ESCÁNDALO EN UN SALÓN DE PINTURA (DE GRAN FORMATO) MENDOCINO

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MI COACHEE ANDREA BARRERA MATHUS ACABA DE GANAR EL SEGUNDO PREMIO DEL SALÓN DE PINTURA DE GRAN FORMATO DEL BICENTENARIO EN EL ESPACIO CONTEMPORÁNEO DE ARTE. SIN EMBARGO, NO ESTÁ CONTENTA Y DICE LO SIGUIENTE:

Hola Rodrigo, te escribo a modo de update para contarte acerca de la loperfidización de la cultura mendocina:

Anoche, 8 de julio de 2016, inauguró el Salón de pintura de gran formato del Bicentenario en el Espacio Contemporáneo de Arte. El jurado compuesto por Lali Tinte (directora ECA), Roxana Coll (docente UNCuyo), Claudia Peralta (docente UNCuyo) y Carlos Ojam (artista); determinó declarar desierto el primer premio de $ 45000. La razón de esta decisión es que ninguna de las obras poseía la calidad suficiente. Yo, Andrea Barrera Mathus, fui favorecida con el segundo premio adquisición de $ 25000. Mi obra será exhibida en una institución pública.

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El Estado, gracias a la decisión del jurado, adquirió mi obra (una compleja pintura al óleo de 3metros por 1,50) por casi la mitad del valor ofrecido como primer premio. Además se ha descalificado a mis colegas competidores al considerar que ninguna de sus obras era suficientemente buena.

En protesta por el desprecio hacia los artistas mendocinos repartí este manifiesto que transcribo a continuación. Además generé una especie de fotoperformance que te adjunto algunos ejemplos (#lahistoriadelarteseescribeconsangre):

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CABALLO DE TROYA, O EL ARTISTA Y EL ESTADO

Escribo este manifiesto a propósito de la decisión del jurado de este Salón de

declarar desierto el primer premio. Que un premio se declare desierto significa que

ninguna de las obras posee la calidad suficiente como para ser galardonada con el primer premio. De ello se extrae que el Estado, en la figura del jurado, considera que las obras presentadas no valen el monto ofrecido como primer premio adquisición. Esto expresa el valor que el Estado atribuye al trabajo de los artistas participantes. Declaro inaceptable este agravio. Es significativo que incluso se ha escatimado la segunda mención, que consta de un papel, que hubiera engalanado sin costo el currículum de algún artista en lucha.

Los artistas que han participado de este salón son profesionales cándidos que

trabajaron con honestidad. El público debe saber que la historia del arte se escribe con nuestras vidas y nuestra dedicación. Sepan que los artistas producen obras como gesto de amor hacia todos nosotros.

La decisión del jurado muestra un problema de valor del arte, hay una depreciación del trabajo artístico mendocino. El jurado está compuesto por integrantes de la misma escena artística que se está denostando. Reconozco la intención que tuvo el Ejecutivo de celebrar el Bicentenario con un Salón. Esta intención se ha visto frustrada por un arrebato de divismo y barbarie. El dictamen de este jurado plantea un costo político enorme, se ha preferido que el dinero se diluya antes de que vaya a las manos de un artista en actividad. Esto es una manifestación de desprecio que proviene del seno mismo de la escena. Por

medio de este manifiesto, insto a mis colegas a:

_No abandonar los espacios públicos. Cuando el Estado se achica, el sujeto debe crecer. Vivimos en una época en que el Estado rompe sus propias reglas. El hombre es el lobo del hombre.

_Producir contenidos y experiencias que sean un caballo de Troya hacia el Estado. Es decir que produzcan una reflexión crítica SOBRE y POR MEDIO del Estado. El rol del artista no es decorar los espacios estatales. El rol del artista es producir obras que pongan de relieve el drama del sujeto frente al Estado. Espero que mi obra, con la imagen del billete de cien pesos, el poder judicial y la figura del lobo, funcione de este modo. Estoy dispuesta a dialogar con todos los que deseen sobre el significado de mi trabajo y a apreciar la obra según sus propios criterios. Esta pintura se ha transformado en obra de arte porque plantea un problema de dinero y a la vez representa dinero. El jurado se encontró con el arte y no lo ha podido reconocer. Una pintura que se presenta bajo sus propias reglas y empuja al espectador a aceptarla incluso a pesar de sus propios criterios estéticos, es la definición misma de lo que el arte es. Crisis y movimiento.

