Puig: ‘El Museo de la Seda será un referente del turismo cultural y la economía del futuro’

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– El jefe del Consell ha asistido al acto de presentación de la rehabilitación del Colegio del Arte Mayor de la Seda, financiada por la Fundación Hortensia Herrero
– Ha calificado como “fundamental” la colaboración público-privada para contribuir a la mejora del patrimonio de la Comunitat Valenciana

El President de la Generalitat, Ximo Puig, ha asistido al acto de presentación de la rehabilitación del Colegio del Arte Mayor de la Seda, un edificio que albergará, a partir de este sábado, el Museo de la Seda y que “será un referente” del turismo y la economía de la Comunitat Valenciana.

El jefe del Consell ha destacado que este nuevo espacio museístico se erige, no solo como “un punto de referencia para lo que debe ser el turismo cultural y la economía del futuro”, sino también como una “aportación indudable” a la recuperación del patrimonio de la sociedad valenciana.

La rehabilitación de este edificio, que tiene su origen en el siglo XV ante la necesidad de unificar los criterios para la producción de la seda en Valencia, ha sido financiada por la Fundación Hortensia Herrero. Puig ha alabado el trabajo realizado por esta entidad, que “en sus pocos años de existencia, ya se ha convertido en un símbolo”.

“La Fundación Hortensia Herrero ha demostrado claramente la vocación de participar en la mejora de nuestra cultura”, ha indicado el President, al tiempo que ha animado a otros empresarios a contribuir al crecimiento del conjunto patrimonial y cultural de la Comunitat Valenciana. En este sentido, ha calificado como “fundamental” la colaboración público-privada entre la Administración y las empresas.

El arquitecto Fernando Aranda y el restaurador Javier Catalá han sido los responsables de los trabajos de restauración del Colegio del Arte Mayor de la Seda, en los que han intervenido sobre 7.500 baldosas cerámicas y para los que han utilizado materiales como 300 libros compuestos por 7.200 hojas de plata fina empleadas para decorar las molduras de la antigua capilla.

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MIS RAZONES PARA QUE HERNÁN DUPRAT CAMBIE LA COLGADA DE ARTE ARGENTINO DEL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES CURADA POR ROBERTO AMIGO Y LA GESTIÓN KIRCHNER

En el 2015, el, entonces, Curador en Jefe del Museo Nacional de Bellas Artes, Roberto Amigo reorganizó la colgada de la colección de arte argentino con la presencia no sólo de lo más granado de la comunidad artística sino también con la presencia de la entonces Presidente de la Nación, Cristina Kirchner. Dicha colgada fue el producto de cuatro años de trabajos y refacciones y el resultado puso en blanco sobre negro un tipo de lectura de la historia del arte argentino que considero, valga la redundancia, muy argentina por brindar al espectador una lectura estabilizada que allane toda ambiguedad inherente a la practica artistica, en tanto tal, al tiempo que empuja al virtuosismo de la pintura a un lugar secundario. Para esa lectura, la estética solo tiene sentido si se presenta como instrumento ético o, mejor dicho, político.

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Desde el nivel más alto de la curaduría del Estado, el arte argentino pasó con esa colgada a ser leído como un instrumento en una lucha, básicamente, de clases que presenta como punto de inflexión a la obra de Antonio Berni.  Segun el texto curatorial: ‘La obra de Antonio Berni permite recorrer el arte argentino del siglo XX tanto desde los avatares políticos como a partir de los cambios de los lenguajes artísticos. Berni postula ‘el nuevo realismo’ en los años 30: búsqueda de lo mágico en la vida cotidiana y de lo trascendente. En la posguerra toma partido por la figuración frente a la abstracción, alineado con los intelectuales comunistas realiza obras como San Sebastián en Paris. (…) Durante la dictadura militar argentina (1976-1983), poco antes de su muerte, retorna a la apropiación de la iconografía religiosa para dar cuenta del terror y la represión, como el Cristo en el departamento y Magdalena’. El MNBA y Roberto Amigo, en particular, no se equivocan al tratar a la pintura como un modo de ‘decir sin decir’, sobretodo en tiempos de autoritarismos; sin embargo, este lugar de ‘actor social y político’ deja al ‘pintor’ en tanto artista en un segundo plano y el resultado es que, con él, se acaba sesgando toda la lectura del arte argentino. Voy a volver a la obra de Berni y el modo en el que las lecturas ‘peronistas’ han desviado la atencion de la pintura en tanto tal como si la celebracion de la materialidad de los pigmentos y los trazos tuviera que ver con algun tipo de ornamentalismo politicamente ineficaz y por lo tanto, burgues.

Es quizá por ello que a metros de Berni en la sala correspondiente al ‘Arte de la Posguerra I’, el subtítulo colocado por la curaduría es el de ‘la nueva hegemonía’, uno supone de los Estados Unidos, en el marco de la Guerra Fría. El texto plantea que había ‘una disputa por la hegemonía cultural que se simplificó en una polémica entre abstracción y figuración’ (sic), para luego decir que ‘en Europa perduran los rasgos de una modernidad de preguerra. La innovación surge desde las superficies texturadas, la búsqueda de gestos infantiles o la violencia de colores contrastantes’. Este debate entre ‘abstracción y figuración’, uno debe suponer, presupone que la abstracción está vinculada al ‘Expresionismo Abstracto’ norteamericano en el que el subjetivismo no figurativo funciona como alegoría del sujeto maximizador de beneficios capitalista y la figuración tiene que ver con la claridad politica necesaria para comunicar el mensaje del ‘realismo socialista’.

