La Universidad de la Mística de Ávila acoge la presentación del libro ‘Teresa de Jesús, Patrimonio de la Humanidad’

El Aula Magna de la Universidad de la Mística, en Ávila, acoge este jueves, a las 19.00 horas, la presentación del libro ‘Teresa de Jesús, Patrimonio de la Humanidad’, posiblemente el estudio más amplio e interdisciplinar que ha surgido a la sombra del V Centenario de la santa.
LA VOZ LIBRE

TRAS SACAR A PEDRO HERNANDEZ DEL RING, AVILA REVELA EL MISTERIO DE IL PARMIGIANINO

^A2AA2AF75E72DAE69A99238036E685603BD99E9FC9BBA19F2A^tfile_urlpv

EL GRAN MISTERIO DE IL PARMIGIANINO

El objetivo real del retrato de “Il Parmi” se puede resumir con las palabras “CONOCETE A TI MISMO.” Para ello utiliza dos vias: una es la simbologia y la otra es la geometria. La simbologia va ligada a la mitologia; y la geometria va unida a la sintesis del pensamiento convertido en  geometria sagrada o geometria pitagorica. Solo cuando se compara la  mitologia a algo se transforma en simbologia puesto que de esa manera nos habla de todos y de todo. Asi pues, “Il Permi” se convierte en su retrato en el  Segismundo transcendental de aquellos tiempos, diciendonos a traves de simbolos “que delito cometi contra vosotros naciendo… pues el delito mayor del hombre es haber nacido.” A su vez, este ultimo, hace referencia al “mito de la caverna platonica” en busca de lucidez y alejandose de las distorsionadas imagines projectadas en la pared de la cueva. Uno viaja comparando los simbolos con lo que uno mismo conoce y eso lo llevan a otra “dimension” y eso es lo que ocurre en el retrato (teniendo en cuenta que las interpretaciones de un simbolo son infinitas porque los simbolos son transcendentales).

QUIEN SOY YO? Imaginemonos que nosotros somos una ninya de Kansas y un dia un kaotico tornado nos translada a un lugar imaginario. Alli, nos enteramos por una ada madrina de que para regresar a casa tenemos que presentarnos frente a un mago social llamado Macri y gracias a su magia nosotros podremos regresar a nuestras casas. Por el camino blanco y nevado de la Virgen de San Nicolas, conocemos a un espantapajaros que se queja de no tener cerebro; un hombre hecho de laton que se queja de no tener Corazon; y un leon que se queja de no ser valiente. Todos Juntos vamos a ver al mago y por el camino, inconscientementel los tres personajes van demostrando que si tienen lo que dicen no tener, pero el caso es que no se dan cuenta. Al final del camino,  y tras ponernos los lentes de Esme-ralda para verlo todo verde, llegamos a ver al mago y este nos dice que para que el nos ayude a ser quien de verdad somos, tenemos que matar a la bruja Kristina (cosa que hacemos) pero despues nos damos cuenta de que el mago no es quien dice que es, y de mago no tiene nada de nada, y de que todo era mentira. Resulta, que tras lamentarnos de nuestro destino, mirando nuestras propias imagines en los reflejos de las “nieves” platonicas, nos damos cuenta de que SI tenemos cerebro; de que SI tenemos Corazon; de que SI somos valientes; y de que SI podemos volver a casa solamente “taconeando” los zapatos rojos tres veces.

QUIEN SOY YO? Vida gris con imagines grises… Tornado transformador y liberador de cadenas… Objetivo (volver -ir-lo que sea)…  Dimension mental, emocional, espiritual… Bruja en el camino que no quiere que hagamos nada ni quiere que seamos nada… Idea de un mago al final del camino… El mago no existe pues EL MAGO SOY YO.