Impugno el texto curatorial escrito sobre mi obra. Ofrezco próximamente un

recorrido analizando todas las obras del salón para ponerlas en valor como se lo merecen. Conozco la calidad de mi obra, ofrezco al público lo mejor de mí, no se me convencerá de lo contrario. Mis respetos a mis colegas y a los mendocinos que aprecian nuestro trabajo.

Andrea Barrera Mathus. Artista nacida y formada en Mendoza. 8/7/2016.

HACE UN AÑO HUBO UNA POLÉMICA SIMILAR CUANDO MAURICIO CORBALÁN DECLARÓ DESIERTO EL PREMIO DE SITE SPECIFIC DE KONEX

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Las Cervezas del Mercado by BWK rebosan en la inauguración de la exposición de María García de la Riva “Chapa y pintura”

Alrededor de 200 personas acudieron ayer al Mercado de Colón a la inauguración de la exposición de la pintora valenciana, María García de la Riva, “Chapa y Pintura” en Las Cervezas del Mercado by BWK. Para ver la  colorista muestra sobre las botellas de cerveza acudieron, además de los directivos de Bierwinkel, Christian Jardel, Anabel Navas y Paco Valls, gente del mundo socioeconómico y cultural valenciano como Manuela Romeralo, Enrique y Mariola Fliquete, César Villalonga, Lorena Belda,  Irina, Cristina y Tana Manglano, Bárbara de Prat, Vicente Rodríguez, Maria Luisa Moroder, Maribel Vañó, Patricia Sánchez de León, Marco Motta, el doctor Mira, Silvia Pardo, Carmela y Helena Oltra, Maria José Caruana, María Fernández de Córdoba, Nacho Gómez-Trénor, Carolina Gil, Coté Maldonado, Quico Catalá, María Fedriani, Maria José Ortells, María Aymerich, Odette Fernández-Portolés o Sele Villanueva.

Christian Jardel, consejero delegado de Bierwinkel, María García de la Riva, Anabel Navas y Paco Valls
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Christian Jardel, consejero delegado de Bierwinkel, María García de la Riva, Anabel Navas y Paco Valls

Y es que García de la Riva ha optado en esta muestra monográfica, por centrarse en el repertorio iconográfico que ofrecen las cervezas. La muestra la componen obras de pequeño formato y siempre con un marcado carácter colorista pop.

La pintora junto a Anabel Navas, directora de Bierwinkel y Paco Valls, Controller.
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La pintora junto a Anabel Navas, directora de Bierwinkel y Paco Valls, Controller.

Los visitantes disfrutaran con el juego de luces y sombras, la estudiada valoración del contraste en una pintura genuinamente propia, fresca y actual que define a esta pintora que deja su impronta llena de color y sensualidad al volcar ese cromatismo cálido, brillante, hedonista, sensual y de tonos saturados y muy luminosos.

La pintora y su obra.
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La pintora y su obra.

María García de la Riva cuenta en su haber con numerosas exposiciones en salas destacadas de nuestra ciudad, como la Parpalló o el Palau de la Música, sin olvidar otras tantas del resto de España así como en colecciones particulares de Italia, Alemania, Francia, Inglaterra, Argentina, Estados Unidos y Venezuela.

Fotos de Consuelo Chambó.

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Valencia Noticias

Las Cervezas del Mercado by BWK acogen hoy la exposición de María García de la Riva “Chapa y pintura”.

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Esta tarde en el Mercado de Colón se inaugura la exposición de la pintora valenciana, María García de la Riva, “Chapa y Pintura” en Las Cervezas del Mercado by BWK. Será a las 20:00 horas y se espera que un centenar de personas arrope esta colorista muestra sobre las botellas de cerveza.

Y es que García de la Riva ha optado en esta muestra monográfica, por centrarse en el repertorio iconográfico que ofrecen las cervezas. La muestra la componen obras de pequeño formato y siempre con un marcado carácter colorista pop.

Los visitantes disfrutaran con el juego de luces y sombras, la estudiada valoración del contraste en una pintura genuinamente propia, fresca y actual que define a esta pintora que deja su impronta llena de color y sensualidad al volcar ese cromatismo cálido, brillante, hedonista, sensual y de tonos saturados y muy luminosos.

