UNA MUESTRA RECIÉN INAUGURADA EN EL MOMA REAFIRMA LA VOCACIÓN DE LOS CURADORES DE MOSTRAR MÚSCULO Y DESPLAZAR A LOS ARTISTAS PARA CONSAGRAR SUS PROPIOS HÉROES

Unknown-1En ‘Qué es el Arte?’, Leo Tolstoi explora el contexto de producción y circulación, generalmente, de mal arte en su época. Al grupo social encargado de dicha legitimación lo denominó ‘la burocracia del arte’ caracterizándolo por compartir un único objetivo que es el de la perpetuación de sus privilegios destruyendo aquello que supone proteger.

Como saben, hace un par de semanas fui a ver al MNBA la muestra ‘Orozco, Rivera y Siqueiros: La exhibición pendiente y la Conexión Sur’, co-curada con el Museo de Arte Carrillo Gill de Mexico. Los trabajos incluídos en el show son, previsiblemente, excelentes y el modo en el que están dispuestos ayudan al espectador a entender el modo en el que los muralistas mejicanos pasaron de la sátira política al gran muralismo. Sin embargo, el titulo de la muestra plantea un tipo de lectura diferente vinculado con la narrative del curador mexicano (Fernando Gamboa) que debió presenter esta muestra en el Chile de Allende pero cuyo intento se vió frustrado por el golpe de Pinochet.

imagesAunque las primeras salas están dedicadas exclusivamente a Orozco, Rivera y Siqueiros, al llegar al final, vitrinas con documentos y una pantalla de tv con la proyección de un video presenta a Gamboa hablando de su frustrada muestra y de su preocupación por la situación reinante. De pronto, los tres muralistas mejicanos son corridos a un lado para dar lugar a un curador que es presentado como un héroe en la narrativa de su propio fracaso. Es en la resolución de este fracaso que los curadores Carlos Palacios y Cristina Rossi, lo transforman en una suerte de prócer curatorial al nivel de Orozco, Rivera y Siqueiros. Es imposible no salir del show confundido por la evidencia de que los curadores usaron la gran muestra como excusa para monumentalizar su profesión, o deberíamos decir, su corporación. Gamboa pasa a constituirse en una pieza arqueológica que sirve para posicionar a la curaduría como hacedora de sus propios héroes y totems.

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En la otra punta de América, en el MoMA de NYC, los curadores Stuart Comer, Rachel Federman, Rudolf Frieling, Garry Garreis and Laura Hoptman hacen algo análogo en una muestra dedicada a un artista que no quería ser mostrado y que, en vida, descuidó sus obras al punto de destruirlas. El artista en cuestión es Bruce Conner que, según dArtforum, ‘saboteó, muchas veces interfiriendo directamente, toda posibilidad de lograr una muestra’.

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A lo largo de su carrera, Conner hizo dibujos, films, instalaciones, grabados, performances y otro tipo de eventos contraculturales como por ejemplo presentarse a una elección en su ciudad natal (San Francisco). Quizá la naturaleza de sus obras y su espíritu contracultural eran lo que hacían que no quisiera mostrarlas en museos. Esta puede ser la razón por la que saboteó todos esos intentos de llevarlo a museos. Entonces por qué insistir? En realidad, la insistencia tenga que ver con la oportunidad de usar al díscolo para mostrar músculo de la ‘corporación curatorial’.

‘It’s All True’ es organizado por el San Francisco Museum of Modern Art y co-curado con el NY MoMA y es la primera retrospectiva dedicada a Conner y, shockeantemente, el primer show individual en New York. Los curadores han puesto especial atención a las cuestiones de conservación de obras, por definición, frágiles. Cuesta entender por qué tanta insistencia en mostrar a un artista que no quería ser mostrado y, más aún, por qué invertir tanto dinero restaurando aquello que el artista no quería que existiera. A no ser que esta sea una oportunidad para que la ‘corporación curatorial’ muestre lo que puede hacer incluso con aquellos artista que más se le resistieron. J A T

LA MUESTRA EN EL BELLAS ARTES SUPONÍA SER SOBRE OROZCO, RIVERA Y SIQUEIROS PERO TERMINÓ SIENDO UN HOMENAJE DE LOS CURADORES ‘MILITANTES’ A UNO DE SUS ANTECESORES

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POR QUÉ OCULTA EL GOBIERNO LOS MONTOS PARA LA CONTRATACIÓN DE ARTISTAS EN LAS FESTIVIDADES DEL BICENTENARIO?

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En las festividades del día de hoy por el Bicentenario de la Independencia, la Presidencia decidió enviar una serie de shows y espectaculos al aire libre a las provincias en el que reconocidos artistas fueron contratados. Sin embargo, el gobierno insiste en mantener en secreto (como si de gastos reservados se tratara) el monto gastado en cada caso. Dicho de otro modo, si bien por un lado, Dario Loperfido se rasgaba las vestiduras por el modo en el que el Kirchnerismo uso impune y discrecionalmente los recursos publicos para favorecer a artistas de su preferencia, el macrismo, en su opacidad esta haciendo lo mismo.

Consultados ni el Ministerio de Cultura, ni la Secretaría General de la Presidencia ni el Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos pudieron precisar el mecanismo adoptado para financiar los eventos y esto es, señoras y senores muy grave.

Pero esto no solo es grave por la opacidad sino tambien por la mentira. Sin ir mas lejos, un periodista de PERFIL se contactó con el Ministerio de Cultura, a cargo de Pablo Avelluto. Desde allí, aseguraron que el sector sólo está a cargo de la parte logística. “Nosotros aportamos la organización y la técnica. El resto lo pagan las provincias”, esgrimieron. Sin embargo, cuando fueron consultados sobre la inyección de estos fondos públicos a las jurisdicciones, reconocieron que proviene de Nación. La mentira, a este nivel, es grave. Esto es ocultamiento del modo en el que los fondos publicos están siendo gastados. Esta mal que tomemos esto como algo natural porque es delito. J A T

ARGENTINA FESTEJA SU BICENTENARIO CON UN ACUERDO CORPORATIVO CON LA REACCIONARIA CLASE MEDIA PARA PERPETUAR SU ADOLESCENCIA (A COSTA DE LOS POBRES)

LA MUESTRA EN EL BELLAS ARTES SUPONÍA SER SOBRE OROZCO, RIVERA Y SIQUEIROS PERO TERMINÓ SIENDO UN HOMENAJE DE LOS CURADORES ‘MILITANTES’ A UNO DE SUS ANTECESORES

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UN GRUPO DE ARTISTAS SE CONVOCARON PARA PINTAR ‘PENES’ ESTE SÁBADO SOBRE LA ‘INTERVENCIÓN’ MEDIANTE LA CUAL MILO LOCKETT VANDALIZÓ LA OBRA DE PABLO MOTTA