En la geometria sagrada “el todo” es el conjunto de las partes, y las partes es  la dinamica absoluta de “el todo”. Asi,  el numero “uno” es la metafora o simbolo del infinito (comprendido como el universo en su totalidad). En el retrato, “Il Parmi” se presenta como “un individuo razonable”, “un mago esoterico” tomando como definicion el conocimento de su “arte” por un limitado grupo de individuos conocedores de sus ideas (no un brujo) que nos indica quien es atraves del conocimiento del universo (el cosmos) en el que vive, y en donde la perfeccion del circulo y la esfera es el “numero” tomado como simbolo transcendente (todo fue hecho segun el NUMERO -Pitagoras) donde si uno conoce el “numero”, conocera pues el orden en el camino de la transcendencia. Ese “numero” no es el numero que comunmente conocemos y que ensenyan a los niyos en los colegios para ser mercaderes (un lapiz, una manzana, etc). El “numero” es un MITO (simbolo transcendente) porque tiene cualidades cualitativas, no cuantitativas, y esas cualidades miticas son expresadas atraves de ideas pintadas (simbolos). Por ejemplo, si miramos a la derecha del retrato veremos que hay UNA puerta en esa pared deformadamente esferica y lunar (detras de “Il Parmi”) ha sido pintada mas pequenya de lo que debiera ser, si concevimos el efecto optico, pero apenas esta deformada o distorsionada como corresponderia al lugar en el que esta situada (teniendo en cuenta los efectos de un espejo convexo). Tendra la forma de esa puerta algun significado al aparecer claramente cerrada con un cuadrado especifico a modo de cerrojo? Y… supongo que sere yo…  pero que me maten si no veo en el cerco de la puerta cierta similitud con la figura de la diosa egypcia Isis denotando la forma de gorrion-halcon…!!!!

CONTINUARA…. (aunque no se cuando)

MIRÁ LA ‘THE PILL’ SOBRE ESTE TEMA


LOVEARTNOTPEOPLE

TRAS UNA CRUENTA PELEA ENTRE PINTORES CON AVILA, FIOTTO Y QUIRÓS, PEDRO HERNANDEZ DECIDIÓ TIRAR LA TOALLA

jarra-colombiana1.jpg

Rodrigo, muchas gracias por todo.

He decidido eliminar la suscripción a su blog, porque entiendo que este tipo de persecuciones a puro video caótico, no son normales, seguramente dan mucha risa, pero es un ridículo constante, y no son argumentos, solo asociaciones de ideas asociadas a otras asociaciones, por tanto inacabables. Sin embargo el que usa este tipo de no-argumentación más o menos siempre queda a cubierto y rompe el hilo narrativo del que intenta construir-más o menos improvisadamente una argumentación. Por tanto muy divertido todo, pero si uno cree en lo que está diciendo siente que es objeto de burla falaz. En ocasiones puedes escapar de la trampa con un poco de risas y ya está. Esto dependerá de lo que te importen tus propios pensamientos.

En fin, decido poner fin a la suscripción , pero mi gratitud siempre estará con Ud.
Mucha suerte.
Pedro Hernández
PS: TE VAMOS A EXTRAÑAR, PEDRO! LAS PUERTAS SIEMPRE ESTÁN ABIERTAS PARA VOS!
PARA RECORDAR A PEDRO, NADA MEJOR QUE NUESTRO ‘A CALZÓN QUITADO’ 
SI QUERÉS VER, LA ‘THE PILL’ QUE COMENZÓ LA PELEA, ESTA ES TU OPORTUNIDAD
https://vimeo.com/159753255
el-pasajero-versic3b3n-definitiva.jpg


LOVEARTNOTPEOPLE

El juez de los ERE cita este miércoles como investigados a los exconsejeros Zarrías, Martínez Aguayo y Ávila

El juez Álvaro Martín ha citado a declarar en calidad de investigados este miércoles a los exconsejeros de la Junta de Andalucía Gaspar Zarrías, Carmen Martínez Aguayo y Antonio Ávila dentro de la pieza separada del procedimiento específico por el que se concedieron las ayudas investigadas en el caso de los expedientes de regulación de empleo (ERE) fraudulentos.
LA VOZ LIBRE

AVILA DICE: ‘ME ESTOY HACIENDO FANÁTICO DE LAS CAÑECHATS SIGLO XXI (CON PITOS Y FLAUTAS)!’

NO TE QUEDES AFUERA! RESERVA TU LUGAR!

