EL PROBLEMA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA ES QUE GIRA ENTORNO DE LÍMITES

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ESTE TEXTO NO FUE ESCRITO POR MI SINO POR EL LECTOR SABATEZ

Aprovecho la ocasión para citar a Luis Camnitzer. Sus escritos sobre educación, arte y política presentan una alternativa al alcance del docente y el estudiante, para laburar el progreso desde adentro, y desde abajo.

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El problema fundamental de la educación artística es que, consciente o inconscientemente, gira en torno a límites. O son técnicos, o ideológicos, o económicos, o temporales. Pero tambien de disciplinas en sí. Una carrera en “arte” se enfoca no en las artes, sino en un solo arte. Entiendo que es complejo y lleva una vida interiorizarse en una misma rama, pero ya planteandolo así solo pensamos que cuando hablamos de “arte”, nos referimos al estrictamente visual, o al que practiquemos nosotros. A los visuales nos encanta llamarnos artistas pero no artistas visuales. Parece que es muy largo, el título…

Y fundamentalmente el límite está ahí. En restringir la definición total de las artes, en establecer un sistema competitivo desde el ego pero no desde las reales posibilidades laborales y creativas, en que el rol docente se coma al artista porque “de algo hay que comer”. Ahí hay una especie de racismo. Los artistas somos considerados una raza aparte, aunque nadie lo diga porque la palabra “racismo” está cargada de significados durísimos, y “el artista” no es discriminado por raza… pero tampoco es integrado por ser algo poco productivo para el aparato y, si realmente se la juega con la obra, hasta puede ser un agente desestabilizador o conscientizador del sistema mismo.

La educación artística brinda escasas herramientas de expansión. Esa expansión se da, en última instancia, con un maestro que abra y brinde oportunidades e ideas que lleven a más oportunidades e ideas, o con laburo personal, de años.

Sería ingenuo creer que las instituciones educativas pueden fabricar artistas. Pueden cobijarlos un poco y dar el empujón, pero jamás formarlos… o eso espero. Si el estudiante se queda solo con lo que le enseñan y no halla su propio camino, será un repitente técnico y/o ideológico. Y hasta donde yo entiendo o quiero creer, el arte es creación. Pero mientras el sistema educativo continúe basándose principalmente en el repetir fórmulas pasadas o en boga, cagamos.

 

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LA ÚNICA SOLUCIÓN PARA QUE EL ARTE PROGRESE ES QUE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA INTEGRE TRADICIÓN E INNOVACIÓN Y PRESCINDA DE LA CORRECCIÓN POLÍTICA

Maximilian Frederick Herbert es un artista inglés, entrenado en la Escuela de Florencia en un modo de hacer arte que podríamos considerar como ‘tradicional’. En el marco de un debate que está teniendo lugar en mi blog inglés (taboofart.com) sobre el rol de la burocracia del arte y la correccion política en la instituciones británicas, Max escribió el siguiente texto que decidí traducir para LANP. El siguiente texto, entonces, no es mío sino de Max Herbert (las imágenes son también de él). 

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Dentro del sistema educativo (británico) existe una división entre aquellas escuelas privadas que retienen la práctica de la pintura, el dibujo y la escultura tradicionales (que, como Rodrigo sugiere en taboofart.com los museos emergen históricamente para complementar) y un sistema de universidades públicas que ha venido combatiendo al arte como disciplina manual (poniéndome más énfasis en lo discursivo).

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Muchas de estas instituciones que combaten al dibujo, la pintura o la escultura en tanto disciplinas relevantes lo hacen considerando a las mismas como retrógradas y al hacerlo se autoinstituyen como progresistas y evolucionadas. Toda una serie de cuestiones que tienen que ver con prejuicios y ‘atrocidades’ históricas parecen mezclarse en este tipo de argumento para transformarse en una suerte de discurso ideológico que propone un nuevo  tipo de ambiente artístico, supuestamente, libre de pecado, injusticias y discriminaciones.

