edouard Manet, El Viejo Músico (1862)
  • Edouard Manet, ant
  • Facingness/ Strikingness
  • Frank Auerbach, Retrato (1992)
  • Henri Cartier Bresson
  • Robert Capa
  • Garry Winogrand
  • Anri Sala, After Three Minutes (ant)
  • Idem
  • Idem
  • Morris Louis, Alpha Phi (ant)
  • Charles Ray, Plank Piece (1973)
  • Roland Brenner, Exercise (1972)
  • Charles Ray, Untitled (1973)
  • Charles Ray, Untitled (1971)
  • Bruce Nauman, Fondation Cartier (2009)
  • Bruce Nauman, Going Around the Corner (1970)
  • Chris Burden, Shoot (1972)
  • Vito Acconci, Marcas Registradas (1970)
  • Dan Graham, Site Erosive (2002)
  • Richard Serra, Elipse (2002)
  • Anthony Caro, Woman Waking Up (1955)
  • Anthony Caro, Holding His Foot) (1955)
  • Anthony Caro, Man Taking Off His Shirt (1956)
  • Anthony Caro (ant)
  • Anthony Caro, Sculpture Seven (1961)
  • Idem
  • Charles Ray, Plunk Piece (1973)
  • John Mc Cracken, Wall Piece (1972)
  • Richard Serra, Tilted Arc (1981)
  • Charles Ray, Oh Charley, Charley, Charley (1992)
  • Anthony Caro, Sculpture Two (1961)
  • Charles Ray, Family Resonance (1993)
  • Charles Ray, Table (1990)
  • Anthony Caro, Table Piece (1966)
  • Relacionalidad/ No Relacionalidad
  • Charles Ray, Big Lady (1992)
  • Tony Smith, Die (ant)
  • Charles Ray, Hinoki (2007)
  • Charles Ray, Unpainted Sculpture (1997)
  • Charles Ray, Untitled (Tractor) (2003-2005)
  • Angela de la Cruz, Compressed Blue (2010)
  • David Smith, Framed Square (1972)
  • Thomas Demand (ant)
  • Charles Ray, Instalación en Matthew Marks Gallery NYC (2007)
  • Charles Ray, Father Figure (2007)
  • Charles Ray, Father Figure y The New Beetle (2007)
  • Charles Ray, Father Figure (2007)
  • Charles Ray, The New Beetle (2007)
  • Charles Ray, Chicken (2007)
  • Roy Lichtenstein, Whaam! (1963)
  • Roy Lichtestein, Mirrors (1974)
  • Marcel Duchamp, Urinal (1915)
  • Charles Ray, Puzzle Bottle (1995)
  • Jeff Koons at the Whitney (2015)
  • Spinario
  • Charles Ray, Aluminium Girl (2003)
  • Joseph Marioni, Green Painting (1996)
  • Donald Judd, Untitled (1990)
  • Donald Judd, Grid Painting (1982)
  • Jeff Wall, Lightboxes en el contexto de la galeria
  • James Welling (ant)
  • Wolfgang Tillmans (ant)
  • Andrea Gursky, Salerno (1990)
  • Thomas Ruff, Pareja (1997)
  • Candida Hofer (ant)
  • Jackson Pollock (ant)
  • Jackson Pollock (ant)
  • Robert Ryman, Untitled (1972)
  • Brice Marden, D’Apres (1973)
  • Idem
  • Gerhard Richter, The South Bank Show (1988)
  • Gerhard Richter, Abstract Painting 780 (1986)
  • Gerhard Richter, Candle (1983)
  • John Currin, Angel Rubio (2001)
  • Flavia de Rin (2005)
  • Diego Gravinese, 2005?
  • Elias Santi, Nubes (2016)
  • Giovanni Bellini, El Dogo Loredan (1501)
  • Mark Rothko, Amarillo y Rojo (1953)
  • Franz Kline, Figure Eight (1952)
  • Robert Ryman, Untitled (1972)
  • Obras de Brice Marden en el contexto de una colgada
  • Gunter Umberg, Obras con negro (1979)
  • Lucio Fontana, Concetto Spaziale (1965)
  • Helen Frankenthaller, Ejercicio Plastico (1978)
  • Morris Louis (ant)
  • Kenneth Noland, Circulo (1977)
  • Jules Olitski , 7th Loosha (1970)
  • Larry Poons, Armorer (2008)
  • Helena Distefano y el Esencialismo Argentino
  • Joseph Marioni, Red Painting (1996)
  • Idem
  • Joseph Marioni, Blue Painting (1998)
  • Joseph Marioni, Painting 2006 (2006)
  • Idem
  • Joseph Marioni, Yellow Painting (2007)
  • Idem
  • Idem
  • Joseph Marioni, White Painting (2003)
  • Joseph Marioni, Green Painting (2000)
  • Joseph Marioni, Red Painting (2002)
  • Frank Stella, Moultonboro II (1966)
  • Stella en la colgada
  • Jules Olitski, 9th Loosha (1972)
  • Annish Kapoor
  • Annish Kapoor, Royal Academy (2007)
  • Idem
  • Adrian Villar Rojas, La inocencia de los animals ( 2013)
  • Idem
  • Adrian Villar Rojas, Bienal de Venecia
  • Annish Kapoor, Forest (2011)
  • Joseph Marioni, Yellow Painting (ant)
  • Joseph Marioni, Silver White (2008)
  • Las salas vacías de Dolores Cáceres en el Caraffa (2015)
  • Douglas Gordon, Play Dead/ Real Time (2003)
  • Nan Goldin, The Ballad of Sexual Dependency (1984)
  • Douglas Gordon, Zidane: A 21st Century Portrait (2006)
  • Alexandra Kehayoglou, Desfile de Dries Van Noten (2015)
  • Publico ‘observando’ una obra de Kehayoglou
  • Olafur Eliasson, The Weather Project (Tate Modern) (2004)
  • Idem
  • Amalia Ullmann, Proyecto en Instagram (2015)
  • org
  • Douglas Gordon, Play Dead (ant)
  • Douglas Gordon, Déjà vu (2000)