María García de la Riva cuenta en su haber con numerosas exposiciones en salas destacadas de nuestra ciudad, como la Parpalló o el Palau de la Música, sin olvidar otras tantas del resto de España así como en colecciones particulares de Italia, Alemania, Francia, Inglaterra, Argentina, Estados Unidos y Venezuela.

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MIENTRAS EN RESISTENCIA LO INTERVIENEN CON UNA PORONGA, EN EL GRAN HERMANO USAN UNA PINTURA DE MILO LOCKETT COMO SI FUERA UN FRISBEE

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EN DOS SEMANAS COMIENZA EL CURSO QUE INICIA UN CAMBIO ESTRUCTURAL EN EL MODO DE ENTENDER EL ARTE CONTEMPORÁNEO

COMIENZA EN LA ULTIMA QUINCENA DE JUNIO Y TIENE LUGAR INTENSIVAMENTE
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ALAN PAULS REINCIDE EN LA CRÍTICA DE ARTE DICIENDO QUE JORGE MACCHI ES LA SUPERACIÓN DE LA PINTURA Y EL CONCEPTUALISMO #THENEWARTCRITICISM

 

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Una palabra que, por alguna razón, la mala crítica de arte argentina viene repitiendo para abordar sus objetos de análisis es: ‘ilusionismo’. Tanto Alan Pauls –en su crítica a la muestra ‘Perspectiva’ de Jorge Macchi, ahora en el MALBA, cuyas obras califica de ‘ilusionistas’– como la ‘bruta’ Maria Paula Zacharias –en su artículo sobre la muestra de Leando Erlich en el Museo del Inmigrante– la usan para referirse a algo más parecido a la ‘prestigiditación o los efectos especiales’ que a lo que en el estudio del arte significa ósea, ‘la representación de algo’ en oposición a ‘la mera puesta en escena de su propia materialidad’.

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Creo que no hace falta hablar de Zacharias porque lo que pienso de ella y por qué lo pienso quedó claro en la entrevista que me hiciera para Radio Cultura. Sin embargo, el que Alan Pauls insista en hacer un tipo de crítica de arte para la que a todas luces no está preparado y que, sin duda, perjudica su credibilidad emerge como un síntoma de un problema cultural que es el de ‘tener que estar’. Sin embargo, Pauls parece haber prestado atención a mi crítica anterior (referida a su desconocimiento de lo que hace a la imagen algo diferente al texto) y esta vez (en la crítica de la muestra de Macchi) se decidió a hablar de la imágen per se.

Podría decirse que la critica de Alan Pauls ignora las alusiones a otros artistas y el modo en el que los objetos en tanto tales operan en el espacio y esto se debe a su falta de formación en… arte. Así, el interés que sus críticas tienen para mí está vinculado al modo en el que la critica de arte argentina, en general, ha sido abordada por los escritores (a falta de alguien mejor) y el resultado es la imposibilidad del abordaje de la imagen sino es atreves de un relato de la experiencia personal, algo que, de por si, es irrelevante para el lector. Sin embargo, lo positivo de Alan Pauls es el intento de salirse de ese circulo vicioso para avanzar en un análisis de la imagen. El problema es que no sabe como hacerlo porque no tiene los instrumentos necesarios para hacerlo.

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Para Alan Pauls, lo eficaz de la muestra de Macchi radica en que (la misma) ‘lo repatria al país de la imagen’. Así, de entrada, el lector puede percibir que Pauls está hablando de sí mismo. Si Macchi es repatriado al país de la imágen, de dónde se supone que viene? Del mundo de las letras? Hello? Anyone? Luego Pauls va aún más lejos afirmando que el mundo de la plástica está ‘lleno de seducciones e ingenuidades’ y que Macchi (y su muestra) aborda la imágen, manteniendo su ‘sensor analitico-critico’ pero sin caer en esa cosa, da a entender, ‘negativa’ que es… la plàstica. Es aquí donde el ethos Palermitano de Alan Pauls aparece con la inocencia característica de su pretendida violencia al comenzar su critica con un prejuicio infundado como el que la pintura está agotada y el presente es ‘no- plástico’ como si supiera de lo que habla. Se estará refiriendo a la ‘expresion’ o a ‘la pintura’? Además y dicho sea de paso, esto preocupa viniendo de un ‘novelista’…O estará colocando a las artes plásticas en una caja para ampliar el campo de acción de la literatura?