MIENTRAS EDITO MI ENTREVISTA CON PABLO MOTTA (EL ARTISTA CUYO MURAL MILO LOCKETT TAPÓ), CUMPLO EN CONTARLES QUE ES MUY PROBABLE QUE ASISTA A LA JUNTADA PARA PINTAR PENES SOBRE LA ‘INTERVENCIÓN’ DE MILO LOCKETT EN LA PLATA

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SI NO VISTE MI PASTELA DEDICADA A

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GRACE RATTO Y SUS AMIGOS DE BARRIO CERRADO JUEGAN A SER ARTISTAS EN MUESTRA COLECTIVA FOTOGRÁFICA

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A primera vista uno podría decir que esta es la reunión de los compañeros de una escuela primaria de medio pelo de zona norte, cincuenta años despues. Lo que parecía prometedor luego se transformo en… trajes oscuros y corbata amarilla o outfit negro con zapatos colorados. Sin embargo, este es un grupo de autoproclamados (‘finalmente me animé soy….’) ‘artistas’ y para ser mas específico de…’fotógrafos’.

 

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El bolso falso Burberry’s de la derecha aunque fuera autentico es de una impresentabilidad supina. No conozco a nadie que se anime a semejante grasada. Medina Flores quiza y alguna de sus clientes.. Atencion a los pepes colorados de la del medio significando arte. Cada una de ellas tiene una prenda con la que parecen haber decidido ir un poquito mas allá pero nadie se anima a salirse del lugar de mujer sexy de marido que le mete los cuernos con los vecinos del barrio cerrado. Esto es Sex and the City, version Olivos con no mas de tres sellos en el pasaporte. 

 

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Esta fue al cirujano plástico y le dijo que quiere tener la cara como la Gatana della Norompaslasbolas

 

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Alvaro Ras vestido de lo que el considera es ‘ser moderno’. Atencion la obra! Es, real y verdaderamente para cagarlo a trompadas. De algún modo la obra es como el. Se notan todas las costuras y no hay modo de integrar todos los elementos en un todo. Me hace acordar a esos profesores de squash o tenis que fueron sexys en una época pero ya pasaron veinte años y trata de encontrar algún talento.

 

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No podia faltar la maricona de turno vestida de Isidoro Cañones. Este es, obviamente, el publico de la Iturrioza.

 

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Grace Ratto y su hija Pilar Gorosito que no termina de decidir si quiere proyectar la idea de trauma familiar o se quiere hacer la cool no dándose cuenta que lo cool vendría de la idea del trauma. Queda claro que no tiene la densidad suficiente para ser cool. Mientras tanto la madre sigue por la vida a puro botox.

 

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Gabriel Martino, presidente y CEO de HSBC Argentina; a la izquierda es el único mas o menos garchable y Grace Ratto, lo tiene claro. Luego Florencia Perotti, Fabián Bottegal y Gonzalo Martínez Cáceres pertenecen a ese putifinismo argentino de medio pelo que nunca coge ni tampoco llega a tener un vida que le imponga un ritmo que le impida coger. Son los putos ‘ni’. Los ‘puni’

 

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Laura San Martín, vestida de trapo rejilla y sin conocer el orgasmo. 

 

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En Chile alguien me contaba que los vendedores de los shopping decían que lo que distingue a los clientes argentinos del resto del mundo es que los argentinos compran todo con la marca bien prominente. Aquí vemos a Teresa Frías (de ArteBA) quien no dudo en comprarse el bolsito mas barato de Hermes, que dicho sea de paso, no es para una señora como ella, con la H bien prominente. Esto demuestra que Medina Flores esta haciendo escuela.

 

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Grace Ratto y sus vecinos pobres aunque es es un empresario supuestamente. Me cuesta entender de qué está vestido él.De Big Lebowsky? 

 

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Esta vestida de la obra que tiene atrás. Esta mina demuestra que la Argentina atrasa, al menos, tres años en moda. Esta vestida de lo que ella entiende es algo asi como Brunelli Cucinelli pero con graves problemas presupuestarios y donde no le alcanza lo reemplaza con productos de Freeshop.La pose denota también serios problemas sexuales. 

 

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Grace Ratto y Josie Bridge quien, hasta ahora, es a la unica a la que le salio el look Brunelli Cuccinelli ‘sali asi nomas con lo que tenia en casa- yo me visto asi de entre casa’. Al lado de la Bridge, Grace parece Rhytm Nation de Janet Jackson.

 

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Teresa Garbesi con graves problemas presupuestarios quien, ademas, sigue el modelo de la Chanchorena de conseguirse un conchabo en el sector publico y vestirse a lo Etam.

 

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Matías Cuello, el ‘Walker Evans’ de la Boca. Me pregunto por que un joven quiere sacar esa fotos vintage. Qué representan para él mas allá de una pose. Me gusta sus tetitas menuditas y su total inexistencia de caderas y bulto. Esta esta lindo para garchar antes de empezar a garchar con otro. Es como el que te limpia el paladar antes del banquete.

 

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La cara de la Ranieri lo dice todo. De algún modo, hay una suerte de espesamiento entre el bodrio de lo retóricamente correcto y poco sexy de la obra de atrás y la cara de Ranieri.

 

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Mery Vigil deberia ser Very Vigil.

 

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Esta señora debe aflojar con el botox y el, huele.

 

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El que nunca llego a salir del closet y ya es demasiado tarde.

 

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La asimetrica.

 

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Quien es esta preciosura traumada argentina?

 

Por lo que tiene puesto uno casi con seguridad puede decir que esta mujer es una boluda.

Por lo que tiene puesto uno casi con seguridad puede decir que esta mujer es una boluda.

 

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MAURICIO WAINROT SE ATRINCHERA EN LA DIRECCION DE ASUNTOS CULTURALES DE CANCILLERIA Y AL NO HABER SIDO NOMBRADO CON RANGO DE ‘EMBAJADOR’ BLOQUEA LA FIRMA DE PASAJES Y BECAS PARA ARTISTAS

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El paso del coreógrafo Mauricio Wainrot por la Dirección de Asuntos Culturales de Cancillería es prueba fiel del modo en el que los argentinos estamos concibiendo la responsabilidad de un cargo público, es decir, como una oportunidad de acicalar nuestro maltrecha autestima. Por supuesto, en el camino nuestros líderes (en este caso, referentes culturales) se llevan todo puesto sin importarles el daño causado a aquellos a quienes suponen proteger.