1536LS_diCorcia_Chris

EN LA ULTIMA QUINCENA DE JUNIO Y PRIMER SEMANA DE JULIO

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ASIMISMO, LAS FECHAS PARA EL SEGUNDO GRAND TOUR LANP ROMANO SON

DEL 8 AL 14 DE MAYO DEL 2017 INCLUSIVE

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LEO GARCÍA JUSTIFICÓ SU BROTE INFANTO-NARCÓTICO CON QUE LOS ARTISTAS NO SE EXPRESAN PERO UN ARTISTA SALE A RESPONDERLE

ESTE TEXTO NO FUE ESCRITO POR MÍ SINO POR EL LECTOR ‘SABATEZ’:

Digamos que Leo García se portó como lo que comunmente se llama “loco” en arteBA. Gritó fuerte y rompió vasos de plástico frente a algunas personas. Luego se explicó en TN. Dijo que no se arrepentía de lo que hizo y que pedía disculpas si alguien se asustó. Dijo que en Argentina los artistas estamos callados y que su acción fue para señalar eso. Quizas preocupado porque alguien lo considere “peligroso”, aclaró que los vasos que rompió no eran de vidrio. Citó a Marta Minujín, diciendo que ella nos enseñó que romper algo puede ser arte.

1755463

Yo creo que esto es cualquier cosa. Por empezar, los artistas no estamos callados: los artistas simplemente no estamos difundidos. Los que poseen difusión suelen ser mercenarios disfrazados de artistas, que siembran la confusión. Minujín es un buen ejemplo, para usar al mismo que citó Leo. Romper algo no te hace artista; “todo” no es arte; la alegría no es parte fundamental del arte. Y que alguien que posee los extremos masivos de comunicación para decir lo que quiera diga eso, es malísimo. Envía confusión a los artistas en formación, al público y al distraído. Distorsiona la idea pública de “arte”.
Hacer arte no es tener “libertad de expresión”. Cortemosla con esa pelotudez. Hacer arte es una responsabilidad. Es crear conciencia, abrir posibilidades, no decirle al otro cómo debe interpretar un universo. Eso es facho por naturaleza y supone que el receptor es un tarado, que necesita que “el genio” nos explique lo que hizo. Y así, nos vamos tarando todos…

Unknown-1Leo García reaccionó desde la bronca o desde una estrategia de difusión de algo. Si fue desde la bronca, lo entiendo. Yo tambien tengo mucha bronca. Porque veo que el arte masivo es una mierda, y porque veo cómo mi país va voluntariamente camino al precipicio. Pero gritar en el hall de una feria careta, paradigma del vaciamiento del arte y el culto a la guita y al status de los que compran obra pero no la hacen, es inútil. Los caretas no van a entender. Pensaran que es una performance o una estrategia pata difundir tu nuevo disco. Si alguno de los presentes aplaudía, nadie dudaba: el artista estaba haciendo una obra…no?

Ahora digo, la misma acción, en hora pico en el Sarmiento… ¿no tendría más sentido?
Por último, si quiso atacar a arteBA, muy tibio. Jugatela, y rompé la obra más cara. O la más linda. O cagale en la cara a algun miembro de la familia Minujín. Pero no te la agarres con la zona de laburo del mozo. Eso es, nuevamente, desviar la atención del problema y trae encima mucha mierda clasista. Si queres comunicarte, pensá a quien queres llegar: a tus pares artistas, o al público, o a todos. Y si tenes una buena idea que puede derivar en un quilombo, consultá con un abogado primero, y despues jugate. Si queres. Pero no vendas humo como revolución sobre alfombra. Y jamás, jamás pidas disculpas si estas seguro de lo que hiciste. Eso desacredita cualquier intento de flashear revolución, automáticamente.

Los artistas no estamos callados. No le crean a Leo García. Somos muchos, pero no masivos, ni famosos. Artistas somos los que volamos bajo en el radar y por eso todavía nadie nos tentó con un maletín lleno de lo que más nos guste imaginar. Por eso somos responsables, mas que “libres” (paréntesis: otra pelotudez esa… flashear que somos libres… daaaale jajajajaj). Somos artistas porque laburamos en lo chiquito, lo local. No decimos qué o cómo pensar: compartimos algo. Somos honestos. El fin último es abrir la mente propia y ajena, sin censurar o explicar posibilidades. Y esa conciencia se crea y comparte en lo palpable, no en lo masivo, homogéneo y frío. No en arteBA. Por eso, siempre que aparece en las noticias masivas algo sobre “arte”, desconfío. Fija que es una mona vestida de seda.

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Cher cumple 70 años: 7 canciones imprescindibles en la carrera de la oscarizada artista


La joven que comenzó en el negocio de la música en la década de los 60 cumple ahora 70 años. Echamos la vista atrás y repasamos su extensa carrera a través de 7 de sus grandes éxitos musicales.