 

 

 

 

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Pero Pauls va aún más lejos al decir que lo bueno de Macchi es que trata a la imágen como un instrumento de conocimiento o, en sus propias palabras, ‘un territorio, un campo de pruebas, un organismo ideal para experimentar con todo lo que no es imágen, empezando, desde luego, por las ideas’. Palabras gigantes sin fundamento. Cuales son esas ideas? Y, más importante aún, uno puede decir con tal ligereza en un diario como ‘El País’ que la pintura o, mejor dicho, la plástica ya no es un instrumento de conocimiento. Debemos jubilar a Marcia Schwarz, Joseph Marioni y a Gunther Umberg, por dar sólo tres ejemplos? Pero cuando uno se pregunta qué tiene de especial, en tanto imagen, la exploracion de Macchi, Pauls lanza desde su torre de marfil una teoria sin siquiera formularla segun la cual los objetos de Macchi son ‘conceptos retinianos’.

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Marcia Schwarz y la materialidad de la tela de la pintura sin tocar (o apenas tocada)

Es este el punto en el que Pauls parece haber leido mi critica de su reseña sobre Ana Gallardo (clickear aqui) y se lanza a teorizar sobre la imagen sin saber de lo que esta hablando cuando afirma: ‘Si Macchi es conceptual o posconceptual, en todo caso, es en la medida en que se interesa ante todo por las aventuras que la imagen vive fuera de la imagen: cómo destiñe, cómo se mezcla, cómo afecta a las cosas del mundo, convirtiendo al mundo en una suerte de teatro (otra de las pasiones de Macchi) de la desorientación’. El mundo como ‘teatro de la desorientación’. Pero qué es esto?

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El proximo parrafo nos da un esbozo de respuesta y tiene que ver con la representacion visual de la ironia como figura retorica de desplazamiento pero, en realidad, plantea algo mas complejo y, segun entiendo, problematico. En palabras de Pauls: ‘Si el viejo trompe l’oeil es una figura clave de Perspectiva, lo es al precio de sufrir una inversión radical: ya no es un artificio retórico que nos implica en un mundo virtual, sino una fuerza pragmática que inyecta hechizo en un mundo real. Los trompe l’oeil, las paradojas óptico-temporales (Match, el fósforo virgen cuya sombra es el fósforo ya consumido), las imágenes-chiste (el ventilador descontrolado de Fan, tan Cattelaniano), los formidables calados (Speaker’s corner, Monoblock, donde Macchi, trabajando con páginas de periódicos, recorta y elimina el “contenido” —textos, fotos— y deja el marco de papel, que cede, se vence y cae), el uso irónico de la literalidad: todas las operaciones que reaparecen en Macchi tienden a dramatizar esas salidas de quicio en las que la imagen salta al vacío, volviéndose material, objeto, experiencia, e interviene en su contexto inmediato’. Es esto ultimo en lo que quiero quedarme. En el ‘dramatizar esas salidas de quicio en las que la imagen salta al vacio, voliviendose material’. En el caso de ‘Still Song’, Pauls dice: ‘Prodigio de literalidad invertida, la bola de espejos de Still song pende inmóvil en una habitación iluminada a pleno, pero los cientos de impactos que horadan el techo, el piso y las paredes, ametralladas como en un banquete de gánsteres, no hacen sino traducir al idioma de la violencia material los reflejos de luz que escupiría si girara en la oscuridad’.