Digo esto porque la designación de un artista, y no de un diplomático de carrera, en un cargo como la Dirección de Asuntos Culturales de Cancillería se orienta a de-burocratizar y garantizar el acceso directo y sensible de los artistas argentinos al mundo. Esto no es lo que ocurre con Wainrot quien, dicho sea de paso y como he sido informado, está enojado conmigo por decir que fue designado como un pago lateral a no haberse quejado  frente al virtual cierre del Complejo de Teatros Porteños. Dicho de otro modo, con la designación de Embajador a cargo de los Asuntos Culturles, se aseguraron que alguien que hubiera podido brindar una voz con cierto valor moral (por su paso, durante décadas, por la Direccion del Ballet Contemporáneo del San Martin) se callara.

Pero algo le salió mail y esto fue que, no sin cierta lógica y en epocas de supuesta austeridad, Macri se viene negando a darle el rango de Embajador a Mauricio Wainrot ya que el cargo no lo amerita. Esto significa que como Director del Ministerio de Relaciones Exteriores, Wainrot cobra ‘solo’ 50,000 pesos, ‘verdaderas migajas’, al menos, según él, en una Cancilleria privilegiada por los sueldos y la carrera. Digo que estas son para él migajas porque al negarse a ser designado Director e insistir en ser designado –por decreto- como Embajador (lo que fue rechazado por Marcos Peña tres veces), su Dirección no puede tramitar nada. Todos los pasajes de artistas, becas y esquemas de cooperación están frenados y sobre ellos avanza un astuto Avelluto. Si Wainrot llego a la administración publica para ser llamado ‘Señor Embajador’ o cobrar un sueldo y esto no le fue respetado que renuncie y de paso a alguien que este dispuesto a hacer el trabajo en las condiciones dadas. J A T

FALTAN DOS DIAS..

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UN EMBAJADOR FIESTERO, POCOS ARTISTAS Y MUCHO POLITICOS FANS DE MC DONALDS VAN A FESTEJAR LA NADA MISMA VEO CON

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VEO CON AGRADO QUE BENITO FERNANDEZ DECIDIO BAJAR UN CAMBIO AUNQUE LA HEBILLA DEL CINTURON SEA UN ESPANTO Y SE VENGA CON PONCHO HACIENDOSE LA MACHA QUE, OBVIAMENTE, NO ES.

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PERDON… PERO NO ESTAN ENTRANDO EN EL INVIERNO EN BUENOS AIRES? QUE HACE ESTA MINA EN BOLAS….

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ESTE PIBE TIENE DEMASIADA CARA Y OUTFIT DE CHUPAPIJAS

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ALGUIEN ME PUEDE EXPLICAR QUE ES ESA CINTA? NO ME DIGAS QUE LOS TAGGEARON PARA QUE NO SE CUELEN. DICHO SEA DE PASO, ESTA BIEN QUE LE PONGA ONDA PERO EL SMOKING CON CAMISA NEGRA ES UN POCO DEMASIADO ‘SABADOS DE LA BONDAD’

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LA CARA DE ESTA MUJER ME ASUSTA.

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QUE ES ESTO? EL CHALLENGER CON LOS DOS TANQUES DE COMBUSTIBLE?

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LO DE LA PULZERA CON LA ENTRADA ES UN INSULTO A LOS INVITADOS. ESTE LOOK DE ENCAJE NEGRO ESTA HACIENDO ESTRAGOS EN LA ARGENTINA DE JULIANA AWADA Y NO TERMINO DE ENTENDERLO. ES ALGO QUE UNO SE PONE CUANDO NO SABE QUE PONERSE, VERDAD?

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SANDRA Y CELESTE PERO DEBO DEBCIR QUE CELESTE ESTA BIEN VESTIDA, HOY. IGUAL, LA MUJER ESTA SECA SECA SECA…

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MALNAT DEBERIA EMPEZAR A TOMAR ANTIDEPRESIVOS. ESOS ZAPATOS NO PUEDEN SER. PUNTO Y APARTE.

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Y DALE CON EL ENCAJE QUE DEJA BIEN CLARO QUE LA MUJER NO SABE QUE HACER CON SU CUERPO.

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LA CARA DE FIESTERO QUE TIENE EL EMBAJADOR DE ESTADOS UNIDOS DA LA PAUTA DE QUE LO ENVIARON PARA INSULTAR A CRISTINA. ME PREGUNTO CUANTO SE QUEDARA EN EPOCAS DE RELCIONES CARNALES. A LA MAIORANA SEGURO QUE YA SE LA GARCHO. APUESTO GUITA. Y TODO ESTO CON SANTILI MIRANDO…

 

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‘LOS ARTISTAS ESTÁN DESTRUYENDO LA INSTALACIÓN, COMO TAL Y JUSTIFICAN CUALQUIER CAGADA’

YA PASAMOS DE GESTALLT A PARQUE DE DIVERSIONES PRECARIZADO. ESTO EMPIEZA CON MIAU MIAU Y SIGUE ACA.

ESTE TEXTO NO FUE ESCRITO POR MI SINO POR EL LECTOR ‘SABATEZ’ 

Me parece lógico que el concepto de “instalación” siga poco claro para el público. Calculo que en el imaginario popular “instalación” clasifica como todo objeto, artefacto o cosa que ocupa un espacio tridimensional difícil de medir con una cinta métrica en un ámbito artístico. Lo que me parece sorprendente es que los artistas aún no lo tengan claro.

Está bien que la instalación ha sufrido en su joven existencia muchos cambios y definiciones, posibilidades y cuestionamientos, pero mientras más avanza la “historia del arte”, más parece autodestruirse. No es una técnica, o por lo menos no es una técnica pura, “de las tradicionales”. Y como parece que las artes visuales siguen categorizadas así, sigue estando ambigua… lo cual da terreno para cualquier cosa.

MIAU MIAU SIEMPRE QUERIENDO LLAMAR LA ATENCION CON ALGUNA PELOTUDEZ QUE DEMUESTRA PURA POSE Y COMO DIGO EN MI CURSO DE ARTE CONTEMPORANEO, SI HAY POSE NO HAY ARTE.

Soy egresado de un profesorado de Artes Visuales, antes llamado de Bellas Artes, en Argentina. La enseñanza en historia del arte no pasa de la década del 70, por lo cual la formación contemporánea sigue siendo una deuda. Ahí no aprendes qué es una instalación, o cómo pensarla. Porque creo que más que hacerla, hay que pensarla… como en todo arte.

Los artistas estan destruyendo la instalación. Justifican cualquier cagada como tal, total hay aval, total hay background histórico, aunque no lo conozca(mos) en profundidad. Desparramemos objetos por acá y pongamosle título. Leopoldo Estol style, digamos. Cosas que no dicen nada, más que un precio al comprador. A lo que voy es que es un problema educativo y comunicacional. Se sabe que “eso” es una instalación, o que “todo” puede ser instalación, pero muere en eso: está justificado desde el discurso, pero pocas veces desde la búsqueda y la propuesta.

