LA OBRA DE ARTE NI DICE, NI EXPRESA, NI REPRODUCE NADA. SIMPLEMENTE EXISTE

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ESTE TEXTO NO FUE ESCRITO POR MI SINO POR FERNANDO QUIRÓS

La verdad, es que es cierto que para imponer un nueva visión en el arte, una propuesta que sume se necesita mucha impronta y audacia, y para esto generalmente se ha tratado de demoler lo anterior, demonizarlo, al menos hasta que la tormenta pase, pero, es el colmo cuando las declaraciones (como es el caso), traspasan los umbrales de su propia inteligencia para internarse en el reino de la idiotez a secas.

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Malevich es un pintor que me fascina desde el primer día en que me topé con “Cuadrado negro” del 1915.

Sin embargo la vanguardia rusa hablaba del suelo “en el que medran las pútridas flores de la imitación”. 

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Strzeminski, artista influído por Malevich, dice que la obra de arte debe construirse según sus leyes, sin modelo alguno. En su opinión, la organicidad de una obra de arte acostumbraba antaño a ser perseguida imitando las formas orgánicas de la naturaleza o las matemáticas pitagóricas. Pero eso ya no puede hacerse. las leyes del arte no pueden reducirse a las leyes de la naturaleza. 

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La obra de arte ni dice, ni expresa ni reproduce nada; “simplemente existe”.

El problema de esto para mí es la enorme influencia que produjo semejante declaración…….osea, estos señores, más infinidad de tropas dispuestas a fogonear quien sabe que, pero dispuestas a subirse al escalón de la “vanguardia” pretendieron persuadir y convencer que la obra de arte existe por sí sola.

La mímesis, un ejercicio involuntario, inconsciente si se quiere, osea inevitable por la propia naturaleza del que hace “arte”, es quizás la columna vertebral del artista, su savia, su conexión con el resto (de los receptores), su conexión con él mismo, todo esto es a través de la mímesis, en el más amplio y profundo significado del término.

ARGENTINA FESTEJA SU BICENTENARIO CON UN ACUERDO CORPORATIVO CON LA REACCIONARIA CLASE MEDIA PARA PERPETUAR SU ADOLESCENCIA (A COSTA DE LOS POBRES)

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UN GRUPO DE ARTISTAS SE CONVOCARON PARA PINTAR ‘PENES’ ESTE SÁBADO SOBRE LA ‘INTERVENCIÓN’ MEDIANTE LA CUAL MILO LOCKETT VANDALIZÓ LA OBRA DE PABLO MOTTA

MIENTRAS EDITO MI ENTREVISTA CON PABLO MOTTA (EL ARTISTA CUYO MURAL MILO LOCKETT TAPÓ), CUMPLO EN CONTARLES QUE ES MUY PROBABLE QUE ASISTA A LA JUNTADA PARA PINTAR PENES SOBRE LA ‘INTERVENCIÓN’ DE MILO LOCKETT EN LA PLATA

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CUÁNTE VALE A PARTIR DE HOY UNA OBRA DEL DIFUNTO NICOLÁS GARCÍA URIBURU?

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Si la poetisa Marina Mariasch se pone en contacto con vos es, posiblemente, porque quiere ganar guita. Para los que no la recuerdan, ella es una de las artistas K que participaron en la performance en toalla frente a la Bagneuse de Manet en el marco de Los Bellos Jueves del MNBA. Hace unos meses, la mencionada ‘ninfa’ entro en contacto conmigo quejándose por la decisión de Mauricio Corbalán, como Jurado del Premio Konex de Site Specific, de dejarlo desierto al considerar que ninguna obra reunía las condiciones para ser seleccionada. Hoy, con el cadáver todavía tibio de Nicolás García Uriburu, se contactó conmigo para pedir una tasación para una Gioconda de el difunto artista, en su poder. Esa pregunta abre toda una serie de consideraciones del valor del arte argentino y como se suele valuar. Si la Gioconda es en tela (y no serigrafía), es original y se puede comprobar la procedencia, querida Marina, tenés unos buenos mangos.