EL OBJETO ARTÍSTICO COMO EL ÚLTIMO REMANENTE DE REALIDAD

​​​​​​​Primer Día – Mañana del Sábado 23 de Abril

 10 – 11.30AM

 Objetualidad Minimalista vs. Pictorialismo Objetual 

Michael Fried y el debate entorno de la ‘teatricalidad’ de la obra de arte:
Jean Baptiste Siméon Chardin/ Nicholas Poussin/ Jacques Louis David/ Edouard Manet/ Jeff Wall/ Luc Delahaye/ Louis Morris/ Anthony Caro/ Tony Smith/ Donald Judd/ Robert Morris/ Carl Andre

Coffee Break  11.30 – 12 PM

12 PM -1.30 PM

Richard Serra y el debate con el minimalismo como algo ‘pictórico’
Donald Judd/ Walter de Maria/ Carl Andre versus Richard Serra/ Anthony McCall

Almuerzo 1.30 a 2.30

2.30 – 3PM​

El Arte Contemporáneo como vehículo de presencia

Dan Flavin y los Iconos Religiosos – El ‘minimalismo’ presencial
Anri Sala: El video arte y la estética de lo ‘presente’
Proyección de Intervista (1999), Long Sorrow (2005) y Three Minutes (2004)
Análisis comparado Anri Sala/ Theodore Gericault/ Edouard Manet/ Henri Cartier Bresson

Coffee Break 3.30 – 4 PM

4- 5.30  PM

El Arte Contemporáneo como ‘lo incorporado’ en la realidad

Charles Ray/ Anthony Caro/ Maurizio Cattelan
New Media/ Digital Art/ La construcción de una nueva subjetividad
Ecos Argentinos de la estética de la ‘incorporación’:
Nicola Costantino y Adrián Villar Rojas

Segundo Día  – Mañana del 24 de Abril

10- 11.30 AM

 El color como objeto, ready made y cine (?)

Clement Greenberg versus Rosalind Krauss – El debate entorno de la ‘opticalidad’ de la pintura modernista abstracta
Robert Irwin y los campos de color vs James Turrell y su desaparición
Joseph Mariani y la duración filmica en la performance de observación de la pintura vs Robert Ryman y Brice Marden
Angela de la Cruz y la pintura que se coloca entre el objeto y el film
Gerhard Richter y la pintura como luto de la muerte aparejada con la fotografía.

Coffee Break 11.30 to 12PM

12 – 13.30 PM

 Lo antiteatral en el Videoarte de Douglas Gordon

Análisis en Profundidad tras la proyección de su

‘Play Dead, Real Time’ (2003)

Comparación de su ‘Feature Film’ (1999) y

su ‘Through a Looking Glass’ (1999)

La teatralidad kitsch de Bill Viola

 13.30 -15 PM

‘Zidane’ de Douglas Gordon y Philippe Parreno

Con discusión en profundidad hasta las 17.30 horas con inclusión de casos argentinos

Fin del Curso Superintensivo ​

PARA INFORMES O INSCRIPCIÓN

VISITÁ WWW.LANP-INSTITUTE.COM 

o RESERVÁ TU LUGAR EN

[email protected] 

unnamed-13

TRAS ESCANDALIZAR CHILE, VUELVE LA CAÑECHAT CON LEOPOLDO BRIZUELA, PREMIO ALFAGUARA 2012


LOVEARTNOTPEOPLE

LLEGAN LAS (2) BECAS MACRI BY AVILA PARA HACER EL I WORKSHOP DE ARQUITECTURA, ARTE Y ESCULTURA CONTEMPORANEOS

unnamed-1

MACRI BY AVILA 

EL CURSO COMIENZA EL 15 DE FEBRERO Y DURA 5 SEMANAS. SE RECIBEN APLICACIONES HASTA EL DIA 10 DE FEBRERO A LAS 10PM DE BUENOS AIRES. PARA PARTICIPAR, ENVIA UNA IMÁGEN Y TU ANÁLISIS (NO MÁS 600 PALABRAS).

PARA VER LA MODALIDAD DE CURSADA Y EL PROGRAMA CLIQUEÁ AQUÍ 

Este curso busca poner a los participantes en el centro del debate del arte y la arquitectura internacional al más alto nivel.

DIAS Y HORARIOS: El curso tendrá lugar durante el mes de enero los días martes y jueves a las 6 de la tarde. Vacantes limitadas. No se necesitan conocimientos previos de arte. COSTO DEL CURSO: 200 DOLARES (via Paypal)

CLASE 1: ABSTRACCIÓN ESPIRITUAL . Las leyes de la abstracción de pre-guerra. Una genealogía del arte abstracto desde el movimiento teosófico espiritualista de Helena Blavatsky. Kandinsky, Pollock, Rothko  y el balance del color y la forma. Los limites de la razón y el espacio de lo poetico en la abstracción espiritualista.