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Lo que mas bronca da no es las tremendas cagadas que se hacen pasar como instalación, sino lo que podría ser, no solo a nivel institucional sino práxis de la persona común: todos podemos hacer una instalación. Así todos nos podríamos aproximar al arte visual derribando los mitos del típico “no tengo talento, no sé dibujar” que aleja a tantos pibes y no tan pibes del arte, y aportar más voces. Pero ahí nuevamente falla el sistema educativo…

La instalación podría ser muy democratizante dentro de las artes visuales, pero sigue imcomprendida y bastardeada por quienes la usan como soporte fácil. Me parece una propuesta inagotable, pero sigue estando sitiada por el elitismo vacío, sin explotar ni compartir sus posibilidades.

EN DOS SEMANAS COMIENZA MI MEGA CURSO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE ANRI SALA A DOUGLAS GORDON 

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EN LA ULTIMA QUINCENA DE JUNIO Y PRIMER SEMANA DE JULIO

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ASIMISMO, LAS FECHAS PARA EL SEGUNDO GRAND TOUR LANP ROMANO SON

DEL 8 AL 14 DE MAYO DEL 2017 INCLUSIVE

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ESTAS SON LAS IMÁGENES Y ARTISTAS QUE VAMOS A DISCUTIR EN PROFUNDIDAD EN MI MEGA-CURSO DE JUNIO/JULIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

EN DOS SEMANAS COMIENZA MI MEGA CURSO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE ANRI SALA A DOUGLAS GORDON 

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  • Morris Louis, Alpha Pi (1967)
  • Frank Stella, Square (1962)
  • Anthony Caro, Early One Morning (1962)
  • Donald Judd, Stack (1990)
  • Idem
  • Tony Smith, Die (1962)
  • Donald Judd, Untitled (1966)
  • Robert Morris, Untitled (Tres Ls) (1969)
  • Carl Andre, 144 Cuadrados de Magnesio (1969)
  • Clement Greenberg
  • Jackson Pollock, Numero 14 (1948)
  • Jackson Pollock, Ritmo de Otoño (1949)
  • Adrian Villar Rojas, Mi familia muerta (2009)
  • Adrian Villar Rojas, Today We Reboot the Planet (2013)
  • Jean Baptiste Simeon Chardin, Un filosofo dando una conferencia (1733)
  • Jean Baptiste Simeon Chardin, Pompas de jabón (1735)
  • Greuze, Niña (1750)
  • Jean Baptiste Simeon, Jóven (1733)
  • Jacques Louis David, El Juramento de los Horacios (1784)
  • Jacques Louis David, La Intervención de las Mujeres Sabinas (1796)
  • Diego Velázquez, Marte (1638)
  • Edouard Manet, Desayuno en la hierba (1862)
  • Edouard Manet, Olympia (1863)
  • Jeff Wall, Adrian Walker, artista, dibujando un specimen del Departamento de Anatomia de la Universidad de British Columbia, Vancouver (1992) tamaño 119 x 164 cm
  • Thomas Struth, Museo del Prado 6 (2006)
  • Andrea Gursky, Bahrain I (2005)
  • Foto de Gursky exhibida en el contexto de la galleria
  • Hiroshi Sugimoto, Isla de Man (1990)
  • Thomas Demand, Archivo (1995)
  • Candida Hofer, Teatro Comunale di Capri (2011)
  • Beat Struli, Sin Titulo (2003)
  • Philip Lorca Di Corcia, Hustlers (2005)
  • Rineke Dijkstra, Hilton Head Island (1995)
  • Patrick Faigenbaum, Naturaleza Muerta (2006)
  • James Welling, Sin Título (2008)
  • James Welling, Perfiles (2010)
  • Andrea Gursky, Board of Trade II (1999)
  • Candida Hofer, Louvre (2005)
  • Thomas Struth, Forest (2010)
  • Thomas Demand, Oficina (1997)
  • Adrian Walker (ant)
  • Anri Sala
  • Anri Sala, Intervista (1998)
  • Idem
  • Anri Sala, Air Cushioned Ride (2006)/ A Spurious Emission (2006) https://vimeo.com/146829853
  • Anri Sala, Long Sorrow (2005). Proyección del corto completo
  • Idem (retrato parcial de Jemeel Moondoc)
  • Idem
  • Presencia/ Presenticidad
  • Anthony Caro, Emma Dipper (1977)
  • Charles Ray, Plank Piece (1973)
  • Walter de Maria, The Broken Kilometre (1973)
  • Diferencia entre Arte y Meros Objetos
  • Matias Duville, Arena Parking (Centro Cultural Recoleta), 2015
  • Luciana Lamothe, Prototipo I (2014)
  • Ana Gallardo, Instalacion en el MAMBA (2016)
  • Anri Sala, Tres Minutos (2004)
  • Anri Sala, Despues de tres minutos (2004)
  • Idem
  • Idem
  • Laoconte
  • Théodore Gericault, Raft of the Medusa (1819)
  • Edouard Manet, El Viejo Músico (1862)
  • Edouard Manet, ant
  • Facingness/ Strikingness
  • Frank Auerbach, Retrato (1992)
  • Henri Cartier Bresson
  • Robert Capa
  • Garry Winogrand
  • Anri Sala, After Three Minutes (ant)
  • Idem
  • Idem
  • Morris Louis, Alpha Phi (ant)
  • Charles Ray, Plank Piece (1973)
  • Roland Brenner, Exercise (1972)
  • Charles Ray, Untitled (1973)
  • Charles Ray, Untitled (1971)
  • Bruce Nauman, Fondation Cartier (2009)
  • Bruce Nauman, Going Around the Corner (1970)
  • Chris Burden, Shoot (1972)
  • Vito Acconci, Marcas Registradas (1970)
  • Dan Graham, Site Erosive (2002)
  • Richard Serra, Elipse (2002)
  • Anthony Caro, Woman Waking Up (1955)
  • Anthony Caro, Holding His Foot) (1955)
  • Anthony Caro, Man Taking Off His Shirt (1956)
  • Anthony Caro (ant)
  • Anthony Caro, Sculpture Seven (1961)
  • Idem
  • Charles Ray, Plunk Piece (1973)
  • John Mc Cracken, Wall Piece (1972)
  • Richard Serra, Tilted Arc (1981)
  • Charles Ray, Oh Charley, Charley, Charley (1992)
  • Anthony Caro, Sculpture Two (1961)
  • Charles Ray, Family Resonance (1993)
  • Charles Ray, Table (1990)
  • Anthony Caro, Table Piece (1966)
  • Relacionalidad/ No Relacionalidad
  • Charles Ray, Big Lady (1992)
  • Tony Smith, Die (ant)
  • Charles Ray, Hinoki (2007)
  • Charles Ray, Unpainted Sculpture (1997)
  • Charles Ray, Untitled (Tractor) (2003-2005)
  • Angela de la Cruz, Compressed Blue (2010)
  • David Smith, Framed Square (1972)
  • Thomas Demand (ant)
  • Charles Ray, Instalación en Matthew Marks Gallery NYC (2007)
  • Charles Ray, Father Figure (2007)
  • Charles Ray, Father Figure y The New Beetle (2007)
  • Charles Ray, Father Figure (2007)
  • Charles Ray, The New Beetle (2007)
  • Charles Ray, Chicken (2007)
  • Roy Lichtenstein, Whaam! (1963)
  • Roy Lichtestein, Mirrors (1974)
  • Marcel Duchamp, Urinal (1915)
  • Charles Ray, Puzzle Bottle (1995)
  • Jeff Koons at the Whitney (2015)
  • Spinario
  • Charles Ray, Aluminium Girl (2003)
  • Joseph Marioni, Green Painting (1996)
  • Donald Judd, Untitled (1990)
  • Donald Judd, Grid Painting (1982)
  • Jeff Wall, Lightboxes en el contexto de la galeria
  • James Welling (ant)
  • Wolfgang Tillmans (ant)
  • Andrea Gursky, Salerno (1990)
  • Thomas Ruff, Pareja (1997)
  • Candida Hofer (ant)
  • Jackson Pollock (ant)
  • Jackson Pollock (ant)
  • Robert Ryman, Untitled (1972)
  • Brice Marden, D’Apres (1973)
  • Idem
  • Gerhard Richter, The South Bank Show (1988)
  • Gerhard Richter, Abstract Painting 780 (1986)
  • Gerhard Richter, Candle (1983)
  • John Currin, Angel Rubio (2001)
  • Flavia de Rin (2005)
  • Diego Gravinese, 2005?
  • Elias Santi, Nubes (2016)
  • Giovanni Bellini, El Dogo Loredan (1501)
  • Mark Rothko, Amarillo y Rojo (1953)
  • Franz Kline, Figure Eight (1952)
  • Robert Ryman, Untitled (1972)
  • Obras de Brice Marden en el contexto de una colgada
  • Gunter Umberg, Obras con negro (1979)
  • Lucio Fontana, Concetto Spaziale (1965)
  • Helen Frankenthaller, Ejercicio Plastico (1978)
  • Morris Louis (ant)
  • Kenneth Noland, Circulo (1977)
  • Jules Olitski , 7th Loosha (1970)
  • Larry Poons, Armorer (2008)
  • Helena Distefano y el Esencialismo Argentino
  • Joseph Marioni, Red Painting (1996)
  • Idem
  • Joseph Marioni, Blue Painting (1998)
  • Joseph Marioni, Painting 2006 (2006)
  • Idem
  • Joseph Marioni, Yellow Painting (2007)
  • Idem
  • Idem
  • Joseph Marioni, White Painting (2003)
  • Joseph Marioni, Green Painting (2000)
  • Joseph Marioni, Red Painting (2002)
  • Frank Stella, Moultonboro II (1966)
  • Stella en la colgada
  • Jules Olitski, 9th Loosha (1972)
  • Annish Kapoor
  • Annish Kapoor, Royal Academy (2007)
  • Idem
  • Adrian Villar Rojas, La inocencia de los animals ( 2013)
  • Idem
  • Adrian Villar Rojas, Bienal de Venecia
  • Annish Kapoor, Forest (2011)
  • Joseph Marioni, Yellow Painting (ant)
  • Joseph Marioni, Silver White (2008)
  • Las salas vacías de Dolores Cáceres en el Caraffa (2015)
  • Douglas Gordon, Play Dead/ Real Time (2003)
  • Nan Goldin, The Ballad of Sexual Dependency (1984)
  • Douglas Gordon, Zidane: A 21st Century Portrait (2006)
  • Alexandra Kehayoglou, Desfile de Dries Van Noten (2015)
  • Publico ‘observando’ una obra de Kehayoglou
  • Olafur Eliasson, The Weather Project (Tate Modern) (2004)
  • Idem
  • Amalia Ullmann, Proyecto en Instagram (2015)
  • org
  • Douglas Gordon, Play Dead (ant)
  • Douglas Gordon, Déjà vu (2000)