Uno podria resumir la critica de Pauls en que Jorge Macchi es post conceptual porque supera algo ya de por si superador (de la pintura) que es ‘el arte conceptual’ y esa superacion ocurre transformando el ‘ejercicio conceptual’ en un ‘objeto material que llama la atencion de si mismo en tanto material’. Sin embargo, en el proceso, ese objeto material demanda del espectador el reconocimiento de esa tension ‘dramatica’ que ya, en si misma, es dramatica porque ocurre en la duracion de la performance de la mirada como si del teatro se tratara. Es por es que Pauls (como Perez Rubio) quedan atrapados en esa teatralida sin darse cuenta que esa teatralidad combinada con el ‘ilusionismo’ hacen de la obra de arte algo que oscila entre lo literal y el chiste. Sin embargo y habiendo dicho esto, no creo que la obra de Jorge Macchi tenga que ver con esto. El modo en el que Macchi aborda la materialidad no es ‘per se’ (como en el minimalismo o en Frank Auerbach, por dar solo dos ejemplos) sino como otra capta de significado. Es por esto que en su ‘Fragil’, el papel es fragilizado y el material usado es acuarela que, de por si, es fragil. Sin embargo, la obra de Macchi pocas veces problematiza la materialidad sino que la usa como vehiculo de significación. Sorprende que la unica alusion hecha por Pauls sea a la obra de Dali como si Macchi fuera una ‘puesta en escena’ de una obra del español. Y Ed Ruscha? Douglas Gordon? Charles Ray? Tengo la impresion de que Alan Pauls no sabe de lo que hablo y por razones que me escapan, vuelve a hacer critica de arte sin, siquiera, saber ni por qué ni qué es lo que esta hacienda. J A T

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EN UN PAR DE DIAS PARTO PARA ROMA CON EL PRIMER GRUPO DEL GRAND TOUR LANP

 


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‘Inicios a la pintura fallera’ un libro en la historia de las fallas dedicado al aprendizaje de la pintura

 

Un libro en la historia de las fallas dedicado al aprendizaje de la pintura fallera.

Según el autor. Andrés Arevalo, lo ha creado ante todo con fines didácticos, pues ha comprobado a lo largo de 30 años, hay muchas personas que desean ,como mínimo, conocer el método.
El libro se titula ” INICIOS A LA PINTURA FALLERA “, se compone de 100 paginas a color con vocabulario sencillo para un mejor entendimiento y pasando por el circulo cromático hasta llegar a la visualización de la figura de muestra con la que se trabajara, pasamos por utensilios,características, colores pastel,complementarios, primarios,así como ejemplos o partes de una pistola aerógrafo,etc
Ha nacido de la necesidad de dejar plasmado en el tiempo unos conocimientos que en el día a día se van olvidando por la falta de aprendices en los talleres, lugar en el cual se puede aprender este arte y por desgracia en la actualidad imposible de llevar a cabo por la dinámica que han sufrido estos mismos en los últimos 30 años.

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Valencia Noticias

Los colaboradores de “Sálvame” antes de pasar por chapa y pintura

Todos conocemos “Sálvame”, y siempre decimos y nos preguntamos lo mismo: ¿Cómo es que sigue en antena? Pero aquí estamos, una vez más, hablando del programa o de sus colaboradores. No nos extraña, porque parece que pasan por un quirófano en vez de pasar por una sala de maquillaje.

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Mila Ximenez

Mila Ximenez es la colaboradora más veterana del programa del corazón. Es una afamada periodista, por llamarlo de alguna forma, que está especializada en la prensa rosa, y es una de las que se ganan la vida, no solo con el programa habitual, sino también con la versión “Deluxe”, que no nos parece que sea de lujo, sino que para nosotros significan gritos de medianoche.

En cualquier caso, el cambio que sufre Mila Ximénez cada vez que sale a enfrentarse a los focos del plató, es realmente espectacular. Se ve que es la misma persona, pero parece que cada foto pertenece a una etapa distinta de la vida, o como si perteneciera a un estudio de los efectos que puede tener el tabaco sobre las mujeres. Eso sería buena propaganda para dejar de fumar, de  hecho.

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Lydia Lozano

Este podría ser el cambio más radical de todos lo que vamos a ver en este artículo. Más que nada porque si ya teníamos mala opinión de Lydia Lozano por sus constantes polémicas, relacionadas con el hecho de si es verdad o no todo lo que cuenta, por la dudosa calidad de sus fuentes, lo cierto es que al ver su aspecto, podemos espantarnos. 

Porque el cambio es evidente y casi radical. Mientras que en la foto de la izquierda no sabemos realmente a qué género se corresponde, en la foto de la derecha nos damos cuenta de que pertenece al “género tonto”. Y no nos referimos al femenino, ni al masculino, sino a género que nosotros consideramos que hay, aparte de esos dos, para referirnos a personas como ella.