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Hay varios modos de abordar la cuestión de la valuación del arte argentino pero, para ser realistas, tenemos que plantear dos escenarios. El primero corresponde al valor esperado osea, el valor solicitado por alguna galería o coleccionista privado y el segundo corresponde a su valor real de reventa, es decir, si lo compro a cuanto lo puedo revender. Bueno, el primer problema que la tasación de arte argentino es la proliferación de cuadros falsos de este artista o de otro. Con esto no quiero decir que haya obras de Nicolas Garcia Uriburu falsas sino que el mercado de arte argentino al haber sido usado como plaza de lavado de dinero de la corrupción política durante los últimos veinte años (Ignacio Gutierrez Zaldívar, Roldán, Benzacar, Rubbers, entre otros) está infestado de arte falso que fue vendido a los corruptos que querían esconder sus divisas malgastadas (y supongo que ‘el que roba a un ladrón tiene cien años de perdón’). El resultado de esto es que hay en el mercado del arte argentino una gran cantidad de obras que van a competir con las obras de Nicolas Garcia Uriburu para conseguir comprador y esto plantea un problema que no debería existir.  Dicho de otra manera, el arte argentino, antes de empezar y en su propia plaza, enfrenta la ventaja pero también el cepo que le impone el haberse financiado con dinero de corrupción y en negro. Sin ir más lejos, mi ex compañero de facultad, Alberto Perez (segundo de Scioli durante la gobernación) salió (según un par de galeristas) con desesperación a comprar arte durante los dos últimos años. Es muy probable que lo que se le vendio sea falso. Sin embargo, es obvio que Alberto Perez no esta interesado en el arte sino en la posibilidad de la sobrevaluacion que el arte brinda y el correspondiente lavado.

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Como es bien sabido, el mercado de arte argentino está desregulado y se maneja en negro lo que significa que un galerista que sabe que el dinero del comprador (narcotraficante o político corrupto) es malhabido, decida quedarse con ese dinero ya que el mafioso en cuestión no tiene como saber que es falso y cuando lo sepa ya estará preso o no tendrá el poder suficiente como para quejarse. El problema de esto es que el mafioso cree que los cuadros valen lo que valen y esto levanta las expectativas de precio del mercado en su totalidad y genera una burbuja irreal.

Luego esta el tema de la proyección a futuro y siempre supuesta de un artista en el mercado internacional que, sin excepción, es donde se puede medir el verdadero valor de mercado de un artista argentino. Dicho de otro modo, si un artista argentino no venido en Christie’s o en Sotheby’s y esta en el mercado primario (circuito de galerías) no tiene valor de mercado y lo que se pide es ficción que uno puede estar dispuesto o no a pagar. Sin embargo, Nicolas Garcia Uriburu es uno de los pocos casos que vendieron algunas obras en la subasta latinoamericana de Christie’s alcanzando las seis cifras en sus obras Pop de la década del sesenta y no llegando ni siquiera a los 10.000 dolares en sus ombúes. Esto significa que el valor de sus obras es mas bien histórico y el mercado reconoce la calidad de su producción hasta la Coloracion del Canal de Venecia cuando copia a Beuys y su carrera va en decadencia.

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Paradójicamente, la época que mas parece gustarle a los argentinos es la última (la peor) en donde comienza a pintar con los colores del ocaso Pampeano como si la perspectiva atmosférica de Claude Lorraine se simplificara en las cartografías y paisajes argentino y se transformara en pigmento.

Dicho de otro modo, si tenés obra de la primera época no la sueltes. Si tenés obra de la última época, trata de encontrar algún desprevenido que se crea que ese tipo de obra vale lo que valen las verdaderamente valuadas (es decir, las internacionalmente valuadas). J A T

 

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DEJARON UNOS ANTEOJOS EN EL PISO DEL MUSEO Y TODOS CREYERON QUE ERA UNA OBRA DE ARTE

Unos adolescentes de San Francisco causaron un gran revuelo recientemente cuando dejaron unos anteojos en el suelo de un museo de Arte. Sin saber lo que realmente era, los visitantes, divertidos, hicieron lo único que se les ocurrió: pensaron que era una obra de arte y empezaron a fotografiarla.

Los bromistas (conocidos en Twitter como @TJCruda y @k_vinnn) decidieron gastar la broma tras quedar poco impresionados con la exposición del Museo de Arte Moderno de San Francisco. Y pocos minutos tras dejar los anteojos en el suelo en el suelo, una multitud de curiosos se había reunido para cuestionar el significado metafísico de esta obra de “arte” moderno. Uno de los adolescentes, T.J. Khayatan de 17 años, documentó la respuesta del público y luego subió a Twitter las fotos del divertido experimento. No hace falta decir que pronto se volvieron virales, compartiéndose las imágenes más de 40.000 veces hasta el momento.

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Stoya colabora en la nueva obra del fotógrafo de moda Nikola Tamindzic

No es ni será la última vez que un fotógrafo de moda coquetee con el mundo erótico. Hace un año, escribíamos sobre Terry Richardson y su obra más subida de tono. Fotógrafo famoso por relacionarse con firmas de moda, como Gucci, Levi’s, Miu Miu, Tommy Hilfiger, Hugo Boss, Sisley, MANGO, Vogue o Sports Illustrated, lanzaba al mercado una obra, protagonizada por el mismo, que podría firmar perfectamente una productora porno: ‘kibosh’.