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SI LA AMBICIÓN COMERCIAL DE EDUARDO BASUALDO SE LO PERMITE, PUEDE LLEGAR A SER UNO DE LOS ARTISTAS ARGENTINOS MÁS INTERESANTES

Si su ambición se lo permite, Eduardo Basualdo tiene el potencial de ser uno de los artistas mas interesantes de la actualidad en la Argentina. Si embargo, como Alexandra Kehayoglou, Basualdo es el tipico artista periférico que ‘para llegar’ tiene que participar del circuito comercial que funciona como una ola que, si no es controlada, puede terminar aplastandolo contra las rocas. Esto, desde ya, no significa que Basualdo termine siendo un fracaso comercial, sino mas bien, todo lo contrario. Sin embargo, hay algo genuino en la investigacion de Basualdo que me interesa y esto lo resume cuando dice: ‘…la obra tiene que desnudar al espectador’.

url-1Podria decirse que Basualdo entra y sale de una problematica que deberia transformarse en el eje de su trabajo. Desde ya me refiero a la posibilidad de ‘desnudar al espectador’ alterando la relacion entre su cognicion y percepcion. Dicho de otro modo, la intencion de Basualdo es que sus obras funcionen sobre el cuerpo del espectador de modo de que su cuerpo (el del espectador) conozca el espacio en el que se mueve. Esto solo tiene relevancia si la experiencia del cuerpo no coincide con el diagnostico de esa experiencia que percibe atraves de sus ojos. En estos casos, la obra nunca puede ser una confirmacion de aquello que ya se sabe sino lo opuesto y cuando esto ocurre, el espectador ‘queda desnudo’.

urlSi se quiere, el problema de la obra de Basualdo es que es ‘instalacionista’ y se produce para eventos que podrian ser llamados espectaculares. A los 39 años, Basualdo ya exhibió, como ama decir el diario La Nación, ‘en las principales ferias y bienales del mundo, incluida la de Venecia, y es representado por galerías del país y del exterior. Participó de la prestigiosa Beca Kuitca (2010/11) e integra el grupo multidisciplinario Provisorio Permanente. En estos días tiene doble exhibición en Buenos Aires: la exposición en Ruth Benzacar y su participación hasta hoy en arteBA, representado por la galería alemana PSM. Mientras tanto, en la sede berlinesa de PSM exhibe Incisivo hasta fin de mes y prepara otras tres muestras en Washington, París y San Pablo, que inaugurará en las próximas semanas’. Todo muy lindo pero el problema de Basualdo es su medio y su incapacidad, posiblemente economica, de entrar en el debate que pretende plantear con los principales jugadores mundiales (es decir: Richard Serra, Annish Kapoor y Alex McCall).