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Mientras los talleres privados son lugares de excelencia en los que se cultiva el refinamiento de la técnica y se entrena a los artistas en tareas artesanales como el soplado de vidrio, la platería, la pintura al óleo, el esculpido de la piedra, la carpintería de alto nivel, etc; estos acaban siendo exclusivos y costosos y reservados para artistas provenientes de familias con recursos suficientes para pagar esa educación. El resto no tiene acceso a estos niveles de educación.

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Es al sistema de la educación pública al que estos prospectivos artistas (sin demasiados recursos) pueden efectivamente acceder en donde, dado que si bien la educacion británica es relativamente barata (siendo publica), los estudiantes acaban endeudandose y salen del sistema educativo sin las herramientas básicas para ejercer la profesión del artista. Sin embargo, durante esos años de ‘aprendizaje’ y endeudamiento, se los insta a que exploren e innoven. Vemos así como el sistema universitario plantea una contradicción que coloca a los estudiantes de arte en un lugar prácticamente imposible. Es más, se les enseña a que rechacen la critica de arte como ofensa y asuman su postura desde una perspectiva personal pero tambien politico-ideológica en lugar de técnica y exhaustiva. El resultado es el aislamiento solipsista.  Al no haber exploracion técnica lo único que queda es un precario juego de posiciones ideológicas.

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Por su parte, en las academias mas tradicionales, la experimentación y la exploración no son bienvenidas ya que temen que al desviarse del refinamiento técnico terminen yendo en detrimento de su práctica. Es por esto que lo que les queda a los artista es un sistema polarizado en el que sólo hay o experimentación sin técnica o técnica sin experimentación. El primero es público y el segundo es privado.

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El principal problema, tal y como lo percibo es que los valores asociados a la técnica se han terminado ideologizando por lo que, por ejemplo, optar por el marmol de Carrara es, en algunos lugares asociado con el racismo de la supremacia blanca. Este tipo de prejuicio existió, desde ya, históricamente cuando la apreciación de la escultura hecha con ese tipo de marmol estuvo en su auge, sin embargo, la realidad de hoy es diferente y la dificultad de incluir en los programas de estudios el costoso esculpido en marmol parece ser políticamente facilitado por ese tipo de lectura anacrónica contra el racismo. El resultado es el opuesto al pretendido ya que en pos de favorecer la movilidad social de los estudiantes de raza negra se termina dejándolos afuera de los circuitos de trabajo en donde pueden aprender la técnica requerida para ser buenos artistas. Dicho de otro modo, se les da el discurso pero se les niega la técnica. Es esto progresista o lisa y llanamente mentiroso? Vale decir que mientras esto ocurre, los estudiantes ricos tienen acceso al marmol y a la tecnica que los estudiantes negros, no. Cuál es el lugar entonces de la ideología sino el de justificar el no hacer lo que el sistema educativo del arte deberia estar haciendo para ser efectivamente inclusivo?

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El problema es que las instituciones publicas de formacion artistica son las que se presentan como equitativas e inclusivas negando a aquellos que supone incluir las herramientas necesarias para progresar. El resultado es que todo esfuerzo de integrar la tradición (y su técnica) con la innovación es abortado por razones ideologicas fundamentalmente por miedo a que el poder de cualquiera de ambas posiciones se pierda en lugar de que potenciarse.

Esta ‘grieta’ hace que el poder fluya en dos direcciones: una hacia la técnica (que se presenta como ideología) y la otra hacia la ideología (que se presenta como técnica). Esto le da poder a los burocratas a cargo de las instituciones que pasan a usar grandes palabras y discursos para consolidar su lugar pero los que terminan pagando el costo son los artistas. Ambas escuelas tiene que unirse para permitir que el sistema respire integrando tradicion e innovacion y finalmente podamos pasar al proximo nivel.