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El problema con una aproximación tan simplificante del debate del arte de posguerra es que la evidencia visual no encaja en lo planteado por la curaduría. Es quizá por esto que dos de las obras más maravillosas de la coleccion deben ser marginadas al pasillo de una sala en la que dos muy menores Mark Rothko y un Jackson Pollocks sostienen el peso de tener que demostrar la supuesta ‘hegemonía cultural’ postulada.. Las obras que no encuentran su lugar en esta narrativa son ni mas ni menos que tres obras del británico Ben Nicholson y la Natura Morta de 1964 de Giorgio Morandi, cuatro pruebas fieles de los problemas que tamaña simplificacion conllevan. El problema con esta colgada es que al leer el arte como una ejemplificacion de un juego de posiciones ideologicas empuja las cuestiones formales y esteticas a un lugar irrelevante. IMG_1059

La sala siguiente esta dedicada al Arte Concreto y Abstracto Argentino y allí, las contradicciones del planteo curatorial de Roberto Amigo se siguien profundizando. Si bien uno podría pensar que, de acuerdo a lo planteado en las dos salas anteriores, el desarrollo del arte abstracto argentino estaría vinculado con la resistencia o alineación a los designios del centro hegemónico expresionista abstracto, la curaduría de Amigo cambia el eje del conflicto, aunque mantiene la lectura dialéctica y materialista al colocar al Arte Concreto Argentino en las antípodas del nacionalismo peronista. En este contexto, las exploraciones de Victor Magariños de la obra como ampliación perceptiva de los avances de la ciencia, Cesar Paternosto y la prolongacion de la pintura hacia lo laterales del bastidor para generar una continuidad espacial que subraya el character de objeto de la obra, aproximandose a las ‘estructuras primarias’, y los desarrollos de Alejandro Puente en material de análisis linguístico como base de la ‘programación’ del color, aparecen como anécdotas irrelevantes comparados a las grandes fuerzas dicotómicas que parecen dinamizar la historia, de acuerdo a la curación oficial.

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El Hegelianismo de la lectura de Roberto Amigo hace muy difícil ver a la pintura por lo que es y ‘Simulacros’ (1966) de Alfredio Hlito, ‘Pintura (en rojos)’ de Sarah Grillo (1958), ‘Pintura’ (1958) de Jose Antonio Fernandez Muro, ‘Lineas tangentes’ (1955/1956) de Alfredo Hlito, ‘Pintura’ (1966) de Manuel Espinosa, ‘Pintura’ (1964) de Victor Magariños D., ’Naranja, magenta y azul’ (1966) de Cesar Paternosto y ‘Composición geométrica’ (1949) de Juan Del Prete acaban siendo presentados como meros ejercicios plásticos que no logran expresar con la claridad de sus contraparte norteamericana el punto individualista y extranjerizante del que son acusados por el ‘nacionalismo peronista’.

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Esto hace que el espectador vea al arte abstracto argentino como un mero ejercicio intelectual sin relevancia histórica. Podría afirmarse que el modo en el que el MNBA presenta al arte abstracto argentino es ornamentalista y esto se profundiza en la sala siguiente dedicada al Arte Cinético Argentino. La maravillosa obra de Gregorio Vardanega de 1965 parece la version cinetica de la obra de Manuel Espinosa en la sala anterior. El espejamiento es obvio pero irrelevante para los fines de la diferenciación entre arte cinético y abstracto.

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Es en la sala siguiente en donde los limites de la lectura ideologizante se hace evidente y la curación decide darla por finalizada con el gesturalismo e informalismo Kasuya Sakai, ‘Gris con puntos oscuros’ (1959) de Clorindo Testa, la ‘Combustione’ (1960) de Alberto Burri y por supuesto, con Alberto Greco. Según el texto curatorial, ‘el fin de las utopias modernistas abre paso a los artistas que reivindican la materialidad fisica de la pintura, lo informe, la huella, el automatismo’. Es como si, para Amigo, la vuelta a la materialidad solo pueda ocurrir por fuera de todo control pictorico y virtuosismo que sigue siendo presentado como ‘burgues’. A esta altura uno se pregunta donde ha quedado la pintura argentina en medio de un esquema interpretativo tan rigido que, sin embargo, fue iniciado tres salas antes con Antonio Berni.

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La sala siguiente parece querer dar una respuesta parcial a estos interrogantes pero el resultado es preocupante ya que la pintura parece ir de la mano de la celebración de la tierra y lo indígena excluyendo toda iconografía que por urbana o de clase media pueda ser confundida con ‘burguesa’. En esta sala el canón de la pintura nacionalista, indigenista y gauchesca emerge con fuerza con Alfredo Gramajo Gutierrez y su ‘Retablo de Jesús’ (1937/8) y ‘El Embrujado’ de Cesareo Bernardo de Quiros y los paisajes serranos y cordilleranos de Walter de Navezio y Martin Malharro, respectivamente. A esta altura, es evidente que la curaduria del arte argentino no prestó ninguna atención a un genero fundamental en un país con la extension y belleza del argentino como el de la pintura de paisajes. Esto obedece que para Amigo el único arte importante es el que cuenta la historia de la lucha de ‘clases’.

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La lectura política y social se reafirma en la sala dedicada a ‘los lenguajes modernos 1920-1945 en tanto ilustraciones de situaciones sociales (inmigración, el campo, el trabajo, el teatro, etc). Esta sala presenta una obra por artista y la superposición de estilos y cercanía de una obra con la otra es tal que el disfrute de la pintura se pierde en lo que, a esta altura, podría ser considerado como un catálogo de pintura pero difícilmente una curación. Allí, ‘Santiagueños’ (1927) de Ramón Gomez Cornet, ‘La Mujer del Pantano’ de Juan Carlos Castagnino (1944), la increible ‘Mujer frente al mar’ (1947) de Luis Seoane, ‘La pérdida del hijo’ (1945) de Eugenio Daneri, ‘(Estudio) Retrato de Mujer’ (1937) de Miguel Diómede, ‘Entre telones’ (1936) de Enrique Jose de Larrañaga, ‘La Venus criolla’ (1934) de Emilio Centurion, ‘Cocina bohemia’ (1941) de Miguel Carlos Victorica, ‘Ribera de la Isla Maciel’ (sin fecha en el catalogo!) de Alfredo Lazzari, la maravillosa ‘Desde mi estudio’ (1938) de Fortunato Lacamera, la bizarra ‘Bocacalle de Sarandi’ (1940) de Gertrude Chale, ‘Playa’ (sin fecha en el catologo!) de Horacio Butler y ‘Calle de la Boca’ (1930) de Victor Cúnsolo pierden toda relevancia como manipulacion de la pintura y pasan a ser meras ilustraciones de procesos historicos y sociales. Esta no es una muestra de pintura sino de como la pintura ilustró lo que acontecía en el país leído desde una perspectiva ideologizada. A esta altura, uno comienza a creer que Roberto Amigo modelo el corpus del arte argentino como si fuera una gran escultura cuya forma coincide con el discurso nacionalista de centro izquierda del gobierno de Cristina Kirchner que, mas alla del posicionamiento politico del espectador, resulta irrelevante al momento de la construcción de un discurso visual de la pintura argentina, en tanto tal. Esto, en algún momento, debe ser revisado por el nuevo director.