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Terelu Campos

Terelu es una de las grandes divas de la televisión, porque lleva en ella casi desde que se inventó. Bueno, no, en realidad esa es su madre. Pero sí que es cierto que lleva un porrón de años en la televisión, y más cuando hablamos de prensa rosa. Sin embargo, esto no hace que nos caiga mejor. De hecho, es como una mini copia de su madre, aunque un poco malograda.

Porque cuando vemos las fotos, llegamos a pensar: ¿Qué es lo que le ha pasado a esta mujer? ¿En realidad siempre ha sido así? Porque de joven era mucho más guapa. Puede que tampoco la soportáramos, pero al menos no tenía esa cara de bulldog avinagrado que interpreta en la foto de la izquierda. En la de la derecha, sin embargo, incluso parece una persona humana. ¿Qué es lo que está pasando?

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Paz Padilla

Todo el mundo comenzó a hablar cuando Paz Padilla, que antes era considerada como humorista, empezó a presentar el programa. Es algo que, aunque ahora vemos como habitual, antes era inaudito. ¡Con lo bien que nos caía esa mujer! Era un señora sin complejos, graciosa, y con mucho desparpajo.

Eso lo sigue teniendo, pero aplicado al mundo de la prensa rosa, con lo cual, nos produce muchos escalofríos. Y más cuando vemos las fotos del antes y el después, porque son impresionantes. Son un mundo aparte. Vale que la expresión de la foto de la izquierda es un poco rara, pero parece una persona con mal despertar, mientras que la de la derecha es una foto en la que se ve a un mujer encantadora. ¿Cuál es la real?

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Rosa Benito

Hablar de “Sálvame” es casi igual que hablar de Rosa Benito, porque está prácticamente desde que nació el programa. Eso sí, tuvo sus idas y venidas con la productora, pero en la actualidad podemos verla de vuelta (algo que no saldría tan barato a Telecinco). Y es que ella da mucha audiencia al programa, y a la cadena de televisión en sí.

Es tal su fama, que la ex de Amador Mohedano ha participado en dos realities: en GH VIP 4, y en “Supervivientes”, donde se coronó como ganadora. Ahí, en ese programa la pudimos ver sin maquillaje, y podemos apreciar cuál es el alcance real de la pintura del cuerpo: parece treinta años mayor en la foto de la izquierda. Vamos, que el maquillaje hace milagros, y Rosa Benito es una prueba viviente. 

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Raquel Bollo

De todas las colaboradoras del programa, podríamos decir que la que tiene menos experiencia en esto de la tele, es Raquel Bollo. Aún así, es una de las caras conocidas de Telecinco, hasta el punto de ser una de las caras de la salsa rosa. Y como vemos, el cambio que hay entre una foto y otra es mucho más que evidente.

No vamos a decir que está horrible en la foto de la izquierda, porque no es así. Y esto se debe a su pasado como modelo. Sin embargo, no vamos a negar que la diferencia entre la foto de la izquierda y la de la derecha es abismal. Es como cuando a un coche viejo, le pones pintura nueva, y por un tiempo, parece nuevo. Claro, que todos sabemos que no lo es.

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Belén Esteban

La mujer, por excelencia, de la prensa rosa. Protagonista, pero también es la mujer que opina sobre todo. La llamada Princesa del Pueblo es una señora que ha sufrido muchos vaivenes en su vida, pero podemos ver cómo de bien le va a través de su cambio. Vale,no es un cambio muy radical, sobre todo comparándolo con el cambio de la juventud a la madurez, pero vemos que el maquillaje está bien aplicado.

Porque aparte de todas las operaciones que se ha metido a la cara, una capa de pinturita no hace daño, ¿verdad?

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María Patiño

Siendo sinceros, parece que estamos ante una de esas figuras del Museo de los horrores. No hemos visto tanto plástico en una pseudoperiodista en toda nuestra vida. Y pensar que esta gente gana millonadas solo por decir cuatro paparruchas por televisión… es algo que nos pone enfermos.

El cambio que vemos, probablemente no sea solo de maquillaje. Y es que solo de mirar la foto de la derecha, nos dan verdaderos escalofríos. ¿O nosotros somos los únicos a los que nos pasa?