CLASE 2: ABSTRACCIÓN IDEOLÓGICA. EL MODERNISMO DE LE CORBUSIER Y GROPIUS Y EL RECHAZO POP DEL ELITISMO 

El rechazo Pop del elitismo versus la manipulación posmoderna del populismo en arte y arquitectura. Arquitectura visionaria como arte conceptual en el Monumento Continueo del Superestudio de New York 1969.  Alison and Peter Smithson: La casa del futuro 1955-56. Peter Cook: Plug-In City. La utopia y la elite. La influencia de Ed Ruscha en la arquitectura contemporanea y la cultura contemporanea de la muerte.

Richard Rogers y Renzo Piano como antecedente de Frank Gehry y Rem Koolhaas: El Pop-Tech y qué hacer con la imágen reproducida del espacio que se habita.  Koolhaas, Dalí y el método crítico paranoide en arte y arquitectura

CLASE 3: LA GLOBALIZACIÓN COMO PARÁMETRO DE ELEGANCIA: RICHARD ROGERS Y NORMAN FOSTER 

EL Pop Cívico: la pelea entre el poder icónico del edificio (para mirar) y su rol civico (para habitar y participar). El interregno entre la abstracción ingenieril del modernismo y el historicismo decorativista de la posmodernidad.

El Pop populista del Centro Pompidou de Richard Rogers y Renzo Piano.

Richard Rogers y ‘The Room’ en el Edificio Lloyds de Londres: Funcionalidad versus Claridad de diseño. La muerte del arte y la emergencia del mercado del arte contemporáneo?

Richard Rogers y el edificio de Channal 4 en Victoria Station: lo corporativo como naturalización del disciplinamiento. La ficción de la igualdad entre empleados y empleadores. La corporación como arquitectura burocrática.

Las nuevas jaulas de vidrio. La analogía entre transparencia y apertura política. La manipulación del ideal de la corrección politica y de la transparencia con fines de control social. Los modos en los que la arquitectura coadyuva a la imposición física de lo políticamente correcto.

Norman Foster y la obesión por el control del arribista corporativo. La arquitectura como marca y firma artistica en un mundo de hombres tan inseguros que se creen dioses. El edificio como autorretrato del arquitecto. El vidrio como alegoria de la trasparencia de los managers y auditores. El Freudianismo sexual del Gherkin en Londres: la ingenieria hi-tech como el nuevo kitsch de la eficiencia hiperprofesionalizada  El Reichstag de Berlin y la fisicalidad tecnocratica de la clase politica europea. Y la inversión funcional de Stansted Airport y la Sackler Gallery de la Royal Academy of Art. El lugar de trabajo como habitat del nuevo hombre corporativo y los HQ de Williams Faber y Dumas en Ipswych. Mozart modernista?: El edificio como escultura en la Hearst Tower de New York.

CLASE 4: LA MODERNIDAD ‘LIGHT’ DE RENZO PIANO 

El regreso de lo ‘local’ y ‘artesanal’ a la arquitectura corporativa y global.

La influencia de Jean Prouvé y la escultura de Constantin Brancusi en Piano. La arquitectura de lo superficial y la cáscara. La eficiencia de la máquina versus la integridad del organismo vivo. Entre la pureza de Le Courbousier y la fetichización del objeto ‘puro’. Jean Marie Tjibaou Cultural Center en Nueva Caledonia (1991-1998) La inclusión de elementos inmateriales como la luz y el viento.

La noción de ‘el elemento’ como aspecto ‘fetiche’ puesto por Piano a la vista del visitante y transformado en el leitmotiv de su arquitectura. Ornamento o alegoria? La Menil Collection (1982-87), Kansai International Airport (1988), el Bayeler Museum en Basel (1991), el NY Times Building (2000).

La muestra “Light Construction’ en el MoMA, curada por Terence Riley. La influencia de Milan Kundera. Conceptos de ‘modernidad light’, ‘modernidad liquida’ y ‘segunda modernidad’ para Zygmunt Bauman y Ulrich Beck. La Maison Hermes en Tokyo (1998 -2001).

CLASE 5: EL ARTE COMO TEMA ARQUITECTÓNICO EN ZAHA HADID 

La emergencia del arquitecto que firma como un artista. Zaha Hadid y la suspensión de las reglas de la fisica y la escala humana. El ‘nuevo paradigma de la compleja curvo-linearidad’. La influencia de Malevich, el suprematismo y el constructivismo ruso. Malevich versus Vladimir Tatlin. Zaha Hadid y las distorsiones del espacio ‘literales’.