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Comienza una intervención de mejora en el Museo Fallero

Valencia Noticias | Redacción.- Mañana miércoles se iniciará una actuación integral en el Museo Fallero que afectará a todas sus salas. “Ahora que ya hemos conseguido su oficialidad queremos acondicionar las instalaciones del Museo Fallero para hacerlo más atractivo y llegar a más gente, incluidos los turistas que lo visiten”, ha explicado el concejal de Cultura Festiva y presidente de la Junta Central Fallera, Pere Fuset.

La actuación conllevará que el museo esté cerrado entre los días 15 y 23 de junio.
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La actuación conllevará que el museo esté cerrado entre los días 15 y 23 de junio.

Entre las actuaciones previstas está la de repintar todas las salas con cromatismos diversos que singularicen las colecciones diferentes. Además, la pintura más oscura favorecerá la conservación preventiva de las piezas, sobre todo de los carteles históricos de Fallas, cuya degradación cromática se frena con colores más oscuros en las salas.

Por otra parte, se cambiarán todos los focos de las salas para mejorar la calidad de la iluminación. El sistema de leds permitirá un consumo más bajo y eficiente y favorecerá que la experiencia de las personas que visiten el museo sea mejor a la hora de contemplar al detalle los ninots indultados.

Otra intervención importante será la creación de una sala de exposiciones temporales. Llevará el nombre del poeta y dramaturgo Josep Alarte, ideólogo en 1967 de la puesta en funcionamiento de un museo fallero. Será inaugurada próximamente.

Por otra parte, se sustituirán 10 carteles históricos bastante deteriorados, fundamentalmente de los años 30, por ejemplares de los mismos años conservados en perfecto estado en el Archivo Histórico Municipal.

Además, se renovará la imagen gráfica del Museo Fallero, que lucirá una nueva identidad corporativa que se plasmará tanto en la señalética de las salas como en su próxima presencia en las redes sociales y en un museo virtual en forma de web.

“Hay que destacar que la actuación también incluye la modificación de todo el sistema de cartelería explicativa y la señalética del Museo Fallero, que a partir de ahora estará en diversos idiomas. Además del valenciano y el castellano también habrá información en inglés y francés para hacer más accesibles los contenidos de las colecciones y reformular la museografía del centro”, ha añadido para finalizar Fuset.

Las obras se iniciarán mañana miércoles, día 15, y acabarán el próximo día 23. Durante este período de tiempo el museo se mantendrá cerrado al público.

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EL TREN FANTASMA DE MIS AMIGOS Y ESA ESTATUA FRENTE AL MUSEO DEL PRADO

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La verdad es que me siento raro. Supongo que tras hacer los tours a Roma, terminar de escribir el guión de una película (en la que era protagonista con gran parte de mis penas y tribulaciones incluídas) y tras dar un número considerable de cursos de, por cierto, alta intensidad e involucrarme en varios coachings a artistas, dejé mucho de mí disperso por ahí. Este post me encuentra en Madrid, entre aviones, camino -tras menos de un mes- (o, más bien, de regreso)  a Buenos Aires donde voy a dar ánimo a mi mamá el proceso que confirmará si una de sus enfermedades volvió o no.  A esta altura estas son oportunidades para desplegar ese amor que, al menos entre nosotros, funciona mejor en crisis.

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Hoy, una amiga me decía que los aeropuertos conspiran a mi favor y tras la mini crisis de ayer con el paro de pilotos de Air France, cambié mi itinerario y sin proponérmelo acabo de pasar cinco horas en el que supongo es mi verdadero hogar: el Museo del Prado. No digo esto desde el presuntuoso lugar del critico de arte especialista en Velazquez. Ténganme paciencia. La espera fue la suficiente como para, incluso, ir a ver la muestra del Bosco que convierte a sus pintura en espejos en los que el espectador mira su interior para forzarlo a tomar una decisión moral que es la de hacer o no lo correcto. Pero cómo tomar la decisión correcta cuando, a veces, nuestra percepción de las cosas no es la correcta. La mayoría del tiempo yo vivo bajo el encanto de una ilusión otras veces vivo bajo los designios de mis propias mentiras.

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Es que como me siento raro, hago cosas raras. Ayer imaginaba que el agente inmobiliario que me iba a alquilar un departamento durante mi estadia en Buenos Aires y a quien conozco mucho y bien, había fraguado la página de Internet para así convencerme de un precio que no era. No solo eso, lo acusé de deshonesto e insistí en la acusación.  En la paranoia, a veces visito el cuerpo de mi madre y opero en consecuencia. A veces no sé quien soy.

Tras los maravillosos tours a Roma estuve en Londres, mi hogar, durante una semana en los que aproveché para abrir correspondencia, pagar cuentas y ver amigos y quiza por vez primera, no sentí a Londres como mi hogar. Tampoco siento a Buenos Aires como mi hogar. En realidad, siento que no pertenezco a ningun lado. Lo mío es la desconexión. En realidad, puedo conectar a un lugar y lo acabo de hacer hace un par de horas pero no tiene que ver con el arte. No es sólo un lugar sino una coordenada que, en tanto tal, existe en el tiempo y en el espacio. Hoy pase por ahí. Es un vortex de mi vida frente a la estatua romántica (en sentido académico y también, para mí, literal) de Diego Velazquez emplazada frente a uno de los lados del Museo del Prado. Allí hace casi exactamente cuatro años, estando fuera de mí y tan pero tan lejos, pude, finalmente, hacer contacto. . Yo tenia puesta una camisa rosa imposible y él tenia esos ojos tristes que todavía me hacen soñar. Toda la obra del Bosco tiene forma de ojos: literal y competitivamente. Aquel era un momento triste como todo momento mojado en sustancias que, por definición, siempre sienten acabarse; sin embargo, fue en ese momento que anidé. Fue allí donde me quedé y no me puedo mover. Muchas cosas me ocurren, muchos lugares visito pero yo sigo allí.