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Ocio

DESCUBREN UNA PINTURA DE CARAVAGGIO EN UN ÁTICO DE TOULOUSE

Mientras arreglaban una filtración en el techo, una familia francesa encontró lo que pareciera ser, un Caravaggio, documentado y perdido. La tela representa la escena del Antiguo Testamento de Judith y Holofernes y varios expertos ya están afirmando que esta es la perdida segunda vecino de la version de la primera escena ahora en la Galeira d’Arte Antica de Roma.

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La pintura esta actualmente expuesta en las oficinas del art dealer Eric Turquin quien, con el rematador Marc labrado, son los encargados de autenticar este trabajo que fue encontrado en la casa de una familia en Toulouse en Abril del 2014 y quieren vender al estado francés por 120 millones de euros. La ministra de la cultura de Francia, Audrey Azoulay, la acaba de declarar patrimonio artístico por lo cual no puede salir del país por treinta meses. La designación es, de algún modo, una aceptación por parte del gobierno francés de que esta obra es de Caravaggio y, a decir verdad, tiene toda la pinta de serlo.

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Si esto es asi, este es el mayor descubrimiento de grandes maestros de los últimos veinte años y esta en excelentes condiciones y tiene toda la documentación ya que el archivo demuestra que Caravaggio pintó una segunda version de Judith y Holofernes entre 1604 y 1605 y fue una de las pinturas que se llevo con el cuando escapo de Roma a Napoles tras matar a un hombre.  Otras pruebas de autenticidad son la modelo para una de las figuras ya que la vieja parece ser la misma modelo que el uso para su Crucifixion de San Andres de 1607 mientras que estudios infrarrojos demuestran que no hay dibujo preparatorio y que fue pintada ‘a la prima’, método propio de Caravaggio.

Pero si es un Caravaggio, como termino en Toulouse? La familia en cuya casa fue encontrada la pintura son descendientes de un oficial del ejercito de Napoleon quien seguramente, tras la llegada de Napoleon a Italia fue uno de los encargados de trasladar la pieza a Paris y termino desviándolo. Esto no es nuevo ya que una gran cantidad de obras de artes recuperadas en los últimos dos siglos vienen de casas de descendientes de oficiales de ejércitos como, por ejemplo, el Matrimonio Arnolfini que fue encontrado en la casa de un oficial del ejercito Escoces. Ahora, le toca al estado francés desembolsar esa cantidad si lo quiere mantener en los museos de Francia. En su defecto, como gran parte de los tesoros de este tipo, acabara en los Estados Unidos. J A T

VENÍ CON NOSOTROS A ROMA A PRINCIPIOS DE JUNIO

 

 


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ESTÁ ABIERTA LA INSCRIPCIÓN PARA EL CURSO LANP DE ARTE GÓTICO Y PINTURA PRE-RENACENTISTA

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CLASE 1 – GÓTICO TEMPRANO – JUEVES 14 Y VIERNES 15 DE ABRIL

Introducción: Arquitectura Románica versus Arquitectura Gótica. El Abad Suger y Saint Denis. La Catedral de Sens, Notre Dame de Paris, Laon y Tournai. Las variaciones de finales del siglo XII en St.Remi en Reims y Noyon.

Inglaterra: Ripon Minster, Byland Abbey y las Catedrales de Worcester, Wells, Canterbury.

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Clase 2: EL ALTO GÓTICO DEL SIGLO XIII – JUEVES 21 Y VIERNES 22 DE ABRIL

Las Catedrales de Chartres, Reims, Bourges y Amiens. Los estilos regionales en Auxerre, Dijon, Bayeux y la técnica ‘tas-de-charge’.  Los modos constructivos ‘rayonnantes’ y góticos tardíos. Las fachadas del Alto Gótico Rayonnante. La fachada de la Catedral de Clermont Ferrand, Amiens, Rouen. La emergencia de la profesión del ‘arquitecto’. España: la Catedral de Toledo, Lérida y León. Inglaterra y el desarrollo de un estilo gótico ingles en Lincoln, Wells, Glasgow, Beverley Munster y Salisburgy. El estilo Rayonnant en Inglaterra: Westminster Abbey, Exeter Cathedral y York Münster.