Análisis de dos shows fundamentales:  ‘Arquitectura Deconstructiva’ curado por Mark Wigley y Philip Johnson en el MoMA en 1988 y el de ‘La Gran Utopía’ en el Guggenheim en 1992-3

Zaha Hadid: Estación de Bomberos de Weil am Rhein, Alemania (1990) y el Estacionamiento de Strasbourg (1998-2001). La función que sigue a la estructura y la estructura que sigue a la imaginación. El edificio como movimiento congelado en movimiento. El colapso de la representacion en el objeto y las limitaciones de Hadid. Sol Le Witt versus Zaha Hadid.

CLASE 6: LA FUSIÓN DE ARTE Y ARQUITECTURA COMO MAQUINAS POSTMODERNAS EN DS+R 

El Neo-Miesianismo del Institute of Contemporary Art in Boston (2002-06) de Diller Scofidio + Renfro (DS+R). El auge de las rampas, los espirales y los loops como alegorias de nuevas temporalidades (digitales?). La teoria del Rotary Notary en las performances multimiedia de DS+R. La influencia de Marcel Duchamp.

La arquitectura como sujeto y ‘matriz visual’ en el Slow House (1991) de Long Island. Los problemas con este enfoque: Una maquina para vivir? El museo como persona? El museo como cyborg como si la arquitectura pudiera mirar por nosotros.

La investigación post-Foucaultiana de arquitectura, instalacion, arte y espacio en Para-site (1989) y Blur Building (2002, Yverdon-les-Bains, Suiza).

El nuevo ciudadano del High Line. Los nuevos modos de mirar la ciudad, la propiedad inmobilaria y el arte.

CLASE 7: MUSEOS Y OBJETOS MINIMALISTAS: KOOLHAS, TSCHUMI, TANIGUCHI, ANDO, ITO, ETC.

La influencia de Walter Gropius y Le Corbusier en Estados Unidos. La extrapolación tecnofílica de arte y arquitectura post Segunda Guerra Mundial y los ideales de la transparencia humanista. Lo transparencia fenomenologica versus la transparencia litearl. La influencia de la fotografia en la desmaterialización del objeto artístico y arquitectónico en Rem Koolhaas, Jean Nouvel, Bernard Tschumi, Steven Holl, Richard Gluckman, Yoshio Taniguchi, Tadao Ando, Toyo Ito, Kazuyo Sejim, Peter Zumthor, Jacques Herzog and Pierre de Meuron, Annette Gigon and Mike Guyer.

La dinámica del minimalismo en arquitectura y en arte. La tension entre la estructura literal de la forma geometrica y el efecto fenomenologico de las diferentes formas desde diversos puntos de vista.

Carl Andre y Richard Serra: la logica de la transparencia literal como cuestion de producción y tambien como cuestión estructural. Constructivismo versus Minimalismo.

La Fundación DIA y la combinación de la lógica Minimalista y Pop (literal y fenomenologica). Donald Judd, Dan Flavin y Walter de Maria. El paradigma de la unidad modular y ‘una cosa al lado de la otra’. La sintaxis del arte de posguerra.

CLASE 8: EL POST- MINIMALISMO ARTÍSTICO DESDE LA ARQUITECTURA. HERZOG & DE MEURON

La emergencia de las fabricas reconvertidas en museo: Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MAXXI en Roma. El paso de la tensa reciprocidad entre arte y arquitectura (Fundación DIA) a la formulación de la ‘elegante tautología’ de la ‘fabrica refinada’.

La teoria anti-minimalista de Michael Fried. La idea de lo teatral y el objectualismo militante. El lugar del lugar en la definición del objeto artistico.

Análisis del atrio ‘Donald B and Catherine C.Marrion) en el Edificio David y Peggy Guggenheim en el MoMA por Yoshio Taniguchi (1997-2004). La relacion entre la abstracción modernista y el post minimalismo post modernista. La nueva abstracción no es espiritual como lo era en Malevich y Mondrian?

El Pop ‘nublado’ de la Biblioteca de la Escuela Tecnica Eberswalde en Eberswalde (1994-7) por Herzog y de Meuron. El dominio de lo fenomenologico sobre lo literal en el panel de viderio de la Fondation Cartier en Paris. La doble ventana de la Goetz Collection (1992) en Munich y la inversión de la claridad estructural de Mies Van der Rohe.