Cher cumple 70 años: 7 canciones imprescindibles en la carrera de la oscarizada artista
Bekia

Artista callejero toca todos los instrumentos al mismo tiempo

Un artista deleita a los caminantes con música muy original

En Zaragoza reside un hombre que, aunque no lo creas, es un genio. El señor hace música como si fuera un a orquesta en vivo, pero no…es solo él!!!

Este video está circulando por Internet y ya sumó más de 15 millones de visitas. Es increíble como hace varios malabares al mismo tiempo que hace música.

La coordinación que tiene este sujeto es envidiable ya que uno cuando pasa por esa vereda no cree que el concierto que brinda sonará tan pero tan bien, sin olvidar que está solo con todos los instrumentos

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La entrada Artista callejero toca todos los instrumentos al mismo tiempo aparece primero en Ocio.

Ocio

JORGE MACCHI UN ARTISTA DE LO PEQUEÑO LLEVADO A ESCALA MONUMENTAL POR LA AMBICIÓN DE SU COLECCIONISTA COSTANTINI

Jorge Macchi es un tipo ingenioso. Sin embargo, el ingenio, como el gusto, depende de su contexto histórico. En la Inglaterra Isabelina lo llamaban (y lo siguiente haciendo) ‘wit’. En Francia, lo llamaban ‘esprit’ y en la España del Siglo de Oro fue el motor del ‘conceptismo’ de Cervantes, Gracián y Velázquez. Allí nada es lo que parece ser y la ironía es usada como figura retórica de desplazamiento en la que lo que se dice, en realidad, quiere decir otra cosa. La muestra de Jorge Macchi tiene esto de la ironía porque es por un lado ingeniosa y, por el otro petulante y todo está cruzado por un homenaje al caligrama de Guillaume Apollinaire y a Ed Ruscha que oscila entre el plagio y la mera aplicación de un concepto ajeno en un nuevo medio, a saber: el video arte y la proyeccion en la pared de la sala.

Sin siquiera saberlo ni intentarlo, el texto del curador, Agustín Perez Rubio pone una lupa en todos y cada uno de los puntos débiles de la muestra. Desde ya, me refiero a su flagrante teatralidad. Si el arte, para ser arte tiene que ser anti-teatral, osea, mostrarse como si no hubiera sido hecho para ser visto, todo, en esta muestra, con un par de excepciones, se presenta como una ‘pirueta teatral’. Para peor, el texto del curador parece obsesionarse con los aspectos ‘dramáticos’ de la obra diciendo que ‘lo importante son las atmósferas’, ‘alude al mundo como un teatro de la melancolía’, ‘tiene una dimension entre metafisica y misteriosa’, y las banalidades pseudo-teatrales siguen. Dicho de otro modo, al entrar el espectador recibe una serie de instrucciones de cómo debe ‘experimentar’ en un plano ‘psicológico’ y ‘sentimental’ estos ejercicios de ingenio conceptual, fríos y distantes, por definición. Hablar de ‘atmosfera metafísica’ cuando se enfrenta al espectador con objetos vaciados o aislados en una sala pintada de blanco es un poco facilista por no decir un lugar común.

Tras entrar el espectador se enfrenta con un homenaje a la Ciudad de Buenos Aires a través de su escudo (tapado con clavos doblados) y una especie de mapa del subte de Buenos Aires en donde el espectador puede tocar botones y escuchar el sonido grabado en dicho lugar. Esta suerte de mapa urbano a traves de sus sonidos, visto, desde el punto de vista de su tamaño y escala (varios metros por varios metros) aparece como algo innecesario y allí, el espectador comienza a percibir algo que se repite en toda la muestra que es un serio problema entre la relevancia y la magnitud de la escala de exhibición. Luego le llega el turno a los mapas urbanos vaciados en donde lo único que quedan son las calles (el resto es hueco). El título de una de estas obras es ‘Guia de la Inmovilidad’ y lo que queda en evidencia es el juego de opuestos o contradicciones retóricas entre lo que Macchi presenta visualmente al espectador y aquello que es indicado mediante el titulo. Estos son los pilares del proyecto de ‘ironía visual’ de este artista y a este nivel, hay que prestar atención a la palabra como ‘desorientadora’ en tanto retrato descorporizado del mismísimo Macchi.  Una cosa que el espectador no puede dejar de percibir son los problemas de conservaciones de este tipo de obra que no tiene mas de veintinco años como mucho de duracion. Este arte puede ser considerado efimero lo que le agregaria otra capa de ironia o irresponsabilidad a la obra, segun pretenda mirarsela.

En una mesa se colocan una estructuras de alambre que simulan ser los mapas desdoblados. Tambien vaciados, estos objetos refieren directamente a esas piezas participativas de Lygia Clark pero, en este caso, un cartel, ignorado por una de mis acompañantes, decia: ‘No tocar’. Una vez más, el espectador recibe instrucciones muy rígidas y precisas de cómo reaccionar frente a la obra. La segunda parte de la sala tiene una fila de fotos casi zenitales de cruces de calles con dos autitos de juguete en colision. El parecido con ‘Selma Meets Vine’ de Ed Ruscha (con el agregado de los juguetitos Liliana Porterescos) es sorprendente y ahí el ojo entrenado empieza a prestar atencion al dialogo/alusión/copia que Macchi establece con el artista losangelino. El reloj que parece esconderse como el sol o la luna marca la otra avenida de trabajo de Macchi que es la sinecdoque visual vinculada en la historia del arte con Guillaume Apollinaire quien, sorprendentemente, no es mencionado en ninguna de las reseñas que lei de este artista (ni por Perez Rubio ni por Alan Pauls para El País de Madrid).