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LA FUNCIÓN DE UN MUSEO NO ES GARANTIZAR UNA UNIVERSAL Y DEMOCRÁTICA APRECIACIÓN ARTÍSTICA

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En un interesante artículo escrito por Seph Rodney para el blog Hyperallergic, el autor explora la cuestión de la falta de igualdad de oportunidades en las instituciones culturales del Primer Mundo y al hacerlo, casi sin querer, plantea una serie de preguntas sobre los objetivos de un museo y los malosentendidos entorno de esta institucion cultural. Bajo el título ‘La lucha entorno de la diversidad en la Asociación Americana de Museos’ (cliquear aca para leerlo), Rodney pone la lupa en el debate que tuvo lugar en una de las sesiones llamada ‘El Futuro de los Museos’. Allí se discutieron los criterios de selección de personal y las pasantías gratuitas en instituciones culturales.

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En dicha reunión, Nicole Fellow quien, según Rodney es una ‘futurista de la museologia y Mellon/ACLS Public Fellow dijo: ‘la principal preocupación que tenemos hoy es brindar pensamiento estratégico a como se planteará el trabajo en los museos en el futuro’. Esto suena muy lindo, desde ya, pero la idea de ‘pensamiento estratégico’ tiene más que ver con planteos institucionales que con el rol de los museos per se. En otras palabras, esta fue una conferencia que abarco lo que Leo Tolstoi en su ‘Qué es el Arte?’ llamó ‘la burocracia del arte’. Y, por supuesto, la burocracia siempre busca medios para perpetuar su lugar. Sin embargo, qué tienen que ver los museos con esto?

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Rodney está en lo cierto al decir que el modo naturalizado de excluir a los pobres de los puestos de trabajo en el circuito del arte (museos y galerias) es a través del sistema de pasantias no rentadas. También está en lo cierto al señalar que en la discusión de la AAM, Therese Quinn propuso negar acreditación y membresía a todas aquellas instituciones museísticas que continúen teniendo un sistema de pasantías no rentadas.

Lo cierto es que una vez le pregunté a la directora del Courtauld Institute por qué había tan pocos alumnos de raza negra en la institución, a lo que respondió que a los negros no les interesa el arte europeo y tampoco les interesa trabajar en carreras que no les dé beneficios económicos inmediatos y les permita avanzar en la vida. Posiblemente estaba en lo correcto dado que en el mundo del arte lo que se intercambia no es necesariamente dinero sino prestigio y status. De hecho, las familias ricas del mundo mandan a sus hijas a trabajar a Sotheby’s y Christie’s como si estas fueras las ‘finishing schools’ de tiempos corporativos.

El argumento de Rodney es sólido, sin embargo cuando dice que ‘los museos nacieron en el Iluminismo con la promesa de la educación universal – promesa que nunca llego a cumplirse’, el autor termina poniendo el carro adelante del caballo. La política que desde veinte años viene llevandose adelante en los museos poniendo gran parte de los esfuerzos en la experiencia del visitante, haciendo dicha experiencia más y más personalizada, no tiene que ver con los objetivos y funciones de un museo. Exigirle eso a un museo es seguir poniendo recursos en un sistema, de por sí elitista, como el sistema del arte y su burocracia. El hecho es que los museos no emergieron para satisfacer los criterios de educación universal sino para proveer imágenes, modelos y copias para que los artistas se entrenen y construyan el muy iluminista ideal del ‘arte nacional’. Los museos surgieron para los artistas y no para la gente. La relación entre el museo y la democracia es mucho más indirecto de lo que Rodney y Hyperallergic dan por sentado. Hoy, los museos en el mundo han caído bajo el discurso de demagogia social y corrección politica de la inclusión de toda la sociedad porque se han convertido en una industria pero no en todos lados esto es viable. Sin ir más lejos, nuestro Museo de Arte Moderno es, sin ningún lugar a dudas, deficitario lo que implica que desvía recursos de donde podrían estar mejor adjudicados como la salud o la educación. Dicho de otro modo, no es la función de los museos enseñar a la gente ‘apreciación artística’ sino del sistema educativo. Por supuesto, si en un país como los Estados Unidos movemos la discusión a la cuestión de la igualdad de oportunidades en el sector educativo, el abismo de la desigualdad se abre frente a ellos y revela una sociedad profundamente desigual que usa a los museos para crear la ficción de la universalidad educativa. J A T