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Al plantear esta ruptura de la relacion entre cognicion y percepcion desde el instalacionismo (y no desde la escultura), Basualdo se ve permanentemente empujado a innecesariamente inyectar significado alegorico en sus obras. Es por eso que en el dialogo entre Celina Chatruc y el artista en La Nación lo siguiente es enunciado: “Esto es un portal”, dice Basualdo, mientras atraviesa el aro de cobre. De inmediato se detiene y piensa en la posibilidad de añadirle fuego, ya que sus obras siempre están mutando. “Me gusta la posibilidad del desastre, de que todo se pueda desbordar -explica mientras recorre Éter, su muestra actual en la galería Ruth Benzacar-. Para mí el factor de riesgo genera atención; la obra tiene que desnudar al espectador. Por eso trabajo con instalaciones: esto está sucediendo acá. Esta se llama El salto del león y tiene que ver con un proyecto que voy a presentar en París, que también se relaciona con puertas que se pueden abrir en otros lados. Cuando se cierra un espacio nos concentramos sólo en lo que se cierra, pero a la vez se abren otras posibilidades.” Uff! Que pasa si bajamos un poco de las alturas alegoricas y nos preocupamos en ver que le pasa al cuerpo y a la mente del espectador en el aqui y ahora. Como Adrian Villar Rojas, el artista argentino cree que necesita dar mas, todo el tiempo, y en ese proceso se olvida que el espectador es de carne y hueso y necesita establecer una relacion fisica con la obra. Dicho de otro modo, como se compatibiliza la intencion de ‘desnudar al espectador’ con la ‘apertura de una nueva dimension’. Uno no se desnuda en otras dimensiones sino antes de entrar a la ducha o meterse en la cama con otro.

Y es ahi donde Basualdo se complica buscando aun mas relevancia local y de significado. En sus propias palabras: “Trabajo mucho con el concepto de semilla -dice Basualdo-. La semilla es potencia pura. La mínima expresión de una promesa. Lo que tiene es que hay que activarla; puede permanecer latente miles de años y si la activás, no para. Si para, muere.” Uff! Por qué ‘miles de años’. Por qué no preocuparse por el aquí y ahora que tanto nos necesita. Ademas si la experiencia de la obra ocurre en el ‘aqui y ahora del mundo’, por qué empujar la experiencia tan fuertemente hacia el futuro?

Es quiza por esto que cuando habla de la instalacion en la galeria Ruth Benzacar, se refiere a ella como ‘un útero al que se puede entrar y salir renacido. Un espacio virtual y luminoso que cambia de tamaño según la cantidad de gente que entre en él’. Al respecto dice: “La idea era sacarle a la pared una feta para poder experimentar de qué está hecha la convención del cubo blanco en el arte, de qué está hecho el vacío en el arte -agrega-. Es como sacarle la piel a la pared y ver qué pasa ahí. Evoca otra fantasía mucho más amplia que se repite en toda mi obra, que es el hecho de estar a medias. Estar sin ser visto, estar escondido, como si fuera un recogimiento. En este caso no es voyeurismo, porque no podés ver hacia aufera. Pero podés escuchar.” Bueno, en realidad, uno puede ser visto desde afuera de la experiencia de la instalacion. Es decir, es el volumen del cuerpo el que es visto. Lo planimetrico de la instalacion rompe cualquier asociacion con el utero y uno comienza a pensar que Basualdo no puede controlar el esquema de alegorias que el mismo quiere trazar.

Digo todo esto con la certeza de que Basualdo es uno de los pocos artistas argentinos que se estan haciendo las preguntas indicadas. La cuestion es si su ambicion de exito inmediato le permitira desarrollarlas en una direccion relevante. Basualdo debe confiar en el arte como instrumento de conocimiento y no de confirmacion de lo que ya se sabe. J A T

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LEO GARCÍA JUSTIFICÓ SU BROTE INFANTO-NARCÓTICO CON QUE LOS ARTISTAS NO SE EXPRESAN PERO UN ARTISTA SALE A RESPONDERLE

ESTE TEXTO NO FUE ESCRITO POR MÍ SINO POR EL LECTOR ‘SABATEZ’:

Digamos que Leo García se portó como lo que comunmente se llama “loco” en arteBA. Gritó fuerte y rompió vasos de plástico frente a algunas personas. Luego se explicó en TN. Dijo que no se arrepentía de lo que hizo y que pedía disculpas si alguien se asustó. Dijo que en Argentina los artistas estamos callados y que su acción fue para señalar eso. Quizas preocupado porque alguien lo considere “peligroso”, aclaró que los vasos que rompió no eran de vidrio. Citó a Marta Minujín, diciendo que ella nos enseñó que romper algo puede ser arte.

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Yo creo que esto es cualquier cosa. Por empezar, los artistas no estamos callados: los artistas simplemente no estamos difundidos. Los que poseen difusión suelen ser mercenarios disfrazados de artistas, que siembran la confusión. Minujín es un buen ejemplo, para usar al mismo que citó Leo. Romper algo no te hace artista; “todo” no es arte; la alegría no es parte fundamental del arte. Y que alguien que posee los extremos masivos de comunicación para decir lo que quiera diga eso, es malísimo. Envía confusión a los artistas en formación, al público y al distraído. Distorsiona la idea pública de “arte”.
Hacer arte no es tener “libertad de expresión”. Cortemosla con esa pelotudez. Hacer arte es una responsabilidad. Es crear conciencia, abrir posibilidades, no decirle al otro cómo debe interpretar un universo. Eso es facho por naturaleza y supone que el receptor es un tarado, que necesita que “el genio” nos explique lo que hizo. Y así, nos vamos tarando todos…

Unknown-1Leo García reaccionó desde la bronca o desde una estrategia de difusión de algo. Si fue desde la bronca, lo entiendo. Yo tambien tengo mucha bronca. Porque veo que el arte masivo es una mierda, y porque veo cómo mi país va voluntariamente camino al precipicio. Pero gritar en el hall de una feria careta, paradigma del vaciamiento del arte y el culto a la guita y al status de los que compran obra pero no la hacen, es inútil. Los caretas no van a entender. Pensaran que es una performance o una estrategia pata difundir tu nuevo disco. Si alguno de los presentes aplaudía, nadie dudaba: el artista estaba haciendo una obra…no?