Una hija de un padre que quizo violarla, un decimotercer aborto fallido, el balde en el que uno de los ladrones de bancos más celebres de Inglaterra vomitaba son algunos de los componentes de ese tren fantasma que constituyen mi grupo de amigos que durante los últimos años dejé entrar porque sé que, tarde o temprano,  no pueden acercarse. Nunca suelto el timón en ese frente de mi vida. El miedo a la intimidad. La nave de los locos. Nuevamente el Bosco.

Antes de ayer, fui a correr con mi ex Konstantinos quien, dicho sea de paso es psicólogo y con quien me llevo muy pero muy bien. Lo admiré por lo lindo y lo bien parado frente a la vida que está pero no lo deseo. Helas! En un descanso me preguntó cuál era mi ‘release’ lo que en castellano puede traducirse como ‘cómo me relajo’ o ‘qué hago para tratarme bien’. Me shockeó darme cuenta no saber qué es lo que me gusta. Tras mis años en el pais del placer artificial lo único que hago es estudiar, escribir y trabajar. No sé como relajarme. En realidad tengo miedo de relajarme porque al relajamiento sobreviene la fragilidad y allí está la posibilidad de la intimidad y asi el fin del encantamiento de ese Castillo de cristal que construi practicamente solo hace cuatro años frente a ese monumentos a metros de la entrada del Museo del Prado. J A T

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El Museo Nacional de Arte danés eliminará palabras ofensivas de los títulos de sus obras

El Museo Nacional de Arte de Dinamarca ha anunciado que retirará todas las palabras que sean potencialmente ofensivas de los títulos y descripciones de las obras de arte que tenga expuestas por otro términos que sean más neutrales, tal y como ha anunciado el responsable de colecciones al diario danés ‘Politiken’.
LA VOZ LIBRE

LA FUNCIÓN DE UN MUSEO NO ES GARANTIZAR UNA UNIVERSAL Y DEMOCRÁTICA APRECIACIÓN ARTÍSTICA

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En un interesante artículo escrito por Seph Rodney para el blog Hyperallergic, el autor explora la cuestión de la falta de igualdad de oportunidades en las instituciones culturales del Primer Mundo y al hacerlo, casi sin querer, plantea una serie de preguntas sobre los objetivos de un museo y los malosentendidos entorno de esta institucion cultural. Bajo el título ‘La lucha entorno de la diversidad en la Asociación Americana de Museos’ (cliquear aca para leerlo), Rodney pone la lupa en el debate que tuvo lugar en una de las sesiones llamada ‘El Futuro de los Museos’. Allí se discutieron los criterios de selección de personal y las pasantías gratuitas en instituciones culturales.

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En dicha reunión, Nicole Fellow quien, según Rodney es una ‘futurista de la museologia y Mellon/ACLS Public Fellow dijo: ‘la principal preocupación que tenemos hoy es brindar pensamiento estratégico a como se planteará el trabajo en los museos en el futuro’. Esto suena muy lindo, desde ya, pero la idea de ‘pensamiento estratégico’ tiene más que ver con planteos institucionales que con el rol de los museos per se. En otras palabras, esta fue una conferencia que abarco lo que Leo Tolstoi en su ‘Qué es el Arte?’ llamó ‘la burocracia del arte’. Y, por supuesto, la burocracia siempre busca medios para perpetuar su lugar. Sin embargo, qué tienen que ver los museos con esto?

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Rodney está en lo cierto al decir que el modo naturalizado de excluir a los pobres de los puestos de trabajo en el circuito del arte (museos y galerias) es a través del sistema de pasantias no rentadas. También está en lo cierto al señalar que en la discusión de la AAM, Therese Quinn propuso negar acreditación y membresía a todas aquellas instituciones museísticas que continúen teniendo un sistema de pasantías no rentadas.

Lo cierto es que una vez le pregunté a la directora del Courtauld Institute por qué había tan pocos alumnos de raza negra en la institución, a lo que respondió que a los negros no les interesa el arte europeo y tampoco les interesa trabajar en carreras que no les dé beneficios económicos inmediatos y les permita avanzar en la vida. Posiblemente estaba en lo correcto dado que en el mundo del arte lo que se intercambia no es necesariamente dinero sino prestigio y status. De hecho, las familias ricas del mundo mandan a sus hijas a trabajar a Sotheby’s y Christie’s como si estas fueras las ‘finishing schools’ de tiempos corporativos.

El argumento de Rodney es sólido, sin embargo cuando dice que ‘los museos nacieron en el Iluminismo con la promesa de la educación universal – promesa que nunca llego a cumplirse’, el autor termina poniendo el carro adelante del caballo. La política que desde veinte años viene llevandose adelante en los museos poniendo gran parte de los esfuerzos en la experiencia del visitante, haciendo dicha experiencia más y más personalizada, no tiene que ver con los objetivos y funciones de un museo. Exigirle eso a un museo es seguir poniendo recursos en un sistema, de por sí elitista, como el sistema del arte y su burocracia. El hecho es que los museos no emergieron para satisfacer los criterios de educación universal sino para proveer imágenes, modelos y copias para que los artistas se entrenen y construyan el muy iluminista ideal del ‘arte nacional’. Los museos surgieron para los artistas y no para la gente. La relación entre el museo y la democracia es mucho más indirecto de lo que Rodney y Hyperallergic dan por sentado. Hoy, los museos en el mundo han caído bajo el discurso de demagogia social y corrección politica de la inclusión de toda la sociedad porque se han convertido en una industria pero no en todos lados esto es viable. Sin ir más lejos, nuestro Museo de Arte Moderno es, sin ningún lugar a dudas, deficitario lo que implica que desvía recursos de donde podrían estar mejor adjudicados como la salud o la educación. Dicho de otro modo, no es la función de los museos enseñar a la gente ‘apreciación artística’ sino del sistema educativo. Por supuesto, si en un país como los Estados Unidos movemos la discusión a la cuestión de la igualdad de oportunidades en el sector educativo, el abismo de la desigualdad se abre frente a ellos y revela una sociedad profundamente desigual que usa a los museos para crear la ficción de la universalidad educativa. J A T