CLASE 9: CUÁL ES EL VALOR DE HACER ESCULTURA HOY? RICHARD SERRA 

Richard Serra y el traslado de la abstracción del objeto a la experiencia del espectador/visitante. La idea de ‘Gestalt’ escultural.

Donald Judd versus Richard Serra. La evaporasción del objeto. Cómo se inserta la lógica del arte argentino de la desmaterialización en este debate? Constantin Brancusi versus Richard Serra.

Anthony McCall y la luz y el film como escultura.

CLASE 10: LA PINTURA SUELTA: ROBERT IRWIN, JAMES TURRELL Y EL POST MINIMALISMO DE BILL VIOLA 

Robert Irwin, James Turrell y la oposición post-Minimalista de ‘objetos específicos’ versus ilusión espacial. Qué pasa cuando el ilusionismo sobrevive en las instalaciones minimalistas?

El debate entre Donald Judd y Rosalind Krauss. Qué pasa cuando el minimalismo deja de ser un objeto?

Qué tienen en común los Iconos religiosos y el minimalismo ilusionista de Turrell?

Bill Viola: Arte atmosférico y la aparición del video arte. Lo que ningún artista argentino percibió hasta ahora y mantiene el videoarte argentino en un ‘corralito’.

FIN DEL CURSO

SI NO VISTE LA MUY PERTINENTE CHARLA CON MAURICIO CORBALAN SOBRE EL ROL DE LA ARQUITECTURA DE AUTOR EN EL MUNDO DE HOY, ESTA ES TU OPORTUNIDAD


LOVEARTNOTPEOPLE

NUESTRO AVILA RETRATA A FRANK AUERBACH

AUERBACH

FRANK AUBERBACH BY AVILA 

La retrospectiva de Frank Auerbach que tiene lugar, en estos momentos, en la Tate Britain de Londres deberia ser vista por todo pintor que se considere como tal y es, desde ya, imperdible. Funciona a varios niveles y uno de ellos es el que pone en evidencia, a través de sus propias fallas, lo ,  dificil que es para las instituciones culturales (museos y curadores, para ser especifico) vincular al arte con el amor como motor principal. Me refiero, desde ya, al amor como aquello que, por un lado, motiva a los artistas a manipular los pigmentos para hacer a alguien presente y, por el otro, como aquello que motiva a alguien a sentarse frente a un artista durante horas y, como en el caso de Auerbach, años. Supongo que la super-profesionalización de la gestión cultural es la culpable de esta falta de contacto con aquello que hace que los artistas hagan arte: el amor. En el caso de Auerbach esto es fundamental ya que él usó a los mismos modelos a lo largo de más de cuarenta años de carrera desarrollando una relación que, lógicamente, va más allá de la profesion artística pero siempre tiene en el centro a la pintura. Curada por uno de esos modelos (Catherine Lampert), la retrospectiva en Tate Britain resulta un tanto fria y distante y, en tanto tal, funciona como un autorretrato descorporizado de un artista introvertido de quien casi todos sus modelos se enamoraron y dedicaron gran parte de sus vidas a ser observados, en silencio.

Deakin2

Colgada a lo largo de siete salas de acuerdo a la década en la que las obras fueron pintadas, Lampert concentró su esfuerzo curatorial en demostrar el modo en el que su uso fluido de la pintura (tanto oleo como acrilico) cambió en el tiempo. Segun Lanpert: ‘Desde la década del sesenta, Auerbach realiza 30, 50 o 200 versiones diferentes de la misma pintura para llegar al resultado final. En sus paisajes, Auerbach usa dibujos preliminares realizados en la calle. En sus retratos, siempre usa cinco modelos que van a su casa cada dia habil de la semana durante años. Según el artista hay ‘mucho más de lo aparente’ en la producción de una de sus pinturas’. Creo que es en este ‘mucho más de lo aparente’ de su pintura al que Lampert se refiere donde podemos encontrar la clave para entender su obra. Desafortunadamente, ella, como curadora no explora este territorio intermedio entre la pintura como objeto formal y el artista como ser humano de carne y hueso y vida vivida. Las razones para esto pueden ser desde las represiones propias de la profesionalizacion del mundo del arte hasta la muy inglesa incapacidad de conectar con sus propios cuerpos. Si bien toda la exposicion rodea el tema del cuerpo como pintura, la curacion se empeña en que del cuerpo y del uso afectivo de él se hable lo menos posible.