Ahora digo, la misma acción, en hora pico en el Sarmiento… ¿no tendría más sentido?
Por último, si quiso atacar a arteBA, muy tibio. Jugatela, y rompé la obra más cara. O la más linda. O cagale en la cara a algun miembro de la familia Minujín. Pero no te la agarres con la zona de laburo del mozo. Eso es, nuevamente, desviar la atención del problema y trae encima mucha mierda clasista. Si queres comunicarte, pensá a quien queres llegar: a tus pares artistas, o al público, o a todos. Y si tenes una buena idea que puede derivar en un quilombo, consultá con un abogado primero, y despues jugate. Si queres. Pero no vendas humo como revolución sobre alfombra. Y jamás, jamás pidas disculpas si estas seguro de lo que hiciste. Eso desacredita cualquier intento de flashear revolución, automáticamente.

Los artistas no estamos callados. No le crean a Leo García. Somos muchos, pero no masivos, ni famosos. Artistas somos los que volamos bajo en el radar y por eso todavía nadie nos tentó con un maletín lleno de lo que más nos guste imaginar. Por eso somos responsables, mas que “libres” (paréntesis: otra pelotudez esa… flashear que somos libres… daaaale jajajajaj). Somos artistas porque laburamos en lo chiquito, lo local. No decimos qué o cómo pensar: compartimos algo. Somos honestos. El fin último es abrir la mente propia y ajena, sin censurar o explicar posibilidades. Y esa conciencia se crea y comparte en lo palpable, no en lo masivo, homogéneo y frío. No en arteBA. Por eso, siempre que aparece en las noticias masivas algo sobre “arte”, desconfío. Fija que es una mona vestida de seda.

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La Falla Plaza de la Merced ya tiene artistas para el 2017

La Falla Plaza de la Merced ya tiene artistas para el 2017

Vicente Dominguez Pérez y Sergio Moreno (Foto Jose Cuñat)
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Vicente Dominguez Pérez y Sergio Moreno (Foto Jose Cuñat)

La comisión , encargada del estudio de los diferentes artistas y bocetos, con el compromiso de seguir llevando a la Falla de la Merced a lo más alto, ha dado como resultado la contratación de los artistas para el  presnete ejercicio.
Para ello con un estilo renovado  se contará con Vicente Domínguez Pérez y Sergio  Moreno para la realización de la falla infantil de la plaza de la Merced . Con cuatro años de experiencia  desde su taller de Benimamet será el encargado de la realización del monumento. El año pasado plantó sus trabajos en  Palleter-Erudit Orellana obteniendo un séptimo premio en la sección cuarta y segundo de ingenio y gracia y Fra J. Rodríguez-Pintor Cortina  con un cuarto premio en la sección séptima y primero de ingenio y gracia .La falla Plaza de la Merced espera de esta forma un buen resultado con un trabajo creativo, muy meditado.

En cuanto a la realización de la falla grande, será realizada por el artista José Sanchís, de Gandía . Tras una larga y contrastada trayectoria José será el encargado de llenar la plaza este año Con un proyecto y diseño de  Alejandro Santaeulalia.

artista José Sanchís

artista José Sanchís

 

En Valencia ha plantado en  Plaza Obispo Amigó – Cuenca en 2014 en la sección 1B. Y debutó en especial con el Pilar en 2012 obteniendo un séptimo premio en la categoría reina.

Sobre Falla Plaza de la Merced

La Falla plaza de la Merced plantó su primer monumento en 1872. Un céntrico emplazamiento de la ciudad de Valencia que se alza sobre las ruinas del antiguo Convento de los Mercedarios Contagiada de la naturaleza comercial del barrio consigue plantar monumentos llenos de ingenio, riesgo y gracia, con altos presupuestos año tras año. Inmensas construcciones de se alzan en la Plaza de la Merced, durante la semana Fallera, desde el día 16 y hasta el 19 de marzo.

 

 

 

 

 

Este artículo es un contenido original de Valencia noticias

Valencia Noticias

QUE LOS ARTISTAS ARGENTINOS SE BANQUEN EL CONFLICTO DE INTERESES CON ESTEBAN TEDESCO EN EL COMITÉ DE SELECCIÓN DEL CENTRO CULTURAL RECOLETA DA CUENTAS DE LO CAGONES QUE SON

Esteban Tedesco y su gato, Alexis Minkiewicz, en su última salida nocturna, hace horas.

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Tedesco debe ser medio vampiro…
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 SI NO FUERA TAN INDIGNANTE EL HECHO DE QUE EL VIEJO GATERO INCLUYO A SU GATO EN LA PROGRAMACION DEL CENTRO CULTURAL ROJAS, UNO PODRIA MUSICALIZAR LA RELACION DE LA SIGUIENTE MANERA:

 ACÁ UN PEQUEÑO RESÚMEN DE UNA SITUACIÓN QUE, COMO ESTÁ, ES INSOSTENIBLE. Y QUE ALGUIEN ME SAQUE ESA CARA DE CONCHUDA (ME REFIERO A LA CORDERO) DE ENFRENTE, YA MISMO!

Alexis con Esteban y Magdalena

Magdalena Cordero está en la Asociacion de Amigos del Recoleta y es amiga de Tedesco. Ya vemos como funciona! Esta foto sola invalida la selección de la programación del Recoleta. Lamento decir que mi país es una mierda.

Hace unos meses, este blogger advirtió de un fraude que se veía venir. El amante del coleccionista y cirujano plástico Esteban Tedesco, Alexis Minkiewicz era casi oficializado como pareja y, en esas condiciones, Tedesco se tenia que excusar y el artista no podía participar de la programación de, al menos, el 2016.

Alexis y Tedesco tomando el tél

‘Esta foto debería hacer que Tedesco se excuse de incluir a Alexis en la programación del Recoleta’ decía yo en Noviembre.

Para ver mi llamado de atención el 10 de Noviembre del 2015 clickear en

LANP TE ADELANTA EL FRAUDE QUE COMETERÁ EL COMITÉ DEL CENTRO RECOLETA ELIGIENDO A ALEXIS MINKIEWICZ, GATO DE TEDESCO

Lamento comunicarles que nuevamente gana la mafia del amor (en este caso, mejor dicho,  de los petes y saunas) y Alexis Minkiewicz, el Gato de Tedesco, va a exponer en Mayo en el CCR. Pueden ver aquí la nomina de los seleccionados, entre otros, por Tudesco. Esta es la página oficial del Centro Cultural Recoleta.