Un ‘caligrama’ es una composicion poetica en la que la disposicion tipografica intenta representar el contenido del poema. En este caso, Macchi se deshace del poema y hace que la proyeccion en la pared represente su funcion, así si Guillaume Apollinaire escribe el poema sobre una mujer con la forma (el ordenamiento de las oraciones) como si fuera esa mujer, Macchi transforma al reloj (que supone indicar el pasaje de las horas) en el sol (que sube y se pierde en el cielo con el paso de las horas).

Frente a ella hay una obra con dos vidrios rotos exactamente iguales. La maravilla de esta obra radica en la identica exactitud de la rajadura. Sin embargo, cuando uno mira mejor las rajaduras no son identicas sino que pretenden serlo. Si bien esta obra se presenta como un ejemplo virtuoso de intencionalidad, al estilo de Charles Ray en su ‘Hinoki’ (2007) donde reproduce con exactitud y tras años de trabajo y colaboraciones diversas, un cipres encontrado al costado de la ruta. Lo que en Charles Ray es un monumento a la intencionalidad titanica del artista, en Jorge Macchi es la pretension de la intencionalidad total que se desarma en el acto de la mirada. Frente a este obra tenemos a ‘Cuerpos sin vida’ (2003) en la que los textos de la narrativa de asesinatos y sucesos policiales estan pegados sobre una cartulina larga y apaisada de manera horizontal tocandose solamente en el centro (que ordena la ‘composicion’) en donde las palabras ‘El cuerpo sin vida’ se repiten y acercan fisicamente. Es aqui en donde el dialogo con Ed Ruscha continua y para esto estoy pensando en obras como ‘Scream’ (1964) en donde el texto es representado con la indicacion grafica de la expansion del sonido. En el caso de ‘Cuerpo sin vida’, la repeticion en las notas periodisticas de la seccion de ‘policiales’ es representanda como un bloque repetitivo. El concepto es el mismo que Ruscha con la sola variacion de la ejecucion y el ejemplo. Muy cerca de esta obra tenemos al conocido ‘Speakers Corner’ en el que Macchi cuelga con chinches el texto fisicamente vaciado citado en los medios entre comillas. Es imposible referirse a la cuestion alegorica del texto vacio. En este juego permanente de alusion e ironias sin demasiado sentido, el espectador empieza a recibir un mensaje que esta vinculado con el modo en el que la palabra funciona en el contexto social de colgada de estas obras. Si se quiere, el cubo blanco de la galeria se convierte en la gestallt de una escena social en la que no importa lo que se diga con tal que sea dicho entre esas paredes. La palabra como algo sin efecto en la realidad. Y esto lo coloca en las antipodas de Ed Ruscha para quien la palabra flota en un plano autonomo con el poder de la abstraccion. Para Macchi la palabra parece ser o bien nada o un mero juego de sonidos.

Desde mi punto de vista y tambien desde el de aquellos que me acompañaron, la obra ‘Metrópolis’ es la mejor de la muestra. Dentro de la serie del vaciamiento de textos, esta vez Macchi vacía los obituarios y los superpone como si fuera un edificio de monoblocks o el area de los nichos en el cementerio de la Chacarita. Austera y suscinta es quiza la unica obra que le presenta al espectador al oportunidad de hacer algun tipo de conexion sentimental o espiritual que no dependa solo en el o en el texto de Agustin Perez Rubio en la puerta. Tras esto la muestra de desarma.

La decision de incluir las pinturas de principios de su carrera son un grave error. Ellas pertenencen a la estetica de La Nueva Imagen de Jorge Glusberg y son tecnica y conceptualmente pobres. Una presenta una suerte de loggietta o recoba con una almohada pegada y otra nos muestra, si no me equivoco, la cupula pintada por Andrea Pozzo en el Gesu de Roma. Otra hecha de arpillera con los fragmentos despegados con la catedral de Amiens horriblemente delineada.

Es aquí en donde la copia a Ed Ruscha es casi literal. Me refiero a ‘Fragil’ que es la representacion a escala grande de un rollo de cinta adhesiva con la inscripción ‘Frágil’. La obra es en acuarela (un medio, por definicion, ‘fragil’) y el efecto del liquido de la acuarela en un papel tan grande lo dobla y lo hace fragil. Esta superposicion de ‘fragilidades’ seria muy ingeniosa si no tuvieramos toda la carrera de Ed Ruscha y sus ‘Spam’ (1964) o ‘Actual Size’ (1964) entre muchos otros ejemplos.

Su ‘Music Stands Still’ (2005) es la estrella de una muestra en un museo en el que uno de los requisitos parece ser tener un escenario armado para la selfie. En la tradicion MALBense (obviamente por el MALBA) de Yayoi Kusama, el visitante puede irse con su selfie con la bola de espejos y los reflejos como si fueran cuchillazos en claro homenaje a Lucio Fontana, lo que, en el marco de la Bienal de Venecia, donde originalente fue mostrado (en un remoto pabellon), adquiere cierta relevancia. Habiendo dicho esto, la alucion a Fontana y el cuchillazo en lugar del reflejo aparece como un chiste, el mismo tipo de chiste que uno ve al comienzo de la muestra con el ventilador. Pero esto no es todo ya que a la salida, Macchi nos despide con un caligrama literalmente inspirado en Guillaume Apollinaire en el que textos referidos al mar son representados como ondas y en modo de gigantografia haciendo alusion al mismismo mar que esta representando.