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Clase 3: GÓTICO TARDÍO Y EL ESTILO ‘DECORADO’ – JUEVES 28 Y VIERNES 22 DE ABRIL

Las ventanas y los arcos de St Stephen’s Chapel en Westminster Palace y Winchester Cathedral. La Catedral de Ely, las bovedas de Wells, Gloucester, Sherborne Abbey y Durham Cathedral. Análisis en profundidad de dos casos: St George’s Chapel en Windsor Castle y Herny VII’s Chapel en Westminster Abbey.  La Catedral de Praga y la comparación entre las bovedas centro europeas e inglesas: Ulm Minster, Estrasburgo, Mechelen, Louvain, Leider, Liège, ‘s-Hertogenbosch, Utrecht, Antwerp. España: Sevilla y Girona.

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Clase 4: EL GÓTICO ITALIANO Y UNA INTRODUCCIÓN A LA PINTURA DEL SIGLO XIII EN SIENA Y FLORENCIA – JUEVES 5 Y VIERNES 6 DE MAYO

La Catedral de Siena, Santa Croce en Florencia y Santa Maria Novella. Las catedrales de Florencia y Milán. La pintura en Florencia y Siena. Cennino Cennini y el status gremial de los pintores y los contratos. Analisis del desarrollo de la base de Gesso para la pintura sobre panel. El dorado y repujado preparatorio del diseño. Los colores y su composición química.

BREAK HASTA EL 9 DE JUNIO

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Clase 5: EL MAESTRO DE SAN FRANCISCO Y GIOTTO DI BONDONE – JUEVES 9 Y VIERNES 10 DE JUNIO

Análisis en profundidad del Cruficijo del Maestro de San Francisco y el Pentescostal del Giotto (parte de una predella). Análisis intensivo de la Capilla Scrovegni en Padua.

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Clase 6:  DUCCIO DI BUONINSEGNA – JUEVES 16 Y VIERNES 17 DE JUNIO

Análisis en profundidad de La Maestà prestando especial atención al panel de la Anunciación (en comparación con los del Círculo de Guido de Siena), al panel de Jesus abriendo los ojos del ciego y la Transfiguración. La Virgen y el Niño con Santos.

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Clase 7: UGOLINO DI NERIO Y LOS HERMANOS DI CIONE – JUEVES 23 Y VIERNES 24 DE JUNIO

Los fragmentos del Altar de Santa Croce de Ugolino. El dorado y los modos de preparacion. El moldeado del rostro de la Virgen en comparacion con los profetas. El comienzo del auge del arte florentino con los Di Cione. Analisis detallado del fresco del Paraiso en la Capilla Strozzi en Santa Maria Novella en Florencia. Analisis de caso del San Juan Bautista y Evangelista y Santiago en el panel de San Giovanni Battista della Calza en Florencia.

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Clase 8: LA CRUCIFIXION DE JACOPO DI CIONE Y EL ALTAR DE SAN PEDRO MAGGIORE DE JACOPO DE CIONE.  JUEVES 30 Y VIERNES 1 DE JULIO

Analisis técnico, químico e iconográfico.

Clase 9: REPASO GENERAL Y PRESENTACIÓN DEL RENACIMIENTO. VIERNES 8 DE JULIO

LA INSCRIPCION ES POR ORDEN DE LLEGADA Y POR PAYPAL/
PARA RESERVAR TU LUGAR CLIQUEÁ ACÁ O ENVIÁ UN EMAIL A [email protected]


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John Currin, es un consagrado pintor nacido en 1962 en Colorado, Estado Unidos. Criado en Connecticut, se hizo famoso por sus pinturas que hacen referencia a crítica social, satírica, provocativas y de temática sexual rozando lo pornográfico.

Hace unos meses saltó a la palestra mediática al vender un cuadro por 1,9 millones de dólares. Una obra centrada en el erotismo hiperbólico en la que se puede ver a una vieja en topless, se titula “Bea Arthur naked”:

Bea Arthur Naked

Sus retratos recuerdan a los maestros renacentistas por sus fondos y pinceladas. Una forma de pintar que hace clara referencia a la pintura clásica pero aplicando técnicas contemporáneas.

Caricaturiza a la vieja sociedad burguesa, que se deja llevar por su entorno cultural y social representando risas exageradas, falsas apariencias y proporciones raras.

John Curin

Expuso su obra en Nueva York por primera vez en 1989. Desde esa presentación, la cotización de sus obras siempre ha ido creciendo hasta hoy.

Reside y trabaja en Nueva York.

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