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DEJARON UNOS ANTEOJOS EN EL PISO DEL MUSEO Y TODOS CREYERON QUE ERA UNA OBRA DE ARTE

Unos adolescentes de San Francisco causaron un gran revuelo recientemente cuando dejaron unos anteojos en el suelo de un museo de Arte. Sin saber lo que realmente era, los visitantes, divertidos, hicieron lo único que se les ocurrió: pensaron que era una obra de arte y empezaron a fotografiarla.

Los bromistas (conocidos en Twitter como @TJCruda y @k_vinnn) decidieron gastar la broma tras quedar poco impresionados con la exposición del Museo de Arte Moderno de San Francisco. Y pocos minutos tras dejar los anteojos en el suelo en el suelo, una multitud de curiosos se había reunido para cuestionar el significado metafísico de esta obra de “arte” moderno. Uno de los adolescentes, T.J. Khayatan de 17 años, documentó la respuesta del público y luego subió a Twitter las fotos del divertido experimento. No hace falta decir que pronto se volvieron virales, compartiéndose las imágenes más de 40.000 veces hasta el momento.

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LA CARA DE PELOTUDOS PSEUDO-HIPSTERS DE LA MUESTRA ‘OPERA PRIMA’ EN EL MUSEO DEL BICENTENARIO ES PRUEBA FIEL DE QUE LA MISMA ES UNA XONGA

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LA OBRA ES COMO ELLAS. UNA BOLSA DE PAPAS SIN LIMPIAR

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LA OBRA ES UN OASIS DE NEUROSIS OBSESIVA MAL EJECUTADA PARA EVITAR QUE SE LA GARCHEN

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PIPO CIPOLLATI PERO ABSTEMIO

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LA TIPICA CRIOLLITA CON CARA DE QUE, FINALMENTE, EL MUNDO RECONOCE LO QUE ELLA SIEMPRE SOSPECHÓ…. QUE ES UNA GENIA.

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El Museo Fallero consigue el reconocimiento de su oficialidad

Valencia Noticias | Redacción.- Cinco meses después de que comenzaran los trabajos para obtener el reconocimiento como un museo oficial más, el Museo Fallero recibió esta consideración. El Diari Oficial de la Comunitat Valenciana (DOCV) publica hoy la resolución de la Conselleria d’Educació, Investigació, Cultura i Esport por la que el Museo Fallero se reconoce como museo de la Comunitat Valenciana.

“En muy poco tiempo hemos conseguido revertir una situación anormal que suponía un agravio perjudicial para el mundo de las Fallas. El Museo Fallero merece que se reconozca su oficialidad y es una buena noticia haberlo conseguido”, afirmó el concejal de Cultura Festiva y presidente de la Junta Central Fallera, Pere Fuset.

En la resolución, la Conselleria constata que el Museo Fallero cumple con todos los requisitos que marca la legislación vigente para el reconocimiento de museos y colecciones museográficas. “Para que el Museo Fallero se reconozca por fin como un museo eran necesarias diversas cuestiones, como el nombramiento de un director. Por eso escogimos al señor Gil Manuel Hernández, una de las personas más apasionadas en el estudio de nuestra fiesta. Él ha sido el encargado de realizar un plan museístico fundamental, que ha sido aceptado por la Conselleria. Han sido unos meses de trabajo muy intensos y le felicito a él y a todo el equipo que ha hecho posible esta gran noticia para el mundo de las Fallas”, explicó Fuset.

El Museo Fallero acoge en el barrio de Monteolivete desde los años 70 una colección de ninots indultados con más de ocho décadas de historia.
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El Museo Fallero acoge en el barrio de Monteolivete desde los años 70 una colección de ninots indultados con más de ocho décadas de historia.

El Museo Fallero acoge en el barrio de Monteolivete desde los años 70 una colección de ninots indultados con más de ocho décadas de historia. Su director, Gil Manuel Hernández, destacó que en 2015 fue uno de los museos valencianos con más visitantes, al superar los 93.000.

“Es una muy buena noticia porque podremos aspirar a fondos económicos para modernizar sus instalaciones o conservar sus fondos únicos, que son los únicos en todo el mundo seleccionados por votación popular. A partir de ahora lo coordinaremos con el resto de museos falleros de todo el territorio valenciano para compartir exposiciones y cooperar en estrategias conjuntas y así colaborar a la hora de explicar las Fallas al mundo entero”, dijo para finalizar Fuset.

En la misma línea seguida con el Museo Fallero ya se han iniciado los trabajos para que se reconozca también la oficialidad de los museos del Corpus y de la Semana Santa Marinera de Valencia.

La publicación en el DOCV del reconocimiento del Museo Fallero como museo oficial coincide con la celebración del Día Internacional de los Museos, para cuya conmemoración se ha programado una serie de actividades que ya empezaron ayer martes en el Museo del Corpus – Casa de las Rocas, con una explicación detallada del proceso de restauración de las rocas, entre otras actividades. Esta tarde, las visitas guiadas permitirán recorrer el Museo de la Semana Santa Marinera Salvador Caurín, donde también habrá una charla sobre la patrimonialización de la Semana Santa Marinera de Valencia. Finalmente, el domingo por la mañana también habrá visitas guiadas para conocer mejor el Museo Fallero.