Es Macchi un mero traductor de ideas ajenas? Para ser mas especifico, es Macchi un plagiador (solapado) de Ed Ruscha y Guillaume Apollinaire? Esta no es una pregunta menor porque esta muestra es fria, distante y no logra comunicar ninguno de los efectos dramaticos (y, por eso, anti-artisticos) anunciados por su curador (Agustin Perez Rubio) en su texto inicial. Creo que el problema con Macchi es que en la oscilacion entre la ‘obrita-chiste’ (el ventilador y la bola de espejos) y la ‘obra homenaje a Ed Ruscha y Apollinaire’ (los caligramas en diversos medios, incluso, en video), termina mas pegado a lo primero pero el modo en el que se lo presenta es tan ‘monumentalmente conceptual’ que uno se va con la sensacion de que todo ese anuncio de ‘racionalidad’ e ‘ingenio’ no es mas que una serie de ‘chistes’ y ‘aluciones’. Es a este nivel que la obra, en su total teatralidad, deberia por lo menos emocionar y esto es algo que nunca jamas logra. El resultado es un poco chato y, a decir verdad, aburrido.

Otra de las cuestiones a tener en cuenta es que gran cantidad de obras son de propiedad de Eduardo Costantini y esto plantea un conflicto de intereses que termina jugandole en contra a Jorge Macchi ya que Costantini, al usar su propio museo, para monumentalizar su patrimonio termina poniendo una lupa en las fallas del artista. La impresion que tuve al salir de la muestra es que a esta escala Jorge Macchi no funciona y que solo hace a la escala de las pequeñas obras y los pequeños chistes. J A T


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Porno-Ortografía, la fórmula de la artista Sabina Urraca para que dejes de pegarle patadas al diccionario

La artista Sabina Urraca, es la autora de las siguientes ilustraciones. Como mínimo irreverentes, no deja de ser una fórmula brillante para que nos pongamos las pilas con la ortografía. Las imágenes corresponden a su fanzine “Tus faltas de ortografía hacen llorar al niño dios”.

De todos los métodos que he visto para ayudar a cuidar la ortografía, este es sin duda el más original y descarado. En una entrevista que concedía a “El Confidencial”, Sabina Urraca, explicaba de dónde surgió la idea de este hilarante proyecto:

“Mi neurosis ortográfica me llevó a él. Un día, escribiendo en el blog se me ocurrió utilizar un reclamo para que a la gente se le grabaran a fuego algunas normas ortográficas. ¿Y qué mejor reclamo que el sexo? En mi blog suelo escribir bastante sobre temas sexuales y había comprobado cómo, en el gráfico de visitas, estas se disparaban cuando había un post marrano. Así que hice los primeros dibujos y los colgué un poco avergonzada, pensando Jesusito de mi vida, perdóname, que voy a poner una cosa muy chusca y facilona”.

Si quieres conocer más de esta autora, síguela en su blog.

PornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografíaPornoortografía

El artículo original está en Porno-Ortografía, la fórmula de la artista Sabina Urraca para que dejes de pegarle patadas al diccionario

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EL PRÓXIMO CAÑECHAT ES CON EL ARTISTA ARGENTINO RADICADO EN CHILE, ELÍAS SANTI

SI NO LEISTE NUESTRA CHARLA ‘A CALZÓN QUITADO’ ESTA ES TU OPORTUNIDAD

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Rodrigo Can: De las cinco imágenes que me mandaste hay algo que me llama poderosamente la atención y es la importancia en términos de iconografía del centro físico del plano pictórico. Por ejemplo, en La Fabrica del Mundo es el el ojo del Tucan, en El Circulo Vicioso es el mantel que aparece como descolorado y ‘vicioso’ en medio de semejante composición. En Las Particulas Elementales, el centro del plano es la oscuridad. Es una pintura muy interesante porque nadie se mira y todo es desconexión. En Orbita Prima la pintura es una boca que uno quiere besar o coger y finalmente, ese San Juan Bautista del final se cierra en su corazón. En otras palabras, tus pinturas son como ojos que miran al espectador y del cual uno no se puede escapar. Que te parece lo que digo?

Elias: Luego de leer tu mensaje no pude mas que ver el centro de todas las pinturas para encontrar cual era el icono que habitaba en cada una de ellas. Así lo hice, fue muy divertido y te lo agradezco mucho.

Mi hallazgo favorito es el centro de “La lectura” que es el pie descalzo sobre la piedra. He sentido mucho ese icono y se que es una clave en el desarrollo de la comunicación telepática. Si bien ahora no lo comprendo en lo absoluto, eso es una buena señal.

Con el pasar de los días pude oír y visualizar en situaciones concretas lo que el Universo tenia para decir sobre esta noción que has compartido conmigo.

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Fueron varias las señales pero las mas claras para mi han sido estas dos.

La primera a través de un texto de Goethe pensador universal.

Leyendo una mañana.