fts-artssale1_2237135b

Por su parte, el excesivo formalismo del articulo de T.J.Clark incluido en el catálogo de la exhibición (‘On Frank Auerbach’) hace aún más dificil leer sus obras como ensayos visuales sobre la relacion entre los pigmentos, los sentimientos y las represiones del artista y aquellos que son pintados. No obstante esto, Clark termina su articulo hacienda preguntas que su excesivo formalisto no puede responder. Dicho de otro modo, la introversion de Auerbach y su mutismo son la otra cara de la moneda de un hombre que quiere ser amado y amar pero no puede. Si se quiere, el problema es que Clark le presta demasiada atencion a los paisajes y, de este modo, evita abordar directamente la cuestion de ‘la conexion humana’. En sus propias palabras: ‘Hay unos paisajes increibles en la muestra de la Tate que representan Primrose Hill. Algunos de ellos como Tarde de Invierno, Estudio de Primrose Hill, fue hecho en el invierno de 1974-5 y se muestra salvaje y abstracto. Sus lineas son las de un paraguas que el viento rompió y desarmó. Las lineas, al menos, algunas de ellas, suponen ser arboles sin embargo, el modo abstracto en el que son pintadas da la pauta de que no reflejan ninguna realidad natural, orden o consistencia. Para Auerbach, la naturaleza es instantanea. Salta del vacío. La pintura se contorsiona para captar ese salto y lo que el impasto parece querer reflejar no es el caracter de una escena o su atmosfera sino mas bien, su presencia. El estar allí de una buena vez y listo’. Dicho de otro modo, lo que Clark quiere decir es que en Auerbach hay una manipulacion de los pigmentos en el que la acumulacion del mismo como impasto termina transmitiendo un tipo de presencia que solo puede ser capturada de manera instantanea (y esto es algo que solo puede ocurrir en la pintura, a diferencia del cine o la musica) ya que no es figurative ni representativa.

auerbach

Esto es obvio en sus retratos en los que los rasgos facials de sus modelos son practicamente irreconocibles ya que, segun T.J.Clark, Auerbach apunta a ‘capturar esa otra cara del modelo…su cara interior’. Y agrega: ‘terminar una pintura en una tela como estas equivale a extraer esa cara interior de la fluidez del material. Una forma no rota aunque corregida y dura. Con esto se logra la unidad a costa de la multiplicidad’. Dicho de otro modo, para lograr la unidad, los aspectos fragmentarios y detalles (los rasgos faciales, por ejemplo) deben ser resignados. Allí, es donde la abstracción avanza y los aspectos sincrónicos de la pintura adquieren protagonismo. T.J.Clark parece marcar la linea a partir de la cual no se anima a caminar al citar a Robert Lowell diciendo: ‘Nosotros dos, una celula aquí, otra celula allá… mirando a la bola de cristal de cada uno… cielo, cielo y cielo… hasta la muerte’. La pintura es para Auerbach el modo de explorar ese agujero interior y exterior que amenaza con tragarse todo. La muerte.

421L14022_7GKYX_RESHOOT

A pesar de todo esto, Frank Auerbach es famoso por no querer hablar de su vida y, sin embargo, es sorprendente que ni el show ni su catalogo hagan demasiada referencia a su vida y a como la comprension de su persona puede darnos claves para entnder un tipo de pintura atractiva, fascinante, dificil y siempre directa. Ciertos datos de su vida son necesarios tener, empezando por el hecho de que Auerbach vivio toda su vida solo en un pequeño estudio de Camden Town. Alli todavia trabaja 364 dias al año en lo que parece una furiosa carrera contra el tiempo. Nacido en Berlīn de padres de clase media alta, fue enviado a los ocho años a Londres para escapar del Nazismo. Ninguno de sus padres pudo seguirlo. Es quiza por esto que Auerbach no puede parar de trabajar y encontró en el silencio de sus modelos, un modo de contacto humano que puede traducirse mediante la manipulacion de la pintura en amor. De hecho, segun el, su arte es su verdadera autobiografia y sus retratos revelan sus relaciones más intimas con sus modelos que posaron para el por mas de cuarenta y dos años. Cada modelo fue durante esos cuarenta y dos años, una vez por semana, 62 semanas al año a posar frente a él. No puede haber mejores testigos de su modo de pintar que ellos ya que ellos han sido el substitute de su familia exterminada.