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El Museo de Bellas Artes de Valencia restaura obras del siglo XX para incorporarlas a la colección permanente

El Museo de Bellas Artes de Valencia restaura obras del siglo XX para incorporarlas a la colección permanente

El Péndulo | Redacción.- El Museo de Bellas Artes de Valencia, con la colaboración de CulturArts IVC+R, está restaurando diversas pinturas del siglo XX para incorporarlas a su colección permanente dentro del plan de recuperación de obras que está realizando para ofrecer un museo vivo y en continua renovación.

Entre las obras que en estos momentos están en el taller de restauración del Museo se encuentran ‘La muerte de D. Quijote’ (1926), de José López Tomás; ‘El sátiro’ (1906), de Antonio Fillol; y ‘La matanza de los inocentes’ (ca. 1936), de Rosario Velasco.

Museo de Bellas Artes de Valencia.
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Museo de Bellas Artes de Valencia.

Son cuadros de grandes dimensiones que, una vez concluya su restauración, serán incorporados a la colección permanente y servirán para mostrar a los visitantes obras hasta ahora ocultas.

El primero de los cuadros que se expondrá será ‘La muerte de D. Quijote’ (1926), del pintor alicantino José López Tomás, con el que el Museo de Bellas Artes quiere homenajear a Miguel de Cervantes en el cuarto centenario de su muerte.

Esta obra también recibe el nombre de ‘En los nidos de antaño, no hay pájaros hogaño’ (último refrán que aparece citado en ‘El Quijote’ II 74), y refleja el momento en el que Don Quijote recupera la cordura. El Museo tiene previsto exponer el cuadro acompañado de un ejemplar del libro que explique la escena y se ubicará en el vestíbulo principal del Museo.

‘El sátiro’, de Antonio Fillol, retrata una escena de gran dureza social: una niña tras ser violada asiste a una rueda de reconocimiento en la cárcel de las torres de Serranos. Esta obra formará parte de la exposición itinerante que organiza el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana hasta diciembre de 2016, y posteriormente, se incorporará mediante un contrato de comodato suscrito entre la Conselleria d’Educació, Investigació, Cultura i Esport y sus propietarios a los fondos del Museo de Bellas Artes por un período de cinco años.

Por su parte, ‘La matanza de los inocentes’, de Rosario Velasco, recordando un pasaje evangélico, denuncia los daños colaterales que producen los conflictos bélicos en la población civil, como queda reflejado en los rostros de angustia y dolor de las mujeres y de sus hijos.

Estos dos últimos cuadros se enmarcan en la corriente de vanguardias pictóricas de denuncia social que fueron relegados al ostracismo por su mensaje molesto e incómodo para los poderes públicos y la sociedad del momento.

El Plan Museológico del Museo de Bellas Artes de Valencia incluye entre sus líneas de trabajo la recuperación de patrimonio y obras de arte de los siglos XIX y XX, que hasta ahora se guardaban en los almacenes, y su inclusión en la colección permanente atraerá nuevos visitantes.

El director del Museo de Bellas Artes de Valencia, José Ignacio Casar, señaló que “estas actuaciones ejemplifican el trabajo a buen ritmo que el Departamento de Restauración del Museo, en colaboración con CulturArts IVC+R, está realizando en los últimos meses para que, cuando acaben las obras de la quinta fase del edificio y se ponga en marcha el Plan Museológico, se puedan añadir nuevos contenidos a la colección permanente”.

Este artículo es un contenido original de Valencia noticias

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El líder de un partido ultraderechista de Austria visita el Museo de la Historia del Holocausto de Jerusalén

El líder del partido ultraderechista austriaco Partido de la Libertad, Heinz-Christian Strache, ha visitado este martes el Museo de la Historia del Holocausto de Jerusalén, según ha informado el diario israelí ‘The Jerusalem Post’.
LA VOZ LIBRE

CON EL MUSEO DE DILLER, SCOFIDIO + RENFRO, LLEGA LA ARQUITECTURA CYBORG A RIO DE JANEIRO

TEXTO DE CLEO

Justo hoy llegue a Rio! Agrego este video a mis vivencias del dia… gracias! Este lugar tiene mucha magia… el clima, la naturaleza, los cuerpos, la ciudad, todo se combina de una manera extraña, algo cambia.

Y me encontre con la construcción del museo de imagen y sonido en Copacabana diseñado por el estudio Diller Scofidio + Renfro

“Instalado à beira-mar, em plena Avenida Atlântica, a nova sede do MIS / Museu da Imagem e do Som será o espaço da identidade carioca. Sua concepção arquitetônica propõe um prédio que, numa representação gráfica, é uma reprodução do famoso calçadão do bairro, dobrado e transformado num boulevard vertical: um diálogo com a paisagem que democratiza a vista da praia e surge como um novo ícone arquitetônico para a cidade. A ideia é que o museu se transforme num novo ponto de encontro para os próprios cariocas e turistas, brasileiros e estrangeiros.

Me parece interesante como este nuevo edificio plantea o intenta plantear una nueva relacion entre el hombre y la naturaleza, “una relacion mas democratica”. Sin embargo es curioso que el estudio que gano el concurso sea el mismo que hizo el museo en Boston, el mismo que parece siempre querer controlar al espectador, que se empecina tanto en mirar hacia afuera y olvida el interior, el contenido.

Hoy veia los edificios que miran al mar, y la gran mayoria fueron construidos sin balcon. Estan frente al mar pero encerrados en si mismos y que esta caracteristica obliga a sus habitantes a bajar a la playa, a salir de ese encierro y nivelarse con los demas.

En la pagina del museo dice “todo el mundo tiene derecho a la vista de copacabana”. Supestamente este nuevo museo va a democratizar ese derecho. En primera fila estan los edificios mas caros de Rio con una vista privilegiada, pero justo detras, aparece la favela luchando por tener esa misma vista privilegiada.

Aca el link del nuevo museo
http://www.mis.rj.gov.br/conocenos/

VENÎ A ROMA CONMIGO A FINES DE MAYO!