Si el ojo no fuese astral

no podría ver el sol

Si no estuviera conmigo la misma fuerza de Dios

¿Extasiarme a mi podría

lo propio de la deidad –

Zohme Xenien 3

Y la Segunda a través de mi mano, en un dibujo donde claramente lo que encierra la palabra “Espejo” es un ojo. Y no lo había visto hasta ahora.

Entonces lo que el Universo, la Vida o como prefiera cada uno llamar nos dice a través de este dialogo es:

Todo ojo es un espejo.

Simple, maravilloso e infinito, como todo lo que dice siempre.

Siento un poco haberme explayado tanto, trataré de ser mas breve la próxima.

Rodrigo: Si te vas a extender asi, vale la pena asi que por mi extendente todo lo que quieras. Dos reflexiones respecto de lo que venimos hablando. Ese pie en medio de esa pintura es tanto una patada como un fragmento y de tu parte tiene que ver con una cuestion que veo como desafiante. Estoy pensando en una pintura que planteo un desafio muy concreto y es el San Mateo con el Angel de Caravaggio que pensada in situ (es decir, encima de un altar) pone al pie casi sobre la Eucaristia, es decir en el lugar central. La Eucaristia es el ojo por antonomasia. Caravaggio tiene otra pintura que a mi me parece fascinante y es el Narciso. Narciso fue el primer pintor ya que crea su propia imagen como algo objetivo y fuera de si mismo (de la que, ademas, se enamora). En otras palabras, el ojo y el pie parecen ser dos caras de la misma moneda. La pregunta seria entonces: es tu pintura una exploracion de tu oficio para discutir mediante el conocimiento visuales cuestiones fundamentales de nuestra condicion humana? Me extendi demasiado?

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Elias: Si, lo es. Si bien no pinto para discutir, pinto para que sea.Y eso que pintando será, cada vez está menos plagado de intenciones y mas plagado de confianza. Siento que mi pintura esta aprendiendo a bailar. Y eso es en gran parte gracias al dibujo, la acción de arte mas honesta , mágica e infinita que puede existir.

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El pie es ahora para mi lo desconocido. Y poner un pie en el agua, es decir en el espejo. Es algo que puede darme temor y esa es la señal que indica “hazlo”.

Si consideramos que nosotros aquí conversando representamos fractalmente a toda la humanidad, estamos todos ya con los pies en el agua. Lo has notado?

Este dibujo lo hizo Marina Gerosa una de las asistentes a mi taller.

Veo el narciso apunto de mover el agua que lo refleja con su mano izquierda, y parece que ya es hora de darse una zambullida en su propio reflejo.

El portal a un verdadero viaje interestelar.

Rodrigo: Ufff. Que diria Tiziano o Velazquez de tu comentario del dibujo. En la tradicion de la historia del arte el dibujo (o disegno) y el color (colore) aparecen como contrapuestos. Desarrolla un poco mas esta idea del baile, el lapiz y el dibujo al que voy a contraponer con la fotografia, la escultura y la pintura atraves del color (Cezanne, por ejemplo).

Respecto de la imagen de Caravaggio que Marina dibujo me parece mas que interesante porque lo que hace Caravaggio es crear en el reflejo del brazo un circulo del que Narciso no puede escapar. Generalmente, es la imagen de Narciso la que se objetifica en tanto paralizada. En otras palabras, lo que Caravaggio dibuja es el momento del enamoramiento consigo mismo mientras que lo que Marina dibujo es el momento en el que Narciso se da cuenta que esta enamorado de algo que no se puede besar. Cuando en Caravaggio hay esperanza y amor, en la reproduccion de Marina hay certeza del fin.

De algun modo esto es lo que me ocurre hablando con vos. Sos un artista que abre posibilidades con la imagen y con el discurso las cierra. Es tu pintura, el reflejo melancolico de Narciso o su final depresivo que (como sabemos) en el caso de Ovidio, termiina en una flor y su total banalidad?

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Otra cosa interesante de tu identificacion con Narciso es lo bisexual. Tu paleta y tu dicurso son profundamente fluidos en terminos de genero.

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Elias: Velazquez, está diciendo algo ahora mismo en alguna dimensión dentro de la curva del tiempo, que será? Siento hermoso tu comentario por que también me has recordado que Velazquez está pintando ahora mismo. Y nosotros aquí en su futuro reflejamos, entre otras cosas, su eternidad y la eternidad de la pintura.

Me resulta difícil ahora desarrollar la idea del baile porque estoy en medio del baile y aquí están contenidos todos los significados  y aquí también se desintegran. Mas, a riesgo de equivocarme, te diré que esta es la danza del agua como elemento y como símbolo universal de nacimiento.

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Acepto la noción de contraponer el dibujo y sus ondas al color, la fotografia y la pintura, según patrones de herencia cultural, pero bajo mi visión positiva y solar es imposible en este caso no dirigirme enérgicamente al aspecto que los potencia y complementa a todos hasta ver a uno y su reflejo, es decir once. Porque, imagina, soy un hijo del mismísimo fuego aquí aprendiendo esta danza cristalina que expresa el universo, tendría mucho que temer , de hecho mucho temí al principio ante el agua, como te comente mediante el ejemplo del narciso apunto de zambullirse. Ahora que ya estoy aquí, en el baile, es maravilloso.

La frase del dibujo la sostengo a razón de este cierto enamoramiento que tengo con él. ya que ha sido junto a la música el bote y el agua para transportarme, complementar y potenciar mi pintura en esta danza.