studioauerbach

De jóven la belleza de Auerbach era extraordinaria. Ver fotos de su juventud es ver a un hombre hermoso. Uno puede imaginarse como su introspeccion y su timidez hicieron que sus modelos se enamoraran y esperaran como Eco con Narciso a que ese amor fuera reciproco. No es agarrado de los pelos decir que el modo fisico y sensual en el que Auerbach manipula la pintura es un modo de tocar el cuerpo de aquellos que lo adoraron dia a dia, semana tras semana durante años. Una de ellas es la curadora de la muestra en la Tate y quiza la frialdad con la que la curó sea prueba fiel de la imposibildad de lidiar con el propio dolor del amor, supuestamente, no correspondido. Digo supuestamente porque Auerbach la pinto no una vez sino varias veces. J A T

MIRA MI CHARLA SOBRE ARTE, ARQUITECTURA Y URBANISMO EN TIEMPOS MACRISTAS (PRIMERA PARTE)


LOVEARTNOTPEOPLE

Daisy y Miky, Anna Ciocchetti ‘huérfana’, Mariana Ávila sin ropa, Bieber y Selena truenan.

Nathaly Girón te trae las mejores noticias de espectáculos de este 23 de Agosto de 2011 ¡Al más puro estilo TVNotas!
Video Rating: 3 / 5

Me pidieron favores sexuales por grabar un disco: Alejandro Ávila

www.publimetro.com.mx ESPECTÁCULOS. México. DF. 08/03/2011. El actor Alejandro Ávila, quien recientemente le dio vida al persona de “Cutberto González”, en la telenovela “Teresa”, al lado de Angelique Boyer, reveló que intentó grabar un disco, pero para permitírselo le pidieron a cambio favores sexuales, a lo que se negó. Y finalmente ya consiguió grabar. “Voy a presentar, este 15 de abril, un disco que ya tengo hecho, que por políticas de Televisa no podía promocionar hasta que no acabara la telenovela”, explicó. Ávila, originario de Guadalajara, incursionará en el género de la ranchera con el disco titulado “Nada”, bajo su propia producción. Alejandro interpretará diez piezas de las cuales 9 son inéditas y una es un cover de la canción “Cielo Rojo”. Sin embargo, el actor, explicó que no le fue sencillo lograr hacer realidad este sueño de grabar su primer disco, ya que comenta que tuvo que enfrentar distintos obstáculos como la falta de dinero o el acoso sexual. “Yo quería cantar y se dio lo de la actuación; quise grabar, pero no había dinero y me pidieron las pompitas, no quise darlas; volví de nuevo la actuación y ahora que le trabajé y por suerte conjunté una gama de buenas intenciones de amigos que me prestaron sus estudios de grabación y me apoyaron, pues ahora ya tengo mi disco y no quiero que se quede ahí”. Paralelamente Alejandro está por estrenar, este 17 de marzo, en el teatro Polyforum, la puesta en escena “Cash, ¿Cuál es tu precio?, bajo la dirección de
Video Rating: 0 / 5

Mujeres asesinas 2 Alejandro Ávila y Susana González Tere desconfiada Alejandro_Ávila_mujeres_asesinas_2da_temporada Tere desconfiada Alejandro_Ávila_corazón_salvaje_2009 Alejandro_Ávila_mujeres_asesinas_2 Alejandro Ávila quien actualmente participa en Corazón salvaje la nueva versión, realizo una participación muy importante en el cap Tere desconfiada en la 2da temporada de Mujeres Asesinas al lado de Susana González quien interpreto el papel de Tere y así mismo su esposa dentro de la serie. Alejandro Ávila es asesinado por Susana González con unas tijeras, Eiza lo acusa de violarla. Alejandro nos menciona lo que piensa de su papel en Mujeres Asesinas 2 así como sus nuevos proyectos en puerta. Alejandro comento que si fuera su caso apoyaría a su esposa, y nunca haría lo que el personaje, engañarla e ignorarla Se me hace una falta de responsabilidad agrego, también mencionando que la falta de comunicación provoca muchos casos de infidelidad. infidelidad_Alejandro_Ávila Susana_González_Alejandro_Ávila_mujeres_asesinas_2da_temporada Alejandro Ávila_entrevista_seriesmx Por: Seriesmx Todos los jueves por Canal 5. alejandro ávila mujeres asesinas 2 entrevista capítulo tere desconfiada susana gonzález eisa gonzàlez nextel canal 5 pedro torres media mates sangre seriesmx