Quizá sea por esto que hace unos días recibi de Alexis el siguiente email:

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Por supuesto, no respondí este email. Sin embargo, indigna ver el modo en el que la gente se rebaja, pisotea su propia reputación, solo para tener la ilusión de que existe. Verdaderamente no entiendo para qué Tudesco muestra su colección y quiere colocarse en una posición dignificante si despues hace esto. Esto ademas, lo inhabilita para seguir estando en el comité del Centro Cultural Recoleta. J A T

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EL OBJETO ARTÍSTICO COMO EL ÚLTIMO REMANENTE DE REALIDAD

​​​​​​​Primer Día – Mañana del Sábado 23 de Abril

 10 – 11.30AM

 Objetualidad Minimalista vs. Pictorialismo Objetual 

Michael Fried y el debate entorno de la ‘teatricalidad’ de la obra de arte:
Jean Baptiste Siméon Chardin/ Nicholas Poussin/ Jacques Louis David/ Edouard Manet/ Jeff Wall/ Luc Delahaye/ Louis Morris/ Anthony Caro/ Tony Smith/ Donald Judd/ Robert Morris/ Carl Andre

Coffee Break  11.30 – 12 PM

12 PM -1.30 PM

Richard Serra y el debate con el minimalismo como algo ‘pictórico’
Donald Judd/ Walter de Maria/ Carl Andre versus Richard Serra/ Anthony McCall

Almuerzo 1.30 a 2.30

2.30 – 3PM​

El Arte Contemporáneo como vehículo de presencia

Dan Flavin y los Iconos Religiosos – El ‘minimalismo’ presencial
Anri Sala: El video arte y la estética de lo ‘presente’
Proyección de Intervista (1999), Long Sorrow (2005) y Three Minutes (2004)
Análisis comparado Anri Sala/ Theodore Gericault/ Edouard Manet/ Henri Cartier Bresson

Coffee Break 3.30 – 4 PM

4- 5.30  PM

El Arte Contemporáneo como ‘lo incorporado’ en la realidad

Charles Ray/ Anthony Caro/ Maurizio Cattelan
New Media/ Digital Art/ La construcción de una nueva subjetividad
Ecos Argentinos de la estética de la ‘incorporación’:
Nicola Costantino y Adrián Villar Rojas

 

Segundo Día  – Mañana del 24 de Abril

10- 11.30 AM

 El color como objeto, ready made y cine (?)

Clement Greenberg versus Rosalind Krauss – El debate entorno de la ‘opticalidad’ de la pintura modernista abstracta
Robert Irwin y los campos de color vs James Turrell y su desaparición
Joseph Mariani y la duración filmica en la performance de observación de la pintura vs Robert Ryman y Brice Marden
Angela de la Cruz y la pintura que se coloca entre el objeto y el film
Gerhard Richter y la pintura como luto de la muerte aparejada con la fotografía.

Coffee Break 11.30 to 12PM

12 – 13.30 PM

 Lo antiteatral en el Videoarte de Douglas Gordon

Análisis en Profundidad tras la proyección de su

‘Play Dead, Real Time’ (2003)

Comparación de su ‘Feature Film’ (1999) y

su ‘Through a Looking Glass’ (1999)

La teatralidad kitsch de Bill Viola

 13.30 -15 PM

 

‘Zidane’ de Douglas Gordon y Philippe Parreno

Con discusión en profundidad hasta las 17.30 horas con inclusión de casos argentinos

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Fin del Curso Superintensivo ​

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EN UNA ÉPOCA EN LA QUE LOS ARTISTAS CAMBIAN DE PROYECTO ESTÉTICO COMO SI FUERA MODA, HERIBERTO ZORRILLA Y HELENA DISTÉFANO HICIERON DEL ‘ESENCIALISMO’ UN PROYECTO DE VIDA

El proyecto artístico de Heriberto Zorrilla y Helena Distefano gira entorno de una concepto que es el del ‘Esencialismo’. Con el espíritu fundacional propio de las vanguardias, Zorrilla y Distéfano quienes son pareja y se miran con un cariño que despierta envidia, han definido su ‘movimiento’ a partir de una serie de manifiestos.

Para resumir y en palabras de Zorrilla, el esencialismo ‘no parte de proyectos previos, concibe al cuadro como un devenir en el centro del cual él se sitúa (en su punto esencial) y pretende que el sentir y el hacer se presenten en sincronía determinando la concreción de la obra como un hecho vital y por lo tanto enlazado con su interioridad y el mundo en que vive’. Y agrega: ‘su primera materia es un caos inicial (estímulos gráficos, cromáticos textuales, etc) y mediante su actividad, una acción fundamente, la repetición de un acto primordial, manipula, ordena y elige de manera de compatibilizar aquellos elementos esenciales por los cuales la pintura puede convertirse en forma expresiva (en el sentido que Susana Langer daba a esos términos) y llegar a constituirse en el símbolo de aquel sentimiento interior imposible de ser verbalizado y que decanta ese grado de universalidad por la cual es posible la comunicación con los otros’.

‘Caos inicial, compatibilizacion de los elementos pictoricos, estructuración de un espacio polivalente virtualidad por el sentimiento y remanentes plásticos como zona de concentración de energia pictórica hacen, en resumen escueto, la constelación en la cual giran los propósitos artísticos del esencialismo’.

Con esfuerzo y en una acto que uno puede caracterizar pictórico, intelectual y de amor, Zorrilla y Distéfano acaban de inaugurar un Museo Esencialista en Arévalo 1564. Con un lenguaje coherente y un proyecto artístico que es también un proyecto de vida, el compromiso de estos dos artistas no puede tomarse a la ligera. Aquí algunas de las fotos que saqué en mi visita de hace unos meses.

 

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‘ESTE AÑO EL COLÓN TENDRÁ UNA MAGRA PRODUCCIÓN OPERÍSTICA, PERO SE HARÁN MUCHOS NEGOCIOS CON ARTISTAS POPULARES’

 

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TEXTO PUBLICADO EN EL BLOG ‘HABITUES DEL TEATRO COLÓN’ BAJO EL TÍTULO: ‘LA DECADENCIA DE UN GRAN TEATRO’

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En 2016 el Teatro Colón tendrá una magra producción operística, pero han sido y serán abundantes los negocios privados con artistas populares con los bienes públicos destinados a la música clásica.

No se entiende como no se denuncian la ignorancia a la ley que rige el teatro, el mamarracho que permite que un don nadie en el mundo de la lírica, Darío Lopérfido, altere la ley para que se le conceda el cargo de director artístico (¡¡¡???). No hay nadie en la coalición política que tenga algo que decir ante tanta ilegalidad?

Están destruyendo salvajemente un Teatro cono nadie antes lo hiciera y pareciera que el retorno a la república que tanto ha cacareado la Dra. Elisa Carrió ahora se le escapa de las manos. Nadie considera necesario denunciar? Deberemos ir a la Justicia los simples ciudadanos? Así nos cuidan los nuevos republicanos?

Los responsables del teatro y sus superiores políticos deben ser denunciados a la Justicia por prevaricato, cohecho, incumplimiento de los deberes del funcionario público, administración fraudulenta, entre otras acusaciones no menores.

SI NO VISTE MI CHARLA CON MAURICIO CORBALÁN, ESTA ES TU OPORTUNIDAD


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Lucia Cabello en Todos Contra Juan – Contratar Modelos y Chicas Playboy – Contrataciones de Artistas

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