El dibujo es el puente inmediato a la red telepática de todos los tiempos, incluyendo futuro claro. Uno de los accesos, si te lo permites, mas transparentes quizás. Y a través de esa red de mensajes en símbolos recibí mucha ayuda para tomar el báculo y la espada.

Creo que mi pintura termina y comienza siempre en una estrella.

Rodrigo: Vos sos hijo del fuego y yo soy hijo del aire. Eso me obliga bailar para tener los pies en la tierra. Claramente ese no es tu problema. Tu problema es que podes hacer autocombustion. Me interesa lo que decis de tu enamoramiento de Narciso porque segun Ovidio quien se enamora de Narciso es Eco quien habia sido condenada por Juno a repetir la ultima frase de lo que su amado dice. Es interesante esto porque Narciso suele identificarse con el primer pintor pero Eco suele relacionarse con el primer plagiador. En tal sentido hablame un poco de la relacion entre tu obra y la de Muntea & Ronsenblum?

Elias Santi: Gracias, no conocía esos pintores .Los busque en Internet y vi algunas de sus obras desde aquí … son buenos , admiro que trabajen juntos y que sean libres de la pasión por el detalle .Pienso en lo bueno que fue Internet para la humanidad Y lo bien que nos haría ahora que Internet tenga una pausa o bien pueda sublimarse. Todo el conocimiento no es mas ni menos que el fluir de toda la energía sexual. E Internet por momentos parece convertirse en una una herramienta de lucha contra la propia conciencia del vacío. Ahi te mande a Orfeo….

Rodrigo: El que despues de la muerte de Eurydice ofendio a todas las ninfas porque se hizo puto…

MUY PRONTO, LA CAÑECHAT7 CON ELÍAS SANTI

MIRA LA CAÑECHAT CON ROLI BELINDA

 


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Rodrigo Can: De las cinco imágenes que me mandaste hay algo que me llama poderosamente la atención y es la importancia en términos de iconografía del centro físico del plano pictórico. Por ejemplo, en La Fabrica del Mundo es el el ojo del Tucan, en El Circulo Vicioso es el mantel que aparece como descolorado y ‘vicioso’ en medio de semejante composición. En Las Particulas Elementales, el centro del plano es la oscuridad. Es una pintura muy interesante porque nadie se mira y todo es desconexión. En Orbita Prima la pintura es una boca que uno quiere besar o coger y finalmente, ese San Juan Bautista del final se cierra en su corazón. En otras palabras, tus pinturas son como ojos que miran al espectador y del cual uno no se puede escapar. Que te parece lo que digo?

Elias: Luego de leer tu mensaje no pude mas que ver el centro de todas las pinturas para encontrar cual era el icono que habitaba en cada una de ellas. Así lo hice, fue muy divertido y te lo agradezco mucho.

Mi hallazgo favorito es el centro de “La lectura” que es el pie descalzo sobre la piedra. He sentido mucho ese icono y se que es una clave en el desarrollo de la comunicación telepática. Si bien ahora no lo comprendo en lo absoluto, eso es una buena señal.

Con el pasar de los días pude oír y visualizar en situaciones concretas lo que el Universo tenia para decir sobre esta noción que has compartido conmigo.

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Fueron varias las señales pero las mas claras para mi han sido estas dos.

La primera a través de un texto de Goethe pensador universal.

Leyendo una mañana.

Si el ojo no fuese astral

no podría ver el sol

Si no estuviera conmigo la misma fuerza de Dios

¿Extasiarme a mi podría

lo propio de la deidad –

Zohme Xenien 3

Y la Segunda a través de mi mano, en un dibujo donde claramente lo que encierra la palabra “Espejo” es un ojo. Y no lo había visto hasta ahora.

Entonces lo que el Universo, la Vida o como prefiera cada uno llamar nos dice a través de este dialogo es:

Todo ojo es un espejo.

Simple, maravilloso e infinito, como todo lo que dice siempre.

Siento un poco haberme explayado tanto, trataré de ser mas breve la próxima.

Rodrigo: Si te vas a extender asi, vale la pena asi que por mi extendente todo lo que quieras. Dos reflexiones respecto de lo que venimos hablando. Ese pie en medio de esa pintura es tanto una patada como un fragmento y de tu parte tiene que ver con una cuestion que veo como desafiante. Estoy pensando en una pintura que planteo un desafio muy concreto y es el San Mateo con el Angel de Caravaggio que pensada in situ (es decir, encima de un altar) pone al pie casi sobre la Eucaristia, es decir en el lugar central. La Eucaristia es el ojo por antonomasia. Caravaggio tiene otra pintura que a mi me parece fascinante y es el Narciso. Narciso fue el primer pintor ya que crea su propia imagen como algo objetivo y fuera de si mismo (de la que, ademas, se enamora). En otras palabras, el ojo y el pie parecen ser dos caras de la misma moneda. La pregunta seria entonces: es tu pintura una exploracion de tu oficio para discutir mediante el conocimiento visuales cuestiones fundamentales de nuestra condicion humana? Me extendi demasiado?

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Elias: Si, lo es. Si bien no pinto para discutir, pinto para que sea.Y eso que pintando será, cada vez está menos plagado de intenciones y mas plagado de confianza. Siento que mi pintura esta aprendiendo a bailar. Y eso es en gran parte gracias al dibujo, la acción de arte mas honesta , mágica e infinita que puede existir.

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El pie es ahora para mi lo desconocido. Y poner un pie en el agua, es decir en el espejo. Es algo que puede darme temor y esa es la señal que indica “hazlo”.