Otro fotógrafo de talla internacional, Nikola Tamindzic, acaba de sacar a la venta el que, dicen los entendidos, no solo es su mejor libro sino también uno de los más interesantes del año en su disciplina. ‘Fucking New York’, recoge instantáneas de modelos y celebridades de otros mundillos como la pornstar Stoya, todas ellas neoyorkinas, desnudas y practicando posturas de devoción sexual hacia distintos elementos de las calles de la ciudad.

Os dejo algunas de las fotos que incluye la obra:

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El artículo original está en Stoya colabora en la nueva obra del fotógrafo de moda Nikola Tamindzic

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LA OBRA DE ARTE ES PURA APARIENCIA

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NUESTRO FERNANDO QUIRÓS DICE: La obra de arte, dice Arendt, es una aparición, “pura apariencia”, y la apariencia se juzga no por su utilidad sino por su belleza.

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Cuanta más importancia se de a este criterio mayor será su superioridad sobre todos los demás: cuanto más dependa de su apariencia la esencia de un objeto, “mayor será la distancia necesaria para poder apreciarlo”. La distancia se logra “mediante el olvido de uno mismo, el olvido de las propias tribulaciones, intereses y exigencias”. Renunciando al deseo de atrapar, apropiarse, asimilar, imbuirse del objeto admirado, podremos querer que siga siendo sí-mismo, lo que es, “pura apariencia”. Precisamente por estar por encima y alejado del ajetreo de la lucha diaria por la supervivencia, el arte porta el mensaje de aquello que puede durar e ir más allá de la vida de cualquier individuo, por poderoso y brillante que sea. Y por esta razón el arte anima a hacer visible lo que de duradero pueda tener lo pasajero: recuerda con insistencia que el milagro alquímico (o ¿un simple truco de magia?) es posible. El arte respira eternidad. Gracias al arte, una y otra vez la muerte queda reducida a su verdadera dimensión: es el fin de la vida, pero no el límite de lo humano.

EN LA ULTIMA QUINCENA DE JUNIO Y PRIMER SEMANA DE JULIO

PARA VER EL PROGRAMA E INSCRIBIRSE CLIQUEÁ ACÁ 

ASIMISMO, LAS FECHAS PARA EL SEGUNDO GRAND TOUR LANP ROMANO SON

DEL 8 AL 14 DE MAYO DEL 2017 INCLUSIVE

PARA VER EL PROGRAMA CLIQUEÁ ACÁ 

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Ludwika Paleta coprotagoniza obra de teatro “Duele”

  Por Elizabeth Santana @ElixMorgana   En el Teatro Lopez Tarso del Centro Cultural San Ángel se encuentra la puesta en escena de “Duele”, una obra de Rajiv Joseph dirigida por Diego del Río. Y que es protagonizada por Ludwika Paleta y Osvaldo Benavides, quienes interpretan a Karina y Diego. “Duele” trata de dos personajes que acompañan sus vidas intermitentemente a lo largo de 30 años en una historia de amor disfuncional; tan inverosímil y reiterativa, que tal vez te desquicie o bien, te culmine confrontando sobre el por qué los personajes actúan así. Aunque el género de “Duele” es […]

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LA OBRA DE ARTE ES PURA APARIENCIA

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NUESTRO FERNANDO QUIRÓS DICE: La obra de arte, dice Arendt, es una aparición, “pura apariencia”, y la apariencia se juzga no por su utilidad sino por su belleza.

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Cuanta más importancia se de a este criterio mayor será su superioridad sobre todos los demás: cuanto más dependa de su apariencia la esencia de un objeto, “mayor será la distancia necesaria para poder apreciarlo”. La distancia se logra “mediante el olvido de uno mismo, el olvido de las propias tribulaciones, intereses y exigencias”. Renunciando al deseo de atrapar, apropiarse, asimilar, imbuirse del objeto admirado, podremos querer que siga siendo sí-mismo, lo que es, “pura apariencia”. Precisamente por estar por encima y alejado del ajetreo de la lucha diaria por la supervivencia, el arte porta el mensaje de aquello que puede durar e ir más allá de la vida de cualquier individuo, por poderoso y brillante que sea. Y por esta razón el arte anima a hacer visible lo que de duradero pueda tener lo pasajero: recuerda con insistencia que el milagro alquímico (o ¿un simple truco de magia?) es posible. El arte respira eternidad. Gracias al arte, una y otra vez la muerte queda reducida a su verdadera dimensión: es el fin de la vida, pero no el límite de lo humano.

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