 


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CON CAMIONES SCANIA ESTACIONADOS FRENTE AL MUSEO DE ARTE DECORATIVO, EL MINISTERIO DE CULTURA DEBERÍA PENSAR EN LIMITAR EL USO PRIVADO DEL PATRIMONIO ARQUITECTÓNICO

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TEXTO DE ROMIX

Hola Rodrigo,

Sé que se hacen estas cosas, pero anoche fui a correr a Palermo y me chocó mucho ver el palacio Errazuriz Alvear, actual Museo de Arte Decorativo con 3 camiones estacionados carpas y luces giratorias de scania,muy grasa todo. Muy destructivo

Scania festejó sus 40 años en Argentina

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ESTÁ ABIERTA LA INSCRIPCIÓN PARA EL CURSO DE ARTE GÓTICO Y PRE-RENACENTISTA LANP -ABRIL/JUNIO DEL 2016

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CLASE 1 – GÓTICO TEMPRANO – JUEVES 14 Y VIERNES 15 DE ABRIL

Introducción: Arquitectura Románica versus Arquitectura Gótica. El Abad Suger y Saint Denis. La Catedral de Sens, Notre Dame de Paris, Laon y Tournai. Las variaciones de finales del siglo XII en St.Remi en Reims y Noyon.

Inglaterra: Ripon Minster, Byland Abbey y las Catedrales de Worcester, Wells, Canterbury.

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Clase 2: EL ALTO GÓTICO DEL SIGLO XIII – JUEVES 21 Y VIERNES 22 DE ABRIL

Las Catedrales de Chartres, Reims, Bourges y Amiens. Los estilos regionales en Auxerre, Dijon, Bayeux y la técnica ‘tas-de-charge’.  Los modos constructivos ‘rayonnantes’ y góticos tardíos. Las fachadas del Alto Gótico Rayonnante. La fachada de la Catedral de Clermont Ferrand, Amiens, Rouen. La emergencia de la profesión del ‘arquitecto’. España: la Catedral de Toledo, Lérida y León. Inglaterra y el desarrollo de un estilo gótico ingles en Lincoln, Wells, Glasgow, Beverley Munster y Salisburgy. El estilo Rayonnant en Inglaterra: Westminster Abbey, Exeter Cathedral y York Münster.

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Clase 3: GÓTICO TARDÍO Y EL ESTILO ‘DECORADO’ – JUEVES 28 Y VIERNES 22 DE ABRIL

Las ventanas y los arcos de St Stephen’s Chapel en Westminster Palace y Winchester Cathedral. La Catedral de Ely, las bovedas de Wells, Gloucester, Sherborne Abbey y Durham Cathedral. Análisis en profundidad de dos casos: St George’s Chapel en Windsor Castle y Herny VII’s Chapel en Westminster Abbey.  La Catedral de Praga y la comparación entre las bovedas centro europeas e inglesas: Ulm Minster, Estrasburgo, Mechelen, Louvain, Leider, Liège, ‘s-Hertogenbosch, Utrecht, Antwerp. España: Sevilla y Girona.

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Clase 4: EL GÓTICO ITALIANO Y UNA INTRODUCCIÓN A LA PINTURA DEL SIGLO XIII EN SIENA Y FLORENCIA – JUEVES 5 Y VIERNES 6 DE MAYO

La Catedral de Siena, Santa Croce en Florencia y Santa Maria Novella. Las catedrales de Florencia y Milán. La pintura en Florencia y Siena. Cennino Cennini y el status gremial de los pintores y los contratos. Analisis del desarrollo de la base de Gesso para la pintura sobre panel. El dorado y repujado preparatorio del diseño. Los colores y su composición química.

BREAK HASTA EL 9 DE JUNIO

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Clase 5: EL MAESTRO DE SAN FRANCISCO Y GIOTTO DI BONDONE – JUEVES 9 Y VIERNES 10 DE JUNIO

Análisis en profundidad del Cruficijo del Maestro de San Francisco y el Pentescostal del Giotto (parte de una predella). Análisis intensivo de la Capilla Scrovegni en Padua.

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Clase 6:  DUCCIO DI BUONINSEGNA – JUEVES 16 Y VIERNES 17 DE JUNIO

Análisis en profundidad de La Maestà prestando especial atención al panel de la Anunciación (en comparación con los del Círculo de Guido de Siena), al panel de Jesus abriendo los ojos del ciego y la Transfiguración. La Virgen y el Niño con Santos.

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Clase 7: UGOLINO DI NERIO Y LOS HERMANOS DI CIONE – JUEVES 23 Y VIERNES 24 DE JUNIO

Los fragmentos del Altar de Santa Croce de Ugolino. El dorado y los modos de preparacion. El moldeado del rostro de la Virgen en comparacion con los profetas. El comienzo del auge del arte florentino con los Di Cione. Analisis detallado del fresco del Paraiso en la Capilla Strozzi en Santa Maria Novella en Florencia. Analisis de caso del San Juan Bautista y Evangelista y Santiago en el panel de San Giovanni Battista della Calza en Florencia.

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Clase 8: LA CRUCIFIXION DE JACOPO DI CIONE Y EL ALTAR DE SAN PEDRO MAGGIORE DE JACOPO DE CIONE.  JUEVES 30 Y VIERNES 1 DE JULIO

Analisis técnico, químico e iconográfico.

Clase 9: REPASO GENERAL Y PRESENTACIÓN DEL RENACIMIENTO. VIERNES 8 DE JULIO

LA INSCRIPCION ES POR ORDEN DE LLEGADA Y POR PAYPAL/
PARA RESERVAR TU LUGAR CLIQUEÁ ACÁ O ENVIÁ UN EMAIL A [email protected]


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#EPICFAIL del museo de cera de Madrid

El Museo de Cera de Madrid alberga muchos horrores… y no sólo porque albergue una parte dedicada al miedo y a los personajes de terror. Los escultores deben ser maestros en creatividad, porque algunas de las figuras son… sobre todo, originales. ¿Guardan parecido con la realidad? No, eso no. Al menos hay que dar gracias porque se parecen un poco, y podemos identificar a los famosos, pero poco más .