Si consideramos que nosotros aquí conversando representamos fractalmente a toda la humanidad, estamos todos ya con los pies en el agua. Lo has notado?

Este dibujo lo hizo Marina Gerosa una de las asistentes a mi taller.

Veo el narciso apunto de mover el agua que lo refleja con su mano izquierda, y parece que ya es hora de darse una zambullida en su propio reflejo.

El portal a un verdadero viaje interestelar.

Rodrigo: Ufff. Que diria Tiziano o Velazquez de tu comentario del dibujo. En la tradicion de la historia del arte el dibujo (o disegno) y el color (colore) aparecen como contrapuestos. Desarrolla un poco mas esta idea del baile, el lapiz y el dibujo al que voy a contraponer con la fotografia, la escultura y la pintura atraves del color (Cezanne, por ejemplo).

Respecto de la imagen de Caravaggio que Marina dibujo me parece mas que interesante porque lo que hace Caravaggio es crear en el reflejo del brazo un circulo del que Narciso no puede escapar. Generalmente, es la imagen de Narciso la que se objetifica en tanto paralizada. En otras palabras, lo que Caravaggio dibuja es el momento del enamoramiento consigo mismo mientras que lo que Marina dibujo es el momento en el que Narciso se da cuenta que esta enamorado de algo que no se puede besar. Cuando en Caravaggio hay esperanza y amor, en la reproduccion de Marina hay certeza del fin.

De algun modo esto es lo que me ocurre hablando con vos. Sos un artista que abre posibilidades con la imagen y con el discurso las cierra. Es tu pintura, el reflejo melancolico de Narciso o su final depresivo que (como sabemos) en el caso de Ovidio, termiina en una flor y su total banalidad?

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Otra cosa interesante de tu identificacion con Narciso es lo bisexual. Tu paleta y tu dicurso son profundamente fluidos en terminos de genero.

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Elias: Velazquez, está diciendo algo ahora mismo en alguna dimensión dentro de la curva del tiempo, que será? Siento hermoso tu comentario por que también me has recordado que Velazquez está pintando ahora mismo. Y nosotros aquí en su futuro reflejamos, entre otras cosas, su eternidad y la eternidad de la pintura.

Me resulta difícil ahora desarrollar la idea del baile porque estoy en medio del baile y aquí están contenidos todos los significados  y aquí también se desintegran. Mas, a riesgo de equivocarme, te diré que esta es la danza del agua como elemento y como símbolo universal de nacimiento.

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Acepto la noción de contraponer el dibujo y sus ondas al color, la fotografia y la pintura, según patrones de herencia cultural, pero bajo mi visión positiva y solar es imposible en este caso no dirigirme enérgicamente al aspecto que los potencia y complementa a todos hasta ver a uno y su reflejo, es decir once. Porque, imagina, soy un hijo del mismísimo fuego aquí aprendiendo esta danza cristalina que expresa el universo, tendría mucho que temer , de hecho mucho temí al principio ante el agua, como te comente mediante el ejemplo del narciso apunto de zambullirse. Ahora que ya estoy aquí, en el baile, es maravilloso.

La frase del dibujo la sostengo a razón de este cierto enamoramiento que tengo con él. ya que ha sido junto a la música el bote y el agua para transportarme, complementar y potenciar mi pintura en esta danza.

El dibujo es el puente inmediato a la red telepática de todos los tiempos, incluyendo futuro claro. Uno de los accesos, si te lo permites, mas transparentes quizás. Y a través de esa red de mensajes en símbolos recibí mucha ayuda para tomar el báculo y la espada.

Creo que mi pintura termina y comienza siempre en una estrella.

Rodrigo: Vos sos hijo del fuego y yo soy hijo del aire. Eso me obliga bailar para tener los pies en la tierra. Claramente ese no es tu problema. Tu problema es que podes hacer autocombustion. Me interesa lo que decis de tu enamoramiento de Narciso porque segun Ovidio quien se enamora de Narciso es Eco quien habia sido condenada por Juno a repetir la ultima frase de lo que su amado dice. Es interesante esto porque Narciso suele identificarse con el primer pintor pero Eco suele relacionarse con el primer plagiador. En tal sentido hablame un poco de la relacion entre tu obra y la de Muntea & Ronsenblum?

Elias Santi: Gracias, no conocía esos pintores .Los busque en Internet y vi algunas de sus obras desde aquí … son buenos , admiro que trabajen juntos y que sean libres de la pasión por el detalle .Pienso en lo bueno que fue Internet para la humanidad Y lo bien que nos haría ahora que Internet tenga una pausa o bien pueda sublimarse. Todo el conocimiento no es mas ni menos que el fluir de toda la energía sexual. E Internet por momentos parece convertirse en una una herramienta de lucha contra la propia conciencia del vacío. Ahi te mande a Orfeo….

Rodrigo: El que despues de la muerte de Eurydice ofendio a todas las ninfas porque se hizo puto…

MUY PRONTO, LA CAÑECHAT7 CON ELÍAS SANTI

MIRA LA CAÑECHAT CON ROLI BELINDA

 


LOVEARTNOTPEOPLE

Vanity, exnovia de Prince, murió meses antes que el artista tras una larga enfermedad causada por las drogas


Vanity, una de las parejas más sonadas de Prince, también murió hace unos meses debido a sus excesos con las drogas durante los años 80.

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Bekia