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20 fotografías que resumen la asombrosa trayectoria artística de Marc Anthony

Marco Antonio Muñiz creció entre los diversos ritmos que inundan la metrópoli neoyorquina, especialmente el rock y el rhythm & blues, y ya desde muy joven comenzó a cantar en locales y discotecas, en las que pronto adquirió popularidad.

Descubre más del Rey de la Salsa con estas 20 fotografías que resumen la asombrosa trayectoria artística de Marc Anthony

1. El pequeño Marco Antonio Muñizmarc anthony 1

Nace el 16 de septiembre de 1967 en New York. Sus padres lo nombran Marco Antonio Muñiz en honor a Marco Antonio Solís. Luego decide cambiarlo por su actual nombre artístico para evitar confusiones. 

2. Artista innato marc anthony2

Su primer escenario fue la cocina de su casa; cuando era un niño su padre invitaba en los sábados por la noche a sus amigos y subía a Marc Anthony a la mesa a cantar. 

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Las bandas sinfónicas de La Artística y La Armónica de Buñol interpretarán diferentes obras del compositor John Mackey en el Mano a Mano 2016

El Péndulo | Redacción.- A pesar de que hace unos meses se anunciaba la repetición de una de las obras en el Mano a Mano por las dos bandas sinfónicas buñolenses, La Armónica y La Artística, ahora se ha producido el cambio en el programa a interpretar de la banda de La Artística, lo que supone que no coincidirán en una de sus obras.

El Mano a Mano será el próximo 20 de agosto en el Auditorio de San Luis a las 22.30 horas.
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El Mano a Mano será el próximo 20 de agosto en el Auditorio de San Luis a las 22.30 horas.

Rafael Pérez, alcalde de Buñol, tras reunirse con Arnaldo Carrascosa, concejal de Cultura del Ayuntamiento de Buñol, y los presidentes de ambas sociedades musicales buñolenses, aseguró mostrarse satisfecho por el programa de ambas que se podrá escuchar el próximo 20 de agosto en el Auditorio de San Luis a las 22:30 horas.

En el transcurso de las reuniones mantenidas se acordó la conveniencia de no coincidir en las obras a interpretar ambas bandas sinfónicas, existiendo acuerdo entre las tres partes implicadas, Ayuntamiento y ambas sociedades, para seguir fieles a la naturaleza del concierto. De igual modo se acordó dotar de contexto éstas situaciones y aportar una normativa para las siguientes ediciones, de tal modo que si existiese una nueva coincidencia sería la Armónica la que realizaría el cambio de obra y así sucesivamente. También se oficializará la entrega de programas que se realizará en sobre cerrado en el Ayuntamiento al edil de cultura con la presencia en el acto de los presidentes y directores de ambas sociedades y del alcalde del municipio, acto a realizar a finales de noviembre del año anterior.

“Creemos que para el público asistente y los numerosos seguidores, cada edición en aumento procedentes de todos los rincones del planeta, es mucho más interesante ofrecer una diversidad en el programa a escuchar, puesto que no se trata de un concurso o certamen bandístico”, ha confirmado el edil Carrascosa. Así que, finalmente no coincidirán en una obra las dos bandas sinfónicas, ofreciendo un programa muy amplio, diverso y de gran calidad.