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Penélope Cruz

Penélope Cruz es la actriz de nacionalidad española que más destaca en el panorama internacional. Su salto a Hollywood y su participación en películas de grandes presupuestos, como la reciente “Zoolander 2”, ha hecho que su caché subiera. Por tanto, tenía que tener su propia estatua ene el Museo de Cera de Madrid.

Aunque esto está más cerca de significar que se merece algo horrible, que que sea un honor. Porque a primera vista, parece Olivia Molina, una mujer también muy guapa y con las mismas características que Penélope. Deberíamos dar gracias por el hecho de que se parezca y de que no parezca un troll, porque eso ya es un logro. 

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Rafa Nadal

Nos horroriza esta foto. Más que nada porque la cara del pobre Rafa, la del Rafa real, es la de… la de no saber qué hacer. Rafa Nadal es una de nuestras estrellas del deporte, y una de las personas que más admiramos. Lamentablemente, los guiñoles franceses que tanto se meten con Nadal, guardan más parecido que esta estatua de cera.

No sabemos qué problema tiene el escultor de esta entidad, porque podría hacerlo mucho mejor. ¿Acaso solo hay uno? ¿No podrían mandarlo fuera para que aprendiera ciertas técnicas? No sé, que aprendiera algo en el Museo de Madame Tussauds en Londres, cuyas figuras son hiperrealistas. O tal vez es hora de contratar a alguien nuevo.

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Santiago Segura

Este sí parece un guiñol. Sabemos que Santiago Segura ha bajado y subido de peso numerosas veces para interpretar el papel de “Torrente”. Sin embargo, parece que aquí le han adelgazado de más, para ahorrarse unos cuantos kilos de cera. Y porque tiene el nombre en la camiseta, porque si no, ni lo reconoceríamos.

Lo que da la impresión al ver estas figuras, es que aquellos que se dedican a modelar las esculturas toman ciertos rasgos característicos: el pelo, algunos gestos faciales….  y luego los exageran,como si fuera una caricatura. Seguramente, Santiago Segura podría hacer un monólogo sobre esto, al que irían todos de invitados. 

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Induráin

A todos nos solía caer bien Induráin. Entonces, si nos caía tan bien, ¿por qué le hemos hecho esto? Sí, perdura para siempre…. pero perdura como una aberración, como un error y un castigo divino. Muchos de los famosos aún tienen pesadillas en las que les persiguen su propia estatua de cera. El gran honor se lo pueden dejar para la bici.

Estas estatuas conmemoran un evento exacto, o una etapa de España muy importante, y aunque lleva bastante tiempo , nos gusta que en todo el museo haya diguras de la época de Maricastaña. Así nos damos cuenta de que el talento del que hace las figuras no ha variado nada. Ni a peor, pero tampoco mucho mejor.

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Lina Morgan

Lina Moran ha sido una de las grandes artistas del cine español, con éxitos como “La tonta de bote”. Y es verdad que en alguno de sus papeles, destaca por las muecas y las expresiones faciales que tiene. Sin embargo, esto, que han querido expresarlo en un par demuecas, ha quedado más bien en intentar imitar un animal. 

Si Lina Morgan levantara cabeza, se burlaría de ella misma, y de su propia estatua. no nos hacen falta estos recuerdos para mantener viva la imagen de una persona… pero agradeceríamos que ya que están, los hicieran un poco más más exactos.

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José Luis Rodríguez Zapatero

Hay un ala entera dedicada a la política y a personajes destacados del panorama político. Y no, todavía no están Pablo Iglesias ni Albert Rivera, pero probablemente sean las próximas figuras que vayan a añadir a esta zona. No es que sean muy difíciles, y es verdad que con Zapatero han acertado, aunque sea un poco.

Nosotros tenemos la teoría de uqe tienen un par de moldes de mujer y otro par de hombre. Y luego se elabora la cara. Pero esto último, que es lo más importante, lo hace el becario de turno, y al final, el resultado es el que es: igual el cuerpo no es perfecto, pero no nos importa, al menos no tanto como el de la cara. Porque eso es lo que nos impacta.

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Fernando Alonso

Este es un epicfail de los grandes. De los más grandes que hay en el Museo de Cera de Madrid. Una cosa es que quieran retratar toda la expresividad que puede tener una estatua, pero lo que han hecho es más bien caricaturesco. Es casi una parodia del propio Alonso, hay que hay que decir que el propio Alonso es una parodia de sí mismo.

Si no fuera por el tema de la ropa, diríamos que es cualquier otra persona o cosa. Porque hay algo en estos muñecos que nos da escalofríos. Tal vez sea lo tersa de la piel. Es normal, es cera, pero hay estatuas hiperrealistas de otros materiales que son réplicas exactas de personas. Esto se queda en… arte español. Dejémoslo así.

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David Bisbal

David Bisbal fue el primero de los triunfitos en tener su propia estatua. La verdad es que algún parecido tiene, aunque más bien parece Bisbal después de haber pasado por el quirófano para hacerse un lifting y dejarle la piel totalmente lisa. Los rizos dejaron de llevarse hace años, y evidentemente, no lo podemos reconocer por su voz.

Así que en realidad, si reconocemos a Bisbal en esta estatua, además de por esos rizos perfectos engominados con espuma, es por el estampado de esa camisa, que realmente “es muy Bisbal”

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La Reina Letizia

Esta figura nos horroriza, pero debe tener algo, porque aunque no parece ella, nos recuerda perfectamente a su hija, la infanta Leonor, actual princesa de Asturias. Además, hay que tener en cuenta cuándo se hizo esta estatua. Porque probablemente fuera antes de que la Reina se hiciese ciertos retoques de aquí y allá.

Otra cosa importante es la de la ropa: el diseño de este maniquí también es exclusivo, como los modelitos que lleva la reina? ¿O son copias baratas procedentes del chino?

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Beyoncé

Esta es la última adquisición del Museo de cera. Y hemos de decir que nos esperábamos algo peor. Es verdad que nos parece una Beyoncé un poco estrábica y en una posición poco natural, pero es verdad que Beyoncé actúa de cualquier forma menos natural. Por lo menos hay que reconocer que en el tono del piel y del pelo han acertado un poco más que en el resto.

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Ocio