El concejal de cultura ha asegurado que tras ofrecerse un amplio programa diferenciado por ambas bandas sinfónicas, “conseguimos evitar que parezca un concurso entre ambas, cuando todos sabemos que no es así, porque tanto vecinos, músicos, expertos, profesionales y amantes de la buena música nos unimos en Buñol desde hace ya 43 ediciones para escuchar a las dos mejores bandas sinfónicas del mundo”.

Por su parte, el primer edil Pérez ha transmitido su confianza a ambas sociedades musicales en continuar un legado artístico-musical muy importante con el que cuenta Buñol y que desde el Ayuntamiento de Buñol cada año se intenta apostar más claramente por ofrecer mejor servicio, y “que nuestro pueblo se conozca por la gran calidad musical que cuenta en cada uno de los rincones del municipio”. Recuerda que en todas las familias buñolenses hay música, ya sea entre los más pequeños, o generaciones anteriores. “Todos estamos embebidos por nuestras dos sociedades musicales, y estamos convencidos de que este cambio en el programa agradará mucho más a los miles de aficionados, vecinos, expertos y profesionales de todo el mundo que estarán en el Auditorio de San Luis el próximo 20 de agosto”.

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Por parte de la banda sinfónica del Centro Instructivo Musical La Armónica de Buñol, el programa a interpretar en el Mano a Mano de este año 2016, bajo la batuta de David Fiuza Souto, consta de dos sinfonías originales para banda de los compositores americanos James Barnes y John Mackey. Las obras son: Sinfonía nº 8 dJames Barnes (Sinfonie für Wangen), que será estrenada en España y la Sinfonía para Banda Wine-Dark Sea de John Mackey, que será estreno en Europa.

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Mientras que la banda sinfónica de la Sociedad Musical La Artística de Buñol, dirigidos por su director titular, Henrie Adams, interpretará también una obra del compositor americano John Mackey, llamada The Frozen Cathedral. La siguiente obra que se escuchará será “St Michaels” Symphony opus 45 de Marc van Delft y Symphony nº1 “The Archangels” opus 50 de Franco Cesarini, con sus cuatro tiempos: Gabriel, The Messenger of Light; Raphael, The Guide of Souls; The Prince of Heavenly Host; y Uriel, The Time Keeper.

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Pre Panamericanos de Gimnasia Artística Femenil Guadalajara 2010 MEX en Ejercicios de Piso

Daniela de Leon Ana Lago Karla Salazar Diana Hernandez Elsa Garcia Rodriguez Blancas Club Regio

Diana Navarro Ocaña nació en Málaga el 21 de abril de 1978. Cantante española considerada como una de las mejores voces del Panorama musical. Es difícil catalogar su música: Copla, flamenco, saeta, dentro de un concepto pop ya su vez fusionado con ritmos étnicos y electrónicos, con letras llenas de emoción Sin duda un atractivo para el oyente más exigente. Una joven desconocida hasta el año 2005, año en el que edita su primer trabajo Discográfico “No te olvides de mi” con un título que no hacia más que presagiar el éxito que le venía encima. Doble disco de Platino con más de 200.000 copias vendidas, más de 120 Conciertos Nominada a los Gramys Latino como “Artista revelación”, Premios Ondas como “Artista revelación”, Premio del Público Canal Sur 2005, Premio Cadena Dial 2006, Nominada a los Premios de la Música en seis candidaturas, Pregonera de la Feria de Málaga y Malagueña del Año por diferentes asociaciones de su ciudad natal, entre otros muchos premios, son un buen reflejo de la dimensión que ha alcanzado Diana Navarro en este corto periodo de tiempo. “No se olvidó nadie de ella”. Apadrinada por el maestro Armando Manzanero en México, con quien colaboró en su disco de duetos, cantando Te extraño, diana ha hecho colaboraciones con otros artistas como Arcángel, Huecco, David de Maria y con el grupo de rock Mago de Oz entre otros. La canción Sola fue utilizada como banda sonora del corto Voces La esclavitud del s.XXI, dirigido por Mabel Lozano. Casi